Jérémy Lippmann met brillamment en scène la tournée album « Pafini » de Jean-Louis Aubert dont il a insufflé les intentions à Jordan Magnée qui s’est occupé du design de la scénographie, de la lumière et de la création des medias vidéo. De plus un kit ultra moderne de plus d’une centaine de petites sources laser Ayrton Kyalami fournies par MPM Audiolight appuit l’architecture globale de la scène.

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Jordan Magnée a été contacté à l’été 2024 pour participer à l’appel d’offre de la tournée album « PaFini » de Jean-Louis Aubert dont la mise en scène avait été prédéfinie par Jérémie Lippmann avec qui il travaillera main dans la main et qu’il connait d’autres projets.

Jordan explique : « Le brief était axé sur la mer, le rocher et avec une référence directe à l’arc-en-ciel de la pochette illustrée par l’artiste lui-même. L’esprit festif de « PaFini » vise à marquer ses 50 ans de carrière musicale. C’est à la fois un anniversaire et une ode à la mer, à la nature et à la poésie marquée par le rock très présent dans son univers musical. » Le prestataire de la tournée, MPM, a suivi ce projet en investissant dans un gros parc de Kyalami.

SLU : Comment as-tu travaillé ces arches ?

Jordan Magnée : « Je les ai travaillées en vidéo et dans la profondeur pour que les spectateurs, où qu’ils soient dans la salle, puissent en profiter. De face on voit leur arrondi et de côté on perçoit leur profondeur. La plus grande arche mesure 16 mètres de diamètre extérieur et 8 mètres de haut. Plus on avance vers le fond, plus leur taille diminue jusqu’à atteindre un écran qui coulisse. Il peut s’ouvrir en deux parties pour ménager l’entrée et la sortie de l’artiste de manière spectaculaire.

Présentation vidéo

Sur cette installation, un masque permet de donner l’illusion d’une quatrième arche et renforce la profondeur de la scène. Cette structure en écrans LED permet aussi de les faire disparaître quand on les éteint. Le sol est recouvert d’un revêtement noir qui épouse l’intérieur des arches et recréé les espaces des musiciens sur scène. Enfin, pour que Jean-Louis, qui est proche de son public, puisse aller dans la salle, nous avons prévu un escalier arrondi pour créer une transition scène/salle sans crash barrière. Le travail de la lumière est venu s’intégrer ensuite dans cette architecture car les arches sont espacées de 2 mètres. »

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Jordan Magnée suit des études d’architecture à Bruxelles. Ayant toujours eu l’objectif de travailler dans le milieu du spectacle, il utilise ses connaissances pour devenir scénographe et développe ses compétences en vidéo en suivant un master en scénographie digitale à Londres.

« J’ai commencé à travailler pour un collectif d’éclairagistes qui s’appelait All Access Design. Avec eux j’ai multiplié les expériences professionnelles et appris à concevoir un kit lumière. Cela m’a permis d’imaginer des projets à 360° pour optimiser la cohérence artistique de mes créations ».

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Ayrton Kyalami : la puissance laser au service du spectacle

116 x Ayrton Kyalami assurent des effets géométriques impressionnants. Disposés sur deux ponts en arches concentriques, leur faible encombrement permet de les aligner côte à côte pour créer des rendus innovants en projection de faisceaux uniques ou via les prismes et gobos.

Jordan explique : « Les Kyalami, me permettent de reformer l’arrondi de l’arche pour la retranscrire en lumière. C’est un effet impossible à réaliser avec des barres Led, d’autant plus que j’en avais besoin en quantité pour mettre en valeur l’architecture de ma scénographie et créer un style particulier. Cette installation donne lieu à des tableaux diversifiés quand les faisceaux partent dans un sens puis dans un autre ou qu’ils sont travaillés par groupes et en couleurs.

Pour moi c’est une matrice de lumière que je peux décortiquer dans tous les sens et qui offre beaucoup de possibilités ». Deux arches de ponts cintrés supportant des Kyalami alternent avec les arches vidéo. « Ajouter des arches de Kyalami entre les arches d’écrans vidéo, accentue la profondeur de la scène. De ces plans de lumière naît un dialogue qui prolonge la vidéo. »

Le Kyalami est un projecteur Beam ultra-compact à source laser phosphore de 100 W, capable de 400 000 lux à 10 mètres, conçu pour les concerts, installations architecturales et événements en plein air car classé IP65. Sa lentille frontale de 126 mm associée à un système optique à trois lentilles, produit un faisceau à bord net de 1°. Le projecteur bénéficie d’une double rotation infinie (pan/tilt), d’une trichromie CMY, de 29 gobos fixes, 17 filtres de couleurs et deux prismes combinables, pour une large palette créative. Il répond aux protocoles DMX, ArtNet, sACN et intègre un récepteur CRMX pour une liaison sans fil.

SLU : Que penses-tu de cette machine et comment l’as-tu utilisée ?

Jordan Magnée : « Je voulais créer un tunnel de lumière qui nécessitait l’utilisation de nombreuses machines côte à côte pour créer des animations de faisceaux fluides. Fabian de Brucker responsable commercial d’Ayrton m’avait précédemment parlé des Kyalami et à l’évocation de mon projet, il m’a proposé une démo que j’ai trouvée intéressante. Par ailleurs je craignais que des beams à LED manquent de puissance devant les écrans LED. Pour ces raisons j’ai fait cette demande auprès d’MPM, le prestataire de la tournée. Je trouve ces machines assez polyvalentes. Entre le prisme, le frost et les gobos, je peux diversifier les tableaux lorsqu’ils sont utilisés en douche, dans le public ou en mouvement quand ça a du sens.

SLU : Comment classes-tu cette lumière laser comparée à la LED ou la lampe ?

Jordan Magnée : Pour moi ce sont avant tout des machines à effets, conçues pour créer de l’architecture lumière. Elles sont puissantes en blanc et permettent aussi d’éclairer les artistes en douche mais elles perdent de leur intensité en couleurs. En frostant, on perd un peu et c’était compliqué parfois de se démarquer de la vidéo, mais on a observé qu’en orientant les faisceaux face au public on récupérait visuellement de l’impact même si c’est une position dont on ne peut pas abuser. Dans mon cas, pour prolonger la scénographie, ça fonctionne bien.

SLU : Avez-vous eu des soucis avec ces machines ?

Jordan Magnée : Pendant l’encodage, on a eu des soucis d’adressage. Parfois lors de changements de couleurs sur un même tableau, toutes les machines n’étaient pas raccords en termes de timing. Le prestataire ayant un kit tout neuf, il a fallu le mettre à jour et le SAV Ayrton a répondu rapidement. »

Architecture lumineuse et dynamique scénique : Le kit Lumière

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Un pont en arc de cercle au-dessus de l’arche vidéo supporte aussi des blinders Chauvet Strike Array 2C.

SLU : Pourquoi les Chauvet Strike Array 2C

Jordan Magnée : « L’intérêt est de les travailler en couleurs. Je les utilise pour souligner l’architecture de la scène. C’est un blinder assez chaud dont j’aime la lumière qui je trouve va bien avec le côté rock de l’artiste. J’ai pu constater sa polyvalence à performer dans les dégradés avec la puissance d’un blinder pour créer des pêches blanches ou bleues, par exemple, en raccord avec des tableaux plus poétiques.

Personnellement je n’aime pas les blinder en couleurs chaudes sur un tableau en couleurs bleues car on perd l’intimité et donc leur capacité à jouer en couleur était un point fort. Cela dit, ce sont des appareils à LED et quand on passe le dimmer de 0 à 1, il y a un petit saut de niveau. On ne peut donc pas produire la jolie courbe d’un blinder à lampe. »
On les trouve également sur le pont de face, dirigés vers public et en latéral sur de petits totems accueillant également des Color Strike M. « Les totems viennent casser le cadre de scène et les formes arrondies, pour donner de l’ampleur à l’espace scénique. Ils sont principalement utilisés pour projeter des effets. »

Le Chauvet Strike Array 2C est un projecteur blinder/strobe LED à deux sources contrôlables indépendamment, conçu pour des performances en extérieur grâce à son indice de protection IP65. Il combine 28 leds RGBA et 39 leds blanc chaud par source, offrant une palette chromatique étendue et une température de couleur variable de 2800 à 6500 K.

Capable d’un flux lumineux de 26 000 lumens, le Strike Array 2C assure également un effet « red shift » simulant le comportement des lampes tungstène en gradation. Chaque tête est orientable manuellement, pour ajuster les faisceaux. Le système d’interconnexion sans outil facilite l’assemblage de plusieurs unités pour des configurations modulables. Enfin il est compatible avec les protocoles DMX-RDM, Art-Net et sACN.

Au sol des Chauvet Color Strike M. soulignent l’arrondit de la scène et créent un contre puissant. « Ici je les travaille comme des contres pour un rendu graphique. Je ne les joue pas du tout en tilt, mais comme la source est très visible, ils sont utilisés en dalle sur certains tableaux.
Un kit de ces machines est aussi installé à côté des arches. Globalement les Color Strike M. servent à amener de la dynamique dans le show mais sans excès.

Des Martin Mac Aura PXL sont placés au sol à contre en fond de scène et sur trois totems positionnés entre les arches à raison de trois machines par totem. Ils assurent les latéraux en plus de marquer joliment les bords de scène en lumière.

Jordan Magnée explique : « Je les utilise en wash pour éclairer en latéral les artistes et les musiciens, notamment quand le bassiste et le guitariste se déplacent sur les côtés de la scène. Cela me permet de compléter les éclairages de face et douche. Le but était de varier les façons d’éclairer les artistes dans cette espèce de “grotte” créée par les arches. »

SLU : Ce sont avant tout des washs mais ces machines peuvent aussi faire des effets. As-tu exploité cette particularité dans ton design ?

Jordan Magnée : « Je les ai utilisés en wash principalement mis à part pour le tableau du titre « Ailleurs » où je les contrôlais en pixel par pixel pour représenter un ciel étoilé car ça avait du sens. Mais ces machines sont contrôlées en mode simple sur la majeure partie du concert. »

Le Martin Mac Aura PXL est un projecteur wash doté de 19 sources LED Osram Ostar RGBW de 40 W, contrôlables indépendamment, qui produisent un flux de 19 000 lumens. Son zoom motorisé couvre une large plage de 7° à 55°, pour un faisceau serré très défini et un faisceau large homogène. L’effet Aura, produit par 141 leds RGB de 0,42 W, assure un rétroéclairage dynamique et personnalisable. Il accepte les protocoles DMX, Art-Net, sACN et le système P3 de Martin.

SLU : Quelle est ton approche artistique en couleurs ?

Jordan Magnée : « J’essaie de ne pas trop varier les couleurs des tableaux que je considère comme un ensemble. En général, je m’arrête à deux nuances de même teinte et je joue sur l’intensité et la position. En revanche il peut m’arriver pour accentuer l’impact de choisir deux couleurs contrastées.

Installés en douche sur trois ponts linéaires dont le premier mesure la largeur de la scène, les Robe MegaPointe sont des bêtes de scène indétrônables.

SLU : Comment utilises-tu les Robe MegaPointe et que penses-tu de ces projecteurs iconiques ?

Jordan Magnée : Ils s’intègrent entre les arches, là où il n’y a pas de Kyalami et me servent également à casser un peu l’arrondi de la scène et pour marquer les pêches de gros wash plateau. On les utilise également en faisceau serré par moments pour ajouter de la profondeur car ils sont séparés dans les niveaux de plan de feu. Enfin ils servent à faire des douches ciblées et assez rock sur les artistes ce qui apporte beaucoup de graphisme sur scène.

J’utilise souvent les MegaPointe. Ce sont des projecteurs polyvalents performants en faisceau serré et en wash. Ils ont des gobos intéressants et quand on les intègre dans un kit, on sait que l’on dispose de nombreuses possibilités de varier les tableaux. Ils s’intègrent dans à peu près toutes les envies artistiques et donc je les aime bien. »

Robe Forte : Lumière sur l’intimité public-artiste

Pendant le concert, Jean-Louis Aubert passe près d’un tiers du show dans les gradins au contact de son public. Il est alors suivi par 2 RoboSpot connectés à des Forte FollowSpot. Jordan Magnée explique : « La relation avec le public, se fait à la poursuite, depuis le pont de face, et avec les blinders dont on pousse l’intensité selon la musique. Ils ont ce rôle d’éclairer la fosse pour créer un espace de dialogue avec l’artiste.

SLU : Et quand les musiciens se déplacent en salle, comment sont-ils éclairés ?

Jordan Magnée : « Ces moments où le bassiste et le guitariste suivent Jean-Louis Aubert qui performe dans les gradins sont mis en scène. Ils sont également suivis depuis le pont de face par Follow Spot Robe Forte.

SLU : Ils sont assez puissants ?

Jordan Magnée : Oui, ce sont des machines puissantes performantes à la face. Quand Jean-Louis rejoint une b-stage au niveau de la régie pour un deux par deux entre la scène et la B-Stage, il bénéficie de deux systèmes de poursuite RoboSpot en Forte pour assurer une transition fluide. La mise en place a demandé un peu de travail mais ça fonctionne bien. Par ailleurs, le guitariste et le bassiste exploitent complètement l’espace qui s’ouvre sur 24 mètres.
On associe donc des faces dédiées quand ils sont à leurs positions et des machines qui les suivent sur les côtés de la scène. A un autre moment encore, ils vont jouer dans le public et là on utilise des projecteurs de face pour les éclairer jusqu’à une position précise où ils ne doivent plus bouger. Quant au clavier et au batteur, ils ne bougent pas et disposent de faces fixes. »

Le Robe Forte est un Profile équipé d’un moteur de leds blanches de 1 000 W adapté aux grandes scènes et captations télévisuelles dont le flux lumineux atteint 50 000 lumens. Sa plage de zoom de 5,5° à 55°, sa trichromie CMY + CTO progressif, sa double roue de gobos et son module découpe, en font un outil polyvalent. Robuste et silencieux, le Forte se distingue par sa puissance, sa flexibilité optique et son moteur de leds interchangeable TE.

Arches LED Custom : Le Défi Scénographique Relevé par Alabama

La prestation vidéo et la fourniture des arches ont été confiées au prestataire Alabama qui a fait appel à son réseau de sous-traitants pour fabriquer les arches. Avec un fort impact sur l’architecture globale de la scénographie, leur fabrication a bénéficié d’une attention toute particulière afin de répondre au mieux à la demande custom de Jordan. Le résultat est très réussi.
Ce dernier explique « En termes de dimensions on s’est arrêté à des arches d’un mètre de largeur. L’intérêt était d’utiliser des écrans black face qui ne laissent pas d’empreinte visuelle quand on les éteint pour que les arches disparaissent au besoin. »

La forme particulière de ce support de diffusion a bien sûr eu une incidence sur la création des médias « Les arches sont espacées et il y a un vrai jeu de profondeur qu’il a fallu intégrer dans la création vidéo pour créer et jouer sur des illusions d’optique. J’ai réalisé un moodboard grâce aux tests que nous avons réalisé sur une maquette animée avec un vidéoprojecteur.
Cela permettait de tester les médias et vérifier le rendu de chacun des titres de la setlist, avec le metteur en scène et l’artiste. » Le résultat est somptueux avec cette spécificité d’apporter une expérience unique en plus d’un rendu fortement instagrammable.

SLU : Quels logiciels ont été utilisés pour la réalisation des médias ?

Jordan Magnée : « Unreal, After Effects, un peu d’IA et du SMODE qui est aussi le média serveur du show en live. On a aussi utilisé Procreate pour retrouver le grain du « dessiné à la main ». Suivant les tableaux, on adaptait les outils.

SLU : Lorsque vous prolongez l’arche vidéo avec la lumière, comment gérez-vous le raccord de teintes ?

Jordan Magnée : On avait mis en place un système de pixel mapping mais le résultat n’a pas été concluant et on perdait en lisibilité. Finalement on gère les teintes à la console. »

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Le Workflow grandMA3 : Innovations et défis pour les Grandes Productions

Dans l’équipe de Jordan, je rencontre Valentin Nebati, pupitreur sur grandMA 3 soft 3, la console par excellence des plus gros shows. La tournée de Jean-Louis Aubert est d’ailleurs envoyée à la main et sans timecode. C’est l’occasion de le questionner sur les fonctionnalités qu’il affectionne dans ce workflow mis à jour.

Valentin Nebati : « La version sortie à ce moment me semblait suffisamment aboutie et c’est la première tournée que je pupitre en soft 3. Je suis en étroite collaboration avec Axente et MA Lighting via Daniel Kannenberg, qui est le chef développement de MA Lighting pour leur faire passer mes retours, les points à améliorer, les fonctions qui manquent voir les bugs rencontrés sur le soft. On échange par mail et on se rencontre sur les salons.

SLU : Quelles sont les fonctionnalités que tu affectionnes particulièrement dans cette console ?

Valentin Nebati : Son workflow est intuitif. En 2025 on est tous au quotidien sur tablettes à avoir des gestes tactiles dans nos habitudes, cela influe sur le workflow. Cela dit, à mon sens, la GrandMA 2 n’est pas obsolète car elle fait tout ce qu’on lui demande. En ce qui concerne les nouveaux effets que j’apprécie dans le soft 3, il y a le “Phaser”, qui permet de faire plus de deux steps et que je trouve intéressant pour les nouvelles possibilités qui en découlent. Il y a la possibilité d’importer des fichiers MVR. On peut dessiner les décors, les écrans et les ponts de projecteurs sur Vector, Wysiwyg, Depence etc. puis importer le fichier de la scène complète dans la console directement. Et pour l’encodage Festival, le Recipes est appréciable car malgré un encodage un peu long, il permet de gagner du temps au final.

SLU : Tu pupitres sur d’autres marques ?

Valentin Nebati : Non. J’ai essayé ChamSys car je suis proche de Rémy Rouvoy et David Launay de Chauvet. On passe plusieurs journées découverte ensemble par an et c’est une console efficace mais en France elle n’est pas assez répandue comparé au Royaume-Uni, aux Pays Bas et à la Belgique. La MA et son workflow sont plus simples à mon sens car on peut la personnaliser et aller loin dans la programmation. De plus il y a des fonctions qui n’existent pas chez ChamSys et qui font gagner du temps. Cela étant dit, je reconnais la force de ChamSys d’êtres plus rapide qu’MA dans ses update et upgrade.

SLU : Est-ce que tu as eu des problèmes de stabilité ou identifié des défauts ?

Valentin Nebati : Oui, il y a des défauts ou des détails que je fais remonter à MA via Axente. Par exemple quand on bloque des machines, il n’y a pas d’indicateur précis comme sur la MA2 pour dire que telle machine est « parker ». L’encodage en Recipe, prend du temps qui est difficile à justifier auprès des prods.
Idem pour certains effets qui assurent de nouvelles possibilités et qui sont faciles à créer mais complexes à modifier et si on veut les appliquer à des machines différentes, c’est un enfer. Cela étant dit, malgré tout, le soft 3 a beaucoup et bien avancé, sinon je ne tournerais pas avec. »

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Valentin Nebati est originaire de Calais dans le nord de la France. Il pousse son premier flight à l’âge de 14 ans dans une entreprise locale où il développe ses compétences en lumière, vidéo et structure les mercredis après-midi et les week-ends, quand il n’a pas cours. Son bac en poche il monte sur Paris pour suivre une formation spécialisée en son à l’E.M.C. pendant deux ans et en alternance chez Silence où il décroche ensuite un emploi en CDI.
Un an plus tard, au gré des propositions et de ses expériences pros, il se spécialise finalement en lumière et part en tournée pour « Franz & Fritz » puis il travaille avec Jordan Magnée et Nicolas Galloux. Il travaille sur des projets de mode, sur Grease au théâtre Mogador, pour de l’Évènementiel et pour des émissions de télévision dans l’équipe de Fredéric Dorieux.

« Depuis 6 ans environ j’évolue sur des émissions renommées comme « Danse avec les Stars », « The Voice », « Les Victoires de la Musique » ou encore « Les NRJ Music Awards ». Mais aussi sur des tournées comme Eddy De Pretto ou M. Pokora, etc. » Autodidacte en lumière, « J’ai appris 80 % de la console tout seul et 20 % grâce à de l’entraide », il est aujourd’hui pupitreur confirmé sur la tournée de Jean-Louis Aubert.

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La tournée « PaFini » de Jean-Louis Aubert révèle une scénographie où la technologie se met au service de la poésie et de l’interaction de l’artiste avec son public. Grâce à la vision du metteur en scène Jérémie Lippmann, des choix lumière de Jordan Magnée qui en ont découlés et du travail au pupitre de Valentin Nebati, le public est plongé dans un univers visuel spectaculaire où lumière et vidéo dialoguent pour créer des dimensions lumière inédites.
Les arches sur mesure d’Alabama, les projecteurs Ayrton Kyalami, Chauvet Strike Array 2C, Chauvet Color Strike M, Martin Mac Aura PXL et Robe MegaPointe, Robe FORTE contrôlés par deux consoles grandMA3 sont les outils créatifs piliers de cette scène particulièrement large et créative. Une collaboration étroite entre l’équipe de la tournée et le prestataire MPM, a permis de repousser les limites, offrant à l’artiste une zone de fête et de magie à la hauteur de ses 50 ans de carrière.

Un gros bravo pour ce show résolument immersif, rock et humain 😉

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Le Roi Lion au Théâtre Mogador brille grâce au design lumière de Donald Holder qui recrée une savane africaine vivante et immersive avec à un kit majoritairement ETC.

Le Roi Lion est un mythe ou une épopée qui s’étend sur plusieurs générations et s’inspire de la dramaturgie Shakespearienne. L’adaptation en comédie musicale, tout en restant proche du concept de base, s’éloigne de l’univers de Disney pour donner vie à une création vivante et vibrante qui personnellement m’a fait vivre beaucoup d’émotion. Pour soutenir ce show intense, mis en scène par Julie Taymor, Donald Holder, éclairagiste de renom, a mis en œuvre ses idées sur un kit aujourd’hui majoritairement ETC afin de créer les près de 200 tableaux et déclinaisons qui se succèdent.

Un kit pointu dont le prestataire est B-Live

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En fond de scène, un cyclorama recréé un ciel de savane africaine particulièrement profond. Au plateau des SolaFrame installés sur perches, pont et tours éclairent les artistes et le décor. En salle on trouve une quantité d’ETC Source Four Séries 3 Lustr X8 pour assurer une face particulièrement détaillée. De plus, Donald Holder a cherché à créer une atmosphère toute particulière pour l’entrée du public et des artistes. Dans la salle il associe gobo et brouillard pour construire une allée de lumière qui marque le passage.

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Donald Holder est un concepteur lumière américain de théâtre, d’opéra, de danse, de cinéma et de télévision basé à New York. Né en 1962, il est une figure reconnue dans son domaine. Il a été nominé quatorze fois aux Tony Awards et a remporté le Tony Award de la meilleure conception lumière en 1998 pour son travail sur « Le Roi Lion ».
Par ailleurs il est diplômé de l’Université du Maine et de la Yale School of Drama. Il a été directeur de la conception lumière à la School of Theater du California Institute of the Arts de 2006 à 2010, et est actuellement directeur de la conception lumière à la Rutgers University Mason Gross School of the Arts dans l’Etat du New Jersey.

Le Cyclorama base de travail incontournable pour une atmosphère africaine

Le Roi Lion, est un spectacle très lumineux, coloré, brillant et chaud dans l’atmosphère générale. Le cyclorama, un des composants techniques les plus importants de cette ambiance, évolue tout au long de l’histoire. Il est éclairé en rétroprojection par deux lignes de barres leds ETC Selador Vivid R séparées par une ligne de barres Led Philips Cove blanc chaud/blanc froid. Ces barres projettent la lumière sur un réflecteur, produisant ainsi des nuances et des textures fines pour simuler un ciel de savane profond.

Pedro Oliveira, chef du département lumière, décrit : “ On va pouvoir créer des dégradés sur toute la partie inférieure du cyclo complétée par une autre barre de LED en hauteur qui vient rétroéclairer les nuages projetés car ils sont à différentes hauteurs pendant le spectacle. Des découpes sur les côtés débouchent légèrement le cyclo pour qu’il soit vraiment parfait. Cette installation provient d’un kit de tournée à la base. Il est donc déjà monté sur des ponts massifs, conçus pour venir se clipser ensemble sur roulettes si besoin de partir dans des semi-remorques. »

SLU : J’ai été impressionné par la retranscription sur le show de ce qu’on pourrait imaginer de l’Afrique. Donald, pouvez-vous m’en dire plus sur votre inspiration ?

Donald Holder : L’idée du décor est inspirée par les vastes paysages du Serengeti en Afrique. Julie Taymor, la réalisatrice, souhaitait avoir sur scène un espace où le ciel semblerait continu. Il ne devait pas être défini par les bords durs du cadre que l’on a traditionnellement au théâtre. Et c’est pour cette raison que le ciel s’étend même dans le masquage. Finalement nous avons cherché à intégrer les mécanismes du spectacle pour qu’ils fassent partie intégrante de ce paysage céleste.

J’aurais aimé pouvoir dire que je suis allé au Serengeti, mais beaucoup de mes recherches visuelles, sur les couleurs et les ombres que l’on ressent, de l’horizon jusqu’à la partie supérieure du ciel, font référence à ce que nous avons pu voir en photo Julie Taymor et moi-même. Nous avons passé du temps, avant les répétitions, à chercher la bonne façon de les composer pour la création de la première version du spectacle qui s’est jouée en juillet 1997 à Minneapolis.

SLU : Quelles sont les idées fortes qui se dégagent de votre travail ?

Donald Holder : Parmi elles, il y a ce que nous appelons un « creamsicle ». C’est une sorte de nuage dentelé qui se forme dans le ciel du désert. On le trouve dans la première scène de l’acte 2. C’est une abstraction, bien sûr. Et il y a aussi les couleurs que nous avons soigneusement choisies avec Julie, (également costumière du show). Ces choix, très réfléchis, sont liés à tous les autres éléments sur scène pour faire exploser les costumes de premier plan et les décors, qui s’inspirent des textiles africains. J’ai donc fait mes choix de couleurs selon une palette soigneusement sélectionnée.

SLU : Comment avez-vous travaillé cette idée techniquement ?

Donald Holder : Le ciel du Roi Lion est en général éclairé sous plusieurs angles, c’est-à-dire de l’avant et de l’arrière et en deux couches. On utilise une technique assez traditionnelle de projection arrière sur plastique. Ensuite, à environ un mètre de là, il y a un bounce, qui n’est autre qu’un morceau de mousseline javellisée. L’idée était d’avoir deux rangées d’éclairage au sol à la base du cyclorama, dont l’une se concentre sur la partie inférieure du ciel et l’autre sur la partie supérieure.
Ensuite, une troisième rangée au sol éclaire la chute de rebond, ce qui est très inhabituel, et crée ce que nous appelons une ligne d’horizon de lumière beaucoup plus définie et chaude. Sur les côtés, il y a également une position d’éclairage depuis une tour ou une perche avec des profiles LED SolaFrame 1000 qui éclairent également le rebond au centre. Et grâce à ces multiples couches de lumière, le ciel prend vie avec de la profondeur, de la luminosité et une pointe de surréalisme et c’est ce qui lui donne sa magie.

Le ciel est comme un personnage à part entière qui change constamment. En effet, nous passons par toutes les heures de la journée et toutes les saisons et même si ce n’est pas à prendre au sens littéral, on a la sensation du temps qui passe. »

Lancé en 2010, Selador Vivid R by ETC a été le premier luminaire à synthèse additive de 7 teintes de leds pour restituer fidèlement les teintes de peau. Pour une longue portée, il utilise 40 leds de puissance (Rebel 2,5 W) associée chacune à un collimateur 19°. Ce module est répliqué dans 4 longueurs de coffrets, de 30 cm à 1,60 m qui peuvent être associés à différents diffuseurs symétriques ou asymétriques pour adapter l’angle de projection.
Sa température de couleur est donc réglable entre 2 700 K et 6 500 K avec un IRC supérieur à 90. Il produit jusqu’à 10 000 lm. Cet appareil n’est malheureusement plus fabriqué par ETC qui propose par contre à son catalogue les Vivid D40 et D60.

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Plan Feu Stage

SLU : Les technologies d’éclairage ont fortement évolué depuis la création du spectacle en 1997. Comment vous êtes-vous adaptés ?

Donald Holder : « A l’époque, nous n’avions pas de barres LED. On éclairait traditionnellement avec des barres à sources halogènes associées à des filtres couleur en verre. On était limité à trois couleurs par position pour éclairer le cyclo. Comme cela ne nous convenait pas, nous avions déjà prévu un double jeu barres sur chaque position afin de créer un système de mélange additif à six couleurs et démultiplier les possibilités. Lorsque nous avons enfin trouvé une barre LED satisfaisante, il s’agissait finalement du système de mélange additif à sept couleurs du Vivid R.

SLU : Entre les lignes d’ETC Vivid R vous avez installé une barre de leds blanche Cove Philips. Pourquoi ?

Donald Holder : Elle sert à quelques moments dans la production comme à la fin de la séquence « Soyez prêts ». Lors de l’éloge funèbre après la ruée de gnous, par exemple, nous avions besoin d’un blanc très froid pour recréer un effet initialement issu de lampes fluorescentes. Pour nous c’est un élément important de l’éclairage du show.

SLU : Pedro, tu utilises et entretiens le kit au jour le jour avec ton équipe, que penses-tu Vivid-R ?

Pedro Oliveira : Ces barres ont déjà une dizaine d’années. Et c’est un projecteur qui est lourd mais il fait bien ce pour quoi il est prévu, il tient dans le temps et il est puissant avec sa synthèse de couleurs additive à 7 couleurs de leds, on obtient de belles nuances particulièrement dans les teintes saturées. Sur un réflecteur, ça fonctionne super bien. »

Rénovation du kit et passage de l’halogène à la Led

Avec les années le show a pris de plus en plus de place dans le paysage classique du musical. Un challenge pour la production qui peine parfois à trouver le temps de mettre à jour les appareils utilisés avec du matériel récent.

Donald Holder explique : « Même si nous allons de l’avant et avons dû remplacer pratiquement tous les luminaires spécifiés lors de la création du spectacle, notamment sur le territoire européen, nous sommes soucieux de conserver l’essence du design. Chaque élément est lié aux autres disciplines. Les décors et les costumes, dont la palette est soigneusement choisie s’accordent avec l’éclairage à base de chaleur, comme la lumière halogène, qui se rapproche de la nature, de la lumière du soleil et du feu.

Julie Taymor a toujours été très claire sur le fait que la palette de couleurs devait donner l’impression d’avoir été créée à partir de la terre et dans les tons ocre brûlés, safrans et les minéraux, la végétation et les tissus de la région. Rien ne devait donner l’impression d’être électrique, artificiel ou électronique.

SLU : C’est donc plus facile de produire ce type de couleurs à l’aide de lampes à incandescence.

Donald Holder : « Lorsque l’on entre dans le monde des LED, qui sont des éclairages à semi-conducteurs, il est infiniment plus difficile d’obtenir ce type de palette de couleurs. C’est pour cette raison que nous avons longtemps résisté au passage à la lumière LED. Puis nous y avons été en quelque sorte forcés lorsque l’UE a imposé des mandats d’efficacité énergétique à toutes les sources d’éclairage du continent. L’Angleterre a suivi et nous nous sommes trouvés dans une situation où les sources que nous utilisions habituellement étaient interdites ou retiré du marché progressivement. Nous ne pouvions même plus acheter de Color scroller. C’est ainsi que nous nous sommes mis en mouvement.

Et heureusement pour nous, la lumière ou plutôt l’appareil qui nous rapprochait le plus d’une source halogène, était le Source Four Series 3 en raison des huit teintes de leds qui composent sa source et notamment son rouge profond. Nous avons travaillé en studio sur la correspondance des couleurs entre les sources originales et les Source Four 3 et, même s’il n’est pas toujours possible d’obtenir un résultat absolument parfait, on s’en rapproche. »

Le projecteur ETC Source Four Series 3 Lustr X8 est une version LED avancée du Source Four Series 2 Lustr X7, ajoutant des diodes rouges intenses à son moteur de leds pour optimiser le rendu des tons chauds. Le Source Four Series 3 existe aussi en version Daylight HDR, avec une source à 6 teintes de leds, spécialisée dans les nuances de blancs. La version Lustr X8 produit un flux de 11 000 lm. Celui de la Daylight HDR atteint 14 000 lm contre 8 500 lm pour la Source Four Series 2. La Series 3 bénéficie également d’un meilleur IRC supérieur à 90, améliorant significativement la fidélité des couleurs.

SLU : Faites-vous systématiquement les mises à jour du soft ?

Pedro Oliveira : « Avec les mises à jour des Series 3, les courbes de gradation ont un peu évolué, mais on a dû renoncer aux updates de firmware qui auraient pu modifier l’encodage du show. Cela étant dit, les Source Four 3 sont fiables et nécessitent peu de maintenance si ce n’est un entretien régulier. »

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Optiques XDLT : Les Source Four LED Series 2 puis Series 3 ont bénéficié de nouvelles optiques, adaptées à leurs évolutions de dalles LED Lustr X7 puis Lustr X8. Car si depuis le tout premier Source Four halogène sorti en 92 jusqu’à la version LED de 2021 la monture des optiques ETC n’a jamais changé, permettant une réutilisation rentable dans le temps des nez du projecteur, des améliorations optiques ont été apportées pour tirer le maximum des nouvelles dalles à 7 couleurs puis 8 couleurs de LEDs.

En effet, le Source Four LED, de quelque génération soit-il, reste compatible et largement utilisable avec toutes les optiques. Mais le rendu est perfectible si on utilise la dernière génération du projecteur avec une ancienne génération d’optiques. Pour éviter tout défaut optique, le fabricant a retravaillé le traitement des lentilles et leur disposition, pour parvenir à améliorer la définition. Le rendu est ainsi plus net et contrasté.

Ces nouvelles optiques appelées EDLT (Enhanced Definition Lens Tube) pour la Series 2, puis XDLT pour la Series 3 permettent aussi de mieux concentrer la lumière et d’apporter un gain de luminosité significatif, mesuré jusqu’à plus de 75% supérieur* par rapport aux premiers objectifs.

Éric Leroy explique : « La technologie LED des Source Four LED Series 3 utilise 90 LEDs et produit un angle large. Pour canaliser la lumière, il fallait donc que la lentille d’entrée soit plus large. Attention toutefois à ne pas utiliser un objectif XDLT de dernière génération avec une source Tungstène, car ceux-ci sont traités avec un traitement qui peut fondre face à tant de chaleur, à la différence des EDLT qui sont compatibles sur toutes les générations de sources. »

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SLU : Le Roi Lion est-il encore produit avec des sources halogènes ailleurs dans le monde ?

Donald Holder : « Mogador, est l’une des adaptations les plus récentes et nous avons pu mettre en œuvre les nouvelles technologies dans cette production en spécifiant des Source Four Series 2 puis des Series 3 en 2022 alors même qu’elles n’étaient pas encore disponibles sur marché et avec la gracieuse participation d’ETC. Les autres productions dans le monde bénéficient depuis des Series 3. Mais Paris a été un laboratoire puis un modèle pour mettre en œuvre cette transition. À New York, le spectacle est à l’affiche depuis 2007 au Minskoff et 20 ans plus tard, le kit n’a pas changé à l’exception de quelques éléments.

SLU : Comment l’équipe s’approvisionne-t-elle en consommables ?

Donald Holder : Avant qu’elles ne soient retirées du marché, nous avons acheté des stocks de lampes pour maintenir la production en cours. L’autre difficulté est que la direction souhaite éviter les pauses prolongées qui coûtent très cher. C’est pourquoi nous apportons des changements progressivement entre la fin d’un spectacle, le dimanche soir, et la représentation suivante, le mardi.

SLU : Qu’est ce qui a prévalu dans le choix des asservis SolaFrame 1000 High End ?

Pedro Oliveira : C’est un projecteur qui est parfaitement adapté au monde du théâtre pour la discrétion de son système de ventilation : on ne l’entend pas. Nous avons toujours en revanche 6 Vari Lite VL 4000 qui font quasiment le bruit du kit en entier. Pour revenir au SolaFrame 1000, c’est une machine plutôt fiable. On a juste eu des soucis de calibration, mais du point de vue du rendu, il est super. Il n’est pas très puissant mais pour nos besoins c’est suffisant.

SLU : Envisagez-vous de remplacer le VL 4000 par un Spot à leds ou à source Laser ?

Donald Holder : Remplacer ces projecteurs est notre grand défi. Lors du passage des marionnettes Bunraku, les acteurs sont complètement encapuchonnés de noir, de sorte qu’on ne les distingue pas au profit des neuf pièces de costume sur des tiges qu’ils animent.
Ce passage à lieu dans un champ d’étoiles projetées. C’est un motif africain gravé qui évoque le cosmos et s’inspire directement des costumes. À l’origine ces éclats de lumière étaient créés à l’aide de projecteurs de diapositives HMI 2K accrochés à la balustrade du balcon et dans un noir absolu sur l’espace négatif.

Les diapositives étaient en verre trempé gravé à la main et recouvert d’un revêtement opaque très résistant à la chaleur. L’idée était de passer d’une image à l’autre en fondu enchaîné. Bien sûr, ces projecteurs ne sont plus fabriqués. Comme nous avions besoin d’une source ponctuelle très lumineuse pour projeter des éclats de lumière nets, à l’époque, le VL 4000 était la meilleure source. Il sert aussi à recréer une chute d’eau et les nuages en mouvement. Aujourd’hui, les VL 4000 ne sont plus fabriqués ni pris en charge et récemment, nos tests nous ont amené à nous intéresser à un système de projection vidéo à source laser. »

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Pedro est le Chef du Département Lumière (HOD Light) au Théâtre Mogador, où il supervise l’intégralité de l’éclairage des spectacles, en se concentrant sur la production du « Roi Lion ». « Nous avons mis en place le kit lumière avec un programmeur du show et avec l’équipe de création. Nous prenons le relais au jour le jour pour envoyer les tableaux et restituer la conduite.

Au total nous sommes sept sur l’exploitation du spectacle avec un opérateur, quatre poursuiteurs dont deux au plateau au niveau du cadre de scène et deux à la face au lointain, ainsi que deux bloqueurs, qui veillent au bon fonctionnement de l’éclairage » Son expérience l’a également mené à des collaborations ponctuelles comme sur « Chicago ».

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Un système de contrôle lumière avancé

Le spectacle Le Roi Lion à Paris est encodé et contrôlé par une console ETC Eos Ti couplée à une Gio@5 en backup, avec l’avantage de pouvoir utiliser l’outil couleur d’EOS sur le kit.

Des algorithmes spécifiques ont été développés par un groupe de recherche interne, nommé Advanced Research Group. Ils sont intégrés dans le firmware des projecteurs. Concrètement, cela signifie que les huit teintes de leds des Source Four Series 3 sont pilotées en mode RGB à 3 canaux, pour reproduire plus simplement une large gamme de teintes avec une grande précision colorimétrique.

Comme l’explique Éric Leroy, coordinateur de projet chez ETC France : « Pour garantir la fidélité des couleurs, il est indispensable de connaître la caractéristique spectrale exacte des émetteurs lumineux, c’est-à-dire leur distribution de radiation. Ces données sont fournies par les fabricants. Sans cette information précise, il est impossible de garantir que les valeurs DMX produiront la couleur attendue. »

En ce qui concerne le réseau, le kit est contrôlé via un réseau fixe en fibre optique rénové à l’époque par Dushow et dont les nodes et switch sont doublés en spare.

Théâtre Mogador, symbole d’une culture partagée et accessible depuis 1919

Enora Le Fustec, de l’équipe commerciale et marketing du théâtre, retrace les débuts du mythique Théâtre Mogador, inauguré en 1919 par le président Woodrow Wilson et né de la passion d’un lord anglais pour une danseuse française. Malgré un succès initial mitigé, Mogador s’impose progressivement comme un carrefour entre l’opéra prisé par la haute société et le théâtre populaire pour devenir pionnier du genre opérette en France.

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La reprise du théâtre en 2005 par Stage Entertainment France marque un tournant majeur avec d’importants travaux entrepris pour accueillir la production monumentale du « Roi Lion ». « Le théâtre a été rénové pour supporter les contraintes techniques assez lourdes, » explique Enora. Cette production mondialement connue a par ailleurs pu répondre à une demande croissante du public pour le genre comédies musicales.

En effet, le « Roi Lion » occupe aujourd’hui la majeure partie de la programmation du théâtre, attirant des spectateurs de passage à Paris qui considèrent la production comme incontournable. Par ailleurs, ce vent de modernité et d’ouverture ne s’arrête pas là. La directrice de production organise des auditions et des Workshops en banlieues parisiennes pour encourager les artistes de tous horizons à participer aux castings.

L’engagement inclusif du Théâtre Mogador s’affirme également dans la mise en place de séances adaptées pour les malvoyants, malentendants et neuroatypiques, avec des outils comme le sur titrage et les boucles d’audio-amplification. Le théâtre propose également un système de billets suspendus pour ceux qui n’auraient pas les moyens de payer le tarif normal. « On essaie d’alimenter cette ouverture autant envers le public qu’envers les artistes et les techniciens. » conclut-elle, affirmant ainsi la volonté du Théâtre Mogador de s’inscrire dans une démarche d’accès à la culture pour tous.

Le spectacle Le Roi Lion s’impose comme une œuvre lumineuse et vibrante, portée par une équipe technique et artistique de haut niveau. Donald Holder, concepteur lumière de renom, a su allier inspiration artistique et maîtrise technique pour recréer la profondeur et la chaleur des paysages africains, notamment grâce à un éclairage de cyclorama sophistiqué, produisant une palette de couleurs riche et nuancée. Pedro, chef du département lumière au Théâtre Mogador, souligne la robustesse et la puissance des équipements, en particulier des projecteurs ETC Source Four Series 3.

La console ETC Eos Ti, couplée à une Gio@5 en backup, permet un contrôle précis et simplifié des Source Four 3, grâce à des algorithmes développés par ETC qui garantissent une fidélité colorimétrique remarquable. Enfin, les fidèles asservis SolaFrame 1000 et le légendaire VL 4000 complètent le dispositif en apportant des effets lumineux spécifiques et essentiels à la scénographie.
Grâce à cette synergie entre matériel performant et savoir-faire, Le Roi Lion continue d’émouvoir et d’émerveiller, incarnant une véritable prouesse technique au service d’une création artistique unique.

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