À Royan sur la côte atlantique, Un Violon sur le Sable est un festival gratuit qui se déroule chaque été sur la plage pendant trois jours et attire jusqu’à 50 000 amateurs de musique classique chaque jour depuis sa création en 1987. Les défis combinés d’un public nombreux et particulièrement dispersé et d’un répertoire exigeant une clarté et une gamme dynamique exceptionnelles imposent des exigences très spécifiques en matière de sonorisation.
La société de production Atlantic Sono a donc fait appel, comme à son habitude, à Black Line Event, basée à La Couronne, non loin de là, pour déployer une fois encore un système NEXO STM, comme depuis depuis huit ans. « Le STM nous offre la puissance, la réserve et l’articulation dont nous avons besoin pour ces concerts symphoniques qui culminent avec de spectaculaires feux d’artifice, ainsi que l’ouverture nécessaire pour couvrir un public réparti sur 100 mètres de profondeur et très dispersé sur la plage », commente Jean Claude Marsaud, directeur général de Black Line Event.
Lors du festival 2025, qui s’est déroulé les 19, 22 et 25 juillet, les lignes principales de chaque côté de la scène étaient composées de 9 modules STM M46 accrochés côte à côte avec 9 modules d’extension de basses STM B112, plus 3 têtes STM M28 supplémentaires en bas de ligne pour le champ proche.
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Arnaud Houpert, aux manettes de la face à Un Violon sur le Sable.
Neuf subwoofers STM S118 étaient empilés au sol sous chaque ligne dans une configuration cardioïde afin de renforcer la réponse grave et d’éloigner les basses fréquences de la scène, tandis que des paires d’enceintes GEO M6 étaient espacées sur la scène en tant que renforts avant. Trois racks NUAR par côté assuraient l’amplification et le traitement.
« Mon expérience avec STM pour un orchestre symphonique me porte à croire qu’il s’agit d’un système très linéaire, que ce soit à faible ou à très haut niveau », rapporte Arnaud Houpert, ingénieur d’enregistrement, de mixage et de mastering très respecté, ingénieur du son FOH pour Un Violon sur le Sable et largement reconnu pour son expertise dans la prise de son classique pour l’enregistrement et les performances live.
« Les timbres de l’orchestre sont respectés, et le système transporte le son jusqu’à 105 mètres de la scène. Je l’adore pour les concerts de musique classique. »
Le Président de Un Violon Sur Le Sable Philippe Tranchet.
Au nom des organisateurs du festival, le président Philippe Tranchet déclare : « Une fois de plus, Black Line Event a fait un excellent travail pour que tous les visiteurs d’Un Violon sur le Sable puissent profiter de nos incroyables concerts symphoniques avec un son de classe mondiale. »
Adamson est un des leaders dans la fabrication et la technologie des enceintes depuis plus de 40 ans. L’entreprise a investi dans une équipe solide d’ingénieurs logiciels qui reconnaissent l’importance de la qualité, de la clarté et de la fidélité du son. Adamson est fier d’annoncer la nomination de Sylvain Thévenard au poste de Software Manager.
Sylvain apporte une vaste expérience dans l’industrie audio, ayant travaillé dans des studios d’enregistrement et dans l’ingénierie du son live, et se consacre à l’amélioration du plaisir d’écoute de la musique. Son expertise en audio spatial, qu’il a commencé à explorer en 2010, lui a permis de créer des déploiements d’imagerie sonore de très haut niveau. En tant qu’architecte audio spatial chez Adamson, il a joué un rôle clé dans le développement de la FletcherMachine avec l’équipe européenne de développement logiciel.
Brian Fraser, Head of Product & Technology at Adamson.
Brian Fraser, directeur des produits et technologies chez Adamson, s’est montré très heureux de la promotion de Sylvain Thévenard : « L’évolution de Sylvain au sein de l’entreprise reflète l’engagement d’Adamson à concevoir en interne des technologies exceptionnelles. Nous sommes impatients de développer des logiciels plus conviviaux et à la pointe de la technologie qui transformeront le paysage audio professionnel. »
Les projecteurs Claypaky HY B-EYE K15 Aqua ont illuminé la scène Flying Bus lors du Festival de Glastonbury 2025, qui s’est tenu du 25 au 29 juin et dont Neil Young, Olivia Rodrigo et Rod Stewart faisaient partie des têtes d’affiche.
La scène extérieure Flying Bus était construite à partir de deux bus reliés entre eux, tirés dans le ciel nocturne par des chérubins et une équipe de chevaux ailés. La scène, située dans l’Unfairground du festival, un champ dédié à l’art et à la musique subversive, était un des éléments d’une collection d’œuvres surprenante, de spectacles insolites, de salles de danse nocturnes, d’art de rue et de sculptures. Le Flying Bus a accueilli une soirée de sensibilisation aux voyageurs, une ambiance carnaval et trois nuits de musique électronique pour faire plaisir à des fans enthousiastes.
Pour cette scène, GLX Productions Ltd., leader dans le domaine des solutions clés en main d’éclairage, de sonorisation et de vidéo pour les festivals, les tournées, les événements d’entreprise et les projets spéciaux, a fourni 12 Claypaky HY B-EYE K15 Aqua.
Le HY B-EYE K15 Aqua établit une nouvelle norme en matière de luminosité, tout en garantissant une protection IP66. Avec une lentille frontale rotative et la possibilité de contrôler chaque LED individuellement, le HY B-EYE K15 Aqua permet d’accéder à des projections kaléidoscopiques et des effets visuels captivants. Il fait office à la fois de projecteur à LED haute performance, de projecteur à faisceau et de projecteur à effets visuels inédits.
« Nous avons choisi cet appareil pour ses qualités visuelles exceptionnelles, son indice d’étanchéité et les effets créés par ses lentilles B-EYE », explique Glenn Gridley, de GLX Productions. « Le système de gestion à trois couches a facilité la création d’effets visuels avec un contrôle absolu. La possibilité de diviser l’appareil en deux unités distinctes a considérablement simplifié sa programmation et son fonctionnement. »
Il estime que « les K15 ont apporté une nouvelle dynamique à l’ambiance acid house et techno que The Flying Bus vise chaque année. L’Unfairground lui-même est un endroit qui joue sur les effets visuels. Des spectacles immersifs et décalés, combinés à des messages politiques subtils et grâce à une équipe issue d’horizons très divers, ont contribué à créer l’atmosphère incroyable qui qualifie ce lieu. »
Pour Gridley, « le look B-EYE est intemporel, et le K15 Aqua est une mise à jour parfaite des modèles classiques K10 et K15. Entièrement enfermé dans un boîtier IP66, il fonctionne parfaitement dans tous les environnements. De plus, le boîtier du projecteur est élégant visuellement, ce qui le rend idéal pour les prises de vues et l’esthétique générale. »
Un système de suivi automatisé zactrack PRO de grande envergure, comprenant 32 trackers actifs, sans doute le plus grand à ce jour, a été utilisé par le concepteur lumière Ben M Rogers de A Loud Minority (ALM) afin de fournir une solution de suivi automatisé pour le spectacle immersif spectaculaire « Souk Wonder » présenté au Mayadeen Venue à Riyad, en Arabie saoudite.
Le système zactrack (serveur, trackers et antennes) a été fourni par la société allemande TrackingPro, spécialiste dans ce domaine, à PRG, le prestataire de l‘équipement lumière de “Souk Wonder”. Au total, 36 antennes zactrack ont été déployées pour assurer le suivi de l’éclairage sur l’ensemble de la zone de représentation, soit une surface de 80 m2 et un volume d’environ 90 000 m3. Cette configuration de 36 antennes (certains artistes portant deux balises) dans un seul système a été rendue possible par le fait que toutes les antennes ne pouvaient pas « se voir » simultanément, car elles étaient activées/désactivées afin de maintenir un taux de rafraîchissement élevé.
“Souk Wonder” a été conçu par les producteurs créatifs Dragone, avec Filippo Ferraresi comme directeur artistique et créatif principal. Patrick Larsen a conçu le décor et les éléments scéniques. La production technique globale a été assurée et soutenue par A Loud Minority (ALM), qui a pris en charge la gestion du projet, la conception des installations acrobatiques, la conception lumière par Ben et la conception audio par Calum Robinson. L’équipe ALM était dirigée par Karl Jenkins, également fondateur de la société, en tant que directeur technique de Dragone pour le projet.
C’était la première fois que l’équipe utilisait un système Zactrack de cette envergure, mais Ben était convaincu que c’était la technologie idéale pour atteindre tous les objectifs techniques et créatifs. TrackingPro s’est chargé de la planification préalable complexe du système, tandis que Jaro Brinkmann et Raphael Doelle, de TrackingPro, étaient sur place pour assurer le support technique. Souk Wonder a donné trois semaines de représentations, à raison de deux spectacles par jour.
Les visiteurs entraient dans un espace événementiel de 6 400 m2 inspiré des bâtiments traditionnels de Diriyah, qui proposait de nombreux stands de restauration, des boutiques et des installations artistiques. Le spectacle alliait l’effervescence du souk à des performances live de haut niveau, des expériences culinaires, de l’art et des divertissements interactifs.
Quatre scènes distinctes ont été utilisées pour les spectacles live, qui se déroulaient également dans tout le site, avec des numéros aériens et un fil de 30 mètres de haut. Les antennes Zactrack étaient donc nécessaires pour offrir une couverture 3D complète autour des structures en acier de 14 mètres de haut qui faisaient partie du concept scénique immersif de Patrick Larsen.
Les trackers Zactrack étaient principalement fixés aux artistes, à raison de deux par personne, à l’aide d’une gamme de pochettes cousues, de clips imprimés en 3D et de poches, en fonction de leur costume et de leurs mouvements. Un accessoire plus grand a également été équipé d’un tracker afin de permettre un suivi précis lorsqu’il était déplacé dans l’espace par les artistes. Huit artistes portaient chacun deux trackers. Un deuxième jeu complet de trackers était disponible, ainsi que 16 trackers de rechange pour pouvoir assurer jusqu’à trois spectacles par jour, souvent avec seulement une heure de pause entre chaque spectacle. Au total, 32 trackers étaient donc utilisés, la moitié étant désactivée à chaque spectacle. Au total, 24 projecteurs mobiles (14 Ayrton Huracán et 10 Ayrton Eurus) ont été utilisés comme projecteurs de poursuite contrôlés par Zactrack, qui avait la capacité d’intégrer d’autres éléments du système d’éclairage si nécessaire.
TrackingPro a méticuleusement créé environ 300 points de fonctions automatiques, afin que chaque artiste puisse entrer sur scène, disparaître dans l’un des bâtiments/tours et se déplacer librement dans toute la zone, avec un fondu automatique à l’entrée et à la sortie. De nombreuses raisons ont fait de zactrack l’option la plus viable pour cet événement, explique Ben. L’utilisation de projecteurs de poursuite traditionnels était exclue, et un système de repérage à distance basé sur des caméras aurait rencontré des difficultés en raison des angles morts créés par la scénographie.
« Zactrack répondait parfaitement à nos besoins. Il n’y avait aucun autre moyen pratique d’obtenir une couverture à 360 degrés pour cette zone », a expliqué Ben, soulignant que Zactrack est actuellement le seul système capable d’offrir une telle autonomie et une telle flexibilité pour ce type de spectacle. Il devait également suivre avec précision les artistes se déplaçant rapidement dans l’espace, en rollers ou à vélo. « En raison du déroulement organique du spectacle, j’avais également besoin de lumières disponibles pour les éclairer depuis plusieurs points d’entrée, car le placement des artistes évoluait en fonction du flux du public », a-t-il ajouté. Pendant ce temps, la vue 2D de la zone de représentation offerte par le système zactrack agissait comme une « carte du Maraudeur » magique, permettant à l’équipe technique de connaître la position exacte des artistes, même lorsqu’ils étaient hors de vue.
L’éclairage du spectacle était géré par une console grandMA3 fonctionnant en mode MA2. Charlie Hickey, l’associé de Ben, a coordonné l’intégration de MA et de zactrack, créant des macros intelligentes et des vues d’ensemble permettant d’identifier très rapidement quels appareils étaient attribués à quelles paires de tracking. Charlie et Ben ont tous deux travaillé à la programmation de l’éclairage du spectacle. L’ensemble technique (éclairage, audio et vidéo) a été fourni par PRG, tandis que Pitch Black s’est chargé du rigging acrobatique spécialisé. Souk Wonder a été salué comme une réinvention totale de l’expérience spectatoriale. Ce spectacle ne se contente pas d’émerveiller, il réécrit les règles. Il efface les frontières entre la scène et le public, entre l’espace et l’émotion, entre tradition et innovation. Il ne s’agit pas simplement d’un spectacle à regarder, mais d’un monde dans lequel on se promène, que l’on goûte et que l’on ressent, une approche qui n’avait jamais été tentée à cette échelle auparavant. C’est une déclaration audacieuse selon laquelle le spectacle vivant peut devenir un langage à part entière, où chaque détail contribue à l’histoire.
La tournée « Roll With The Punches » de Bryan Adams a fait étape à Malaga, en Espagne, le 10 juin 2025. À l’Auditorio Municipal Cortijo de Torres devant un public d’environ 12 000 spectateurs, le musicien canadien a donné un concert en plein air alternant titres classiques et chansons tirées de son dernier album.
Le prestataire andalou Algo Suena a été chargé de la conception lumière, qui utilisait notamment des projecteurs Cameo Opus X4 Profile. L’objectif était de créer un concept d’éclairage discret mais expressif, afin de soutenir efficacement l’atmosphère particulière de la soirée.
L’auditorium municipal Cortijo de Torres est l’une des plus grandes salles en plein air du sud de l’Espagne, dotée d’une scène de 50 mètres de large, d’un toit de scène de 55 mètres et d’un espace total de plus de 35 000 m². Une particularité de l’endroit est que, malgré la généreuse surface de la scène, la hauteur est structurellement limitée par le toit en pente. « Dans de telles situations, des projecteurs comme l’Opus X4 Profile, avec la forte puissance lumineuse de son moteur de leds de 1400 W et sa plage de zoom étendue de 5 à 55°, sont pour ainsi dire indispensables », confirme Serafín Sánchez, PDG d’Algo Suena.
L’équipe lumières a réparti les projecteurs sur les ponts de face, central et arrière afin d’éclairer de manière optimale toute la profondeur de la scène. « L’Opus X4 Profile est puissant, offre une fiabilité à toute épreuve et se révèle d’une extrême précision, même pour des effets de Beams. », souligne Sánchez.
La conception lumières d’Algo Suena s’est basée sur la fiche technique de tournée du concepteur lumière de Bryan Adams, en l’adaptant de façon spécifique : « Un artiste comme Bryan Adams n’a pas besoin d’une avalanche de lumières. Ce qui compte, c’est une conception claire et élégante, en dosant la puissance lumineuse de façon appropriée. »
En choisissant la lyre asservie la plus puissante du catalogue Cameo, Algo Suena a délibérément opté pour une alternative moderne aux systèmes établis utilisés en tournée. « Avec Cameo, nous nous sentons bien pris en charge en tant que prestataire de services, du début à la fin de l’événement », souligne Serafín Sánchez.
La soirée de concert réussie à Malaga souligne une fois de plus le savoir-faire du prestataire de services en matière de technologie événementielle professionnelle et montre que des productions d’éclairage puissantes sont également possibles avec des installations réduites.
ETC annonce un nouveau complément à la gamme Eos Apex. L’Apex FP est dotée de la même surface de programmation que l’Apex 5 mais sans écran, ce qui vous laisse libre d’utiliser les vôtres. Pour cela, ETC a prévu deux emplacements pour spigot 5/8 (16 mm) qui accueilleront les supports de moniteurs, tablettes, ordinateurs portables ou caméras.
Un des deux emplacements pour spigot.
À son design flexible s’ajoute tout une série de fonctionnalités déjà bien connues et appréciées des utilisateurs d’Apex, telles que les touches OLED personnalisables pour une configuration sur mesure, des entrées / sorties reconfigurables, six encodeurs et une rangée de Target Keys rétroéclairées en RGB. La flexibilité est l’une des composantes essentielles des consoles Apex. Il est par exemple possible de configurer les ports DMX et ceux de Show Control en fonction des besoins de chaque production grâce aux emplacements de connectiques personnalisables, à l’arrière de la console.
Les connectiques etherCON Gigabit standards sont complétées par l’ajout de ports SFP+ compatibles avec les réseaux cuivre et fibres optiques haute vitesse les plus récents. L’Eos Apex FP offre 48 univers DMX (24 576 canaux) en sortie, permettant un contrôle aisé des installations les plus complexes.
L’Eos Apex FP fonctionne avec le logiciel de contrôle Eos. Cela implique que vous profitez des mêmes fonctionnalités que les autres consoles de la gamme Eos, comme des outils colorimétriques de pointe, les Magic Sheets pour la programmation et l’affichage personnalisé, l’environnement de visualisation et de programmation en 3D Augment3d ainsi que de la fonction Virtual Media Server pour gérer le pixel-mapping.
« L’Apex FP répond aux demandes des utilisateurs en quête d’un très haut niveau de contrôle mais confrontés à des contraintes d’espace ou de mobilité et leur offre une nouvelle option au sein de la famille Eos », déclare Nick Gonsman, chef de produit Eos.
Pour plus d’information rendez-vous sur le site ETC
Ballimaaraan est un groupe dont la performance est un genre à part entière, où la narration musicale occupe une place centrale. Dirigé par le créatif Piyush Mishra, leur style oscille entre textes, rock, folk et performances théâtrales. Pour Piyush Joshi, KLANG a transformé son approche et est devenu indispensable pour tous les artistes avec lesquels il travaille. Pour leur dernière tournée, The UdanKhatola Tour, il a utilisé la DiGiCo Quantum 338, avec la carte DMI-KLANG pour fournir des mixages immersifs au groupe. Appréciant les dernières mises à jour, il décrit le workflow DMI-KLANG comme étant totalement intégré à la console.
« Le flux de travail est incroyablement intuitif ; tout, depuis l’affectation des mixages jusqu’au placement spatial, semble naturel. Les commandes immersives de panoramique et de niveau sont entièrement accessibles depuis la console elle-même, sans avoir à passer d’un appareil ou d’un logiciel à l’autre », explique-t-il. « Pour des artistes comme Ballimaaraan, où chaque détail sonore compte, KLANG est plus qu’une solution technique, c’est un outil créatif. KLANG me permet de créer un espace pour les musiciens qui semble vivant et inspirant, et pas seulement fonctionnel. Ce passage de la résolution de problèmes à l’amélioration de l’expérience est ce qui rend KLANG vraiment spécial. »
Le projet est un hommage au poète ourdou Mirza Ghalib et son nom vient de la rue où il a vécu. Largement considéré comme l’un des plus grands poètes de cette langue, son œuvre a influencé le style et la philosophie du groupe. Joshi travaille avec eux depuis deux ans, fournissant des mixages aux musiciens et à l’équipe technique. Lorsqu’il a rejoint le groupe, ils utilisaient des écouteurs stéréo standard, mais conscient du potentiel de KLANG, il a intégré le système dès qu’il en a eu l’occasion. Pour la tournée UdanKhatola, qui a fait étape dans de nombreuses villes indiennes, avec des concerts à Kolkata, Thane et Lucknow, il est passé au DMI-KLANG, fourni par HiTech Audio.
Joshi derrière sa SD5 équipé d’une carte processeur DMI-KLANG.
« Je gère tous les mixages de retour directement depuis la console, ce qui évite aux artistes d’avoir à intervenir sur leurs niveaux pendant le spectacle », poursuit Joshi. « Pendant les balances, j’utilise l’application KLANG:app pour me déplacer sur scène et travailler en étroite collaboration avec chacun d’entre eux. Je trouve que c’est un excellent moyen de personnaliser le processus de monitoring et de m’assurer que chaque artiste est vraiment à l’aise avec son mix avant le spectacle. C’est rapide, fiable et cela me permet d’effectuer des réglages précis à la volée, ce qui est particulièrement utile lors de changements ou de balances rapides. »
KLANG a complètement transformé le flux de travail de Joshi, l’améliorant et offrant une expérience nettement meilleure aux musiciens avec lesquels il travaille. Cela est essentiel lorsque les performances sont aussi riches et dynamiques que celles de Ballimaaraan et Piyush Mishra. La setlist regorge de morceaux aux sonorités complexes, qui utilisent plusieurs réverbérations pour renforcer l’atmosphère de chaque chanson. Joshi fait remarquer qu’avec une configuration stéréo, le placement de ces réverbérations était toujours un défi. Il trouvait souvent qu’elles masquaient ou encombraient les mix retour. Avec KLANG, il peut placer les réverbes là où elles doivent être dans le mix, préservant la profondeur émotionnelle sans compromettre l’intelligibilité, ce qui est un énorme avantage pour l’artiste.
« KLANG gère magnifiquement la complexité. L’espace immersif me permet de placer les éléments plus naturellement, donnant à chaque instrument l’espace nécessaire pour respirer sans masquages », poursuit-il. « Les mixages sont plus clairs, plus enveloppants et contribuent considérablement à réduire la fatigue auditive des musiciens. Leurs commentaires ont été extrêmement positifs, la première chose qu’ils ont mentionnée était à quel point le son était plus ouvert et naturel. Cela permet à chacun de se concentrer plus facilement sur sa performance sans être submergé. Ils ont également remarqué une forte réduction de la fatigue auditive lors des longs sets et des répétitions, ce qui a changé la donne. Cela a clairement amélioré leur confort et leur confiance sur scène. »
L’utilisation de KLANG lors d’une tournée aussi complexes a permis à Joshi de développer ses compétences en immersion. Il se sent désormais beaucoup plus à l’aisel, ce qui lui a donné la confiance nécessaire pour essayer de nouvelles choses afin de soutenir ses artistes encore mieux. « L’équipe KLANG est toujours disponible pour apporter son aide en matière d’immersion ou simplement pour échanger des idées créatives. Leur support a joué un rôle énorme dans la confiance avec laquelle j’ai pu déployer KLANG lors de tournées exigeantes », conclut-il. « Pour les musiciens, c’est une question de confort et de performance. Ils ressentent moins de fatigue auditive, bénéficient d’une meilleure séparation et d’une expérience d’écoute beaucoup plus musicale. Pour les ingénieurs, cela améliore considérablement l’efficacité avec laquelle vous pouvez créer un mixage, en particulier lorsque vous êtes pressé par le temps. Une fois que vous avez fait l’expérience du monitoring immersif, vous ne voulez plus revenir à la stéréo. »
La conceptrice lumière Christina Thanasoula, du studio de création Creative Lighting basé à Athènes, en Grèce, a un penchant pour l’innovation et la pensée originale dans son travail artistique. Elle a récemment été l’une des principales intervenantes du symposium Showlight 2025 à Dijon, en France.
Le Festival d’Athènes-Épidaure 2025 a été l’occasion pour Christina de démontrer son approche imaginative et d’utiliser les célèbres luminaires Titan Tube d’Astera de manière originale et vivifiante pour deux pièces de théâtre intenses et très différentes : la première mondiale de Blindness, mise en scène par Emily Louizou, et Phenomenon, mise en scène par Katerina Giannopoulou.
Blindness, mise en scène par Emily Louizou.
Christina utilise l’éclairage pour tisser des émotions, du sens et de la profondeur dans un large éventail de récits couvrant des genres tels que l’opéra, le théâtre, la danse et la musique live. Elle considère la lumière comme un outil visuel collaboratif permettant d’améliorer, de peindre et de créer l’atmosphère d’espaces et de lieux.
Blindness
Blindness est basé sur le roman de José Saramago, adapté pour la scène par Simon Stephens, et raconte l’histoire d’une épidémie de cécité très contagieuse qui interroge sans compromis l’esprit et le sens de l’humanité dans des circonstances extrêmement destructrices. Elle a été mise en scène dans une ancienne usine à l’état brut située dans le centre d’Athènes. Le décor principal de la pièce était un service psychiatrique abandonné au milieu de nulle part, avec un éclairage fluorescent cru, brut et inconfortable, caractéristique de tant d’institutions. Christina avait besoin d’une source lumineuse polyvalente et de haute qualité, offrant une excellente gamme de blancs et quelques couleurs très spécifiques afin de reproduire fidèlement cet environnement inquiétant. Ayant déjà travaillé avec les produits Astera et leur trouvant toujours des applications nouvelles et différentes, elle a inclus 24 Titan Tubes dans la liste du matériel nécessaire à la mise en scène de la pièce.
« La scène devait avoir l’air sale, moisie, délabrée », explique-t-elle. « L’éclairage jouait un rôle clé dans la définition du lieu et l’accompagnement de l’action, et j’avais besoin de luminaires offrant une bonne dispersion de la lumière et un changement de couleur fluide, réaliste et très précis. » Le Titan Tube ayant un aspect très contemporain, Christina et la scénographe Thalia Melissa ont travaillé en étroite collaboration pour les dissimuler dans des boîtiers scéniques abîmés qui ont contribué à créer l’ambiance austère de l’hôpital psychiatrique, où ils ressemblent désormais à des néons, devenant ainsi un élément fondamental de la scénographie. Le département décors a fait un travail remarquable en créant des habillages usés et éraflés pour les Titan, qui ont été suspendus au plafond de la salle de spectacle et alimentées par des connexions câblées. Ils constituaient l’élément d’éclairage principal de la production, soutenu par d’autres sources LED et quelques éclairages tungstène. Environ 140 cues ont été programmées dans une console ChamSys MagicQ.
Christina savait que les Titan Tubes conviendraient aux nombreux effets lumineux qu’elle avait imaginés et a souligné que « leur fonctionnement silencieux était également essentiel » en raison de la proximité du public avec la scène et de l’intensité du spectacle. Elle adore la palette de couleurs « impressionnante » du moteur LED Astera Titan, ainsi que le mélange harmonieux des couleurs et la gradation raffinée. Des effets de scintillement et d’oscillation ont été programmés pour ajouter une couche supplémentaire de texture lumineuse, ainsi qu’une série d’effets sales et désagréables de rouge, vert et ambre.
Les Titan Tubes ont été accrochés en lignes qui accentuaient la profondeur de 30 mètres de l’espace, permettant également des effets de mouvement entre les rangées linéaires de lumières suivant l’action rapide et rythmée de la pièce, tout en se synchronisant avec le tempo de la bande-son spécialement créée par Irene Skylakaki.
« Il s’agissait de trouver le juste équilibre entre créer de l’émotion sans submerger le public, en veillant à ce que l’éclairage mette en valeur et soutienne les acteurs, rendant tout plus réaliste tout en stimulant l’imagination de chacun », a-t-elle souligné. Cette production acclamée par la critique a été accueillie avec enthousiasme et toutes les représentations ont affiché complet.
Phenomenon
Deux semaines plus tard, toujours dans le cadre du Festival Épidaure, Christina a éclairé Phenomenon, une étude contemporaine tendue sur la connaissance et le doute, écrite par Greg Liakopoulos et inspirée de l’ouvrage On Certainty de Wittgenstein. La pièce pose des questions dialectiques sur la distinction entre le réel et l’artificiel à une époque où les technologies de rendu et de simulation sont largement accessibles.
De nombreuses scènes se déroulent dans une voiture équipée de caméras en direct et de projections. Christina a travaillé en étroite collaboration avec le décorateur Niki Psyhogiou, qui a également créé les costumes, et le caméraman Yorgos Kyvernitis.
Elle a choisi les tubes Titan, qu’elle a cette fois-ci utilisés sans fil et dans un contexte cinématographique plus classique, pour éclairer l’intérieur de la voiture et mettre en valeur les protagonistes. Les luminaires ont également été utilisés pour mettre en valeur les moments dramatiques et les effets, par exemple lorsqu’un corps apparaît dans le coffre de la voiture.
Les 8 tubes Astera Titan ont dû être soigneusement positionnés et leur couleur équilibrée afin de correspondre aux images filmées en direct des acteurs dans la voiture et au contenu vidéo préenregistré de l’autoroute, avec les voitures qui passent et les feux de signalisation, ce qui a été « particulièrement difficile », a noté Christina.
Un réglage minutieux de la couleur et de l’intensité a permis de garantir que tous les appareils d’éclairage (sources tungstène et LED) apparaissent cohérents et précis à la caméra, tout en offrant une expérience live cohérente au public qui regardait les acteurs sur scène. Leur performance devait rester intéressante et émouvante. Équilibrer l’image pour les yeux numériques et humains est stimulant, et « les appareils Astera ont été d’une grande aide à cet égard », a déclaré Christina.
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Les Titan Tubes ont également été utilisés directement comme éclairages pratiques portatifs par les acteurs qui les déplaçaient au-dessus de la voiture, créant ainsi l’illusion de lumières passant au-dessus du toit. Légers et faciles à manipuler, sans aucun fil, ils ont été intégrés sans difficulté au spectacle.
Comme il s’agissait d’un environnement filmé, les caractéristiques des Astera, telles que le fonctionnement sans scintillement et le CRI élevé, étaient essentielles, car Christina a utilisé les Titan Tubes de la même manière qu’un chef électricien pour composer l’éclairage des enregistrements télévisés et des prises de vues. L’éclairage de « Phenomenon », y compris tous les effets Astera, a été programmé et piloté à partir d’une console grandMA3 avec environ 80 cues.
Christina est impressionnée par les multiples possibilités offertes par un appareil tel que le Titan Tube, qui peut être utilisé avec la même efficacité pour éclairer deux productions complètement différentes en l’espace de deux semaines. Elle aime utiliser les Titan Tubes de manière non conventionnelle et inattendue, et ne cesse de réfléchir à de nouvelles approches.
Le studio de création lumière LEAD, basé à Tel Aviv et fondé par Omer Israeli et Dor Aichner, a conçu un éclairage sculptural spectaculaire pour la fête Purim 2025 de la société israélienne Mobileye, produite par le spécialiste ThisPlay et conçue par Shlomi Ilani. Ils ont utilisé des projecteurs Robe Tetra2 et TetraX au cœur de la conception lumière de cet évènement.
L’esthétique combinait éclairage, automatisation et programmation précise pour produire « une composition dynamique de formes circulaires et d’éléments cinétiques », créant un « flux continu de mouvement, de lumière et de rythme » afin de mettre en valeur et de présenter une programmation exceptionnelle d’artistes se produisant dans cette immense salle de 22 mètres de hauteur, semblable à une grange.
LEAD souhaitait spécifiquement pouvoir modifier de manière spectaculaire et efficace l’apparence architecturale et l’atmosphère de la scène en passant d’une série de configurations uniques à une autre afin de s’adapter aux différents artistes. Ils ont choisi de travailler avec les Tetra2 et Tetra X de Robe spécialement pour cette tâche. La conception comprenait quatre sections de ponts mobiles semi-circulaires installés au centre au-dessus de la scène (deux à l’extérieur et deux à l’intérieur), ainsi que deux cercles verticaux statiques à l’arrière de la scène, là encore à l’extérieur et à l’intérieur.
Le périmètre du cercle arrière intérieur de 8 mètres de diamètre, masquant un écran LED circulaire central, était équipé de 24 Tetra2, tandis que le cercle extérieur était équipé de Beams. Les 24 TetraX étaient installés sur les deux ponts semi-circulaires intérieurs.
Tous ces demi-cercles ont été automatisés via un système Kinesys fourni par Stage Design Ltd et programmé par Tsah Eliahoo, qui comprenait trois moteurs par poutre, soit 12 au total, afin qu’ils puissent se déplacer sur tous les axes. Combinés aux lumières, ils pouvaient être inclinés et tournés pour créer des formes et des motifs kaléidoscopiques vraiment étonnants, produisant les effets multiples et les moments spectaculaires souhaités par Omer et Dor.
C’était la première fois qu’Omer et Dor utilisaient des TetraX. Ils n’avaient utilisé que des Tetra 2 la semaine précédente lors d’un petit spectacle, mais après les avoir vus en action dans d’autres lieux et contextes, ils étaient convaincus que ces projecteurs étaient exactement ce qu’il fallait pour ce travail. Ils ont été ravis du résultat.
« Le Tetra est un projecteur extrêmement puissant, et encore relativement nouveau en Israël », a fait remarquer Omer. « Nous adorons les effets de rideau lumineux que l’on peut obtenir avec ces projecteurs, et nous voulions vraiment tirer le meilleur parti des deux types de projecteurs pour ce spectacle, car nous savions qu’ils auraient un impact considérable ! » Tous les appareils Tetra ont été utilisés en mode full pixel et ont été fournis par Danor Systems au prestataire Sincopa, qui a pris en charge tout le reste de l‘équipement lumière et le système de sonorisation pour l’événement. L’événement a été marqué par les performances du chanteur et superstar israélien Omer Adam, de la gagnante de l’Eurovision Netta Barzilai et du célèbre DJ Tomer Maizner, qui ont tous mis l’ambiance pour les 5 000 employés, partenaires et invités de Mobileye.
Le style d’éclairage était épuré, futuriste et simple, tout en étant graphiquement complexe, avec de multiples faisceaux, effets et textures superposés. La polyvalence de la conception lumière et des mouvements a également facilité les moments plus intimes. Symétriques ou asymétriques, les options ne manquaient pas pour mettre en valeur et soutenir la variété des ambiances musicales et des émotions de la soirée, dans une production qui a été extrêmement bien accueillie.
LEAD a travaillé en étroite collaboration avec son programmeur lumière en chef Shai Fruman et le VJ Koren Barr du Studio Pixel. Les défis globaux liés à la réalisation de ce projet comprenaient un délai de seulement trois semaines entre la confirmation et la livraison de la production. « Ce fut un exemple fantastique d’ambition créative, de travail d’équipe et d’esprit de collaboration », a conclu Omer.
4 ans après le lancement de la gamme Maverick Force S qui allie puissance et fonctionnalités étendues dans un format compact, la R&D de Chauvet Professional va encore plus loin dans l’optimisation pour les Maverick Force X Profile et Maverick Force X Spot.
Maverick Force X Profile
Avec sa nouvelle source de leds blanche de 520 W, qui ne nécessite ni long chemin optique, ni système de refroidissement sophistiqué, le Force X Profile garde un format très compact (361 x 239 x 646 mm) et son zoom offre une plage très étendue de 3,3° à 57,3°. L’éclairement varie de 1 207 lux à 102 764 lux, selon l’angle du faisceau et le flux atteint 18 900 lumens en sortie de la large lentille de 145 mm de diamètre.
La combinaison de puissance lumineuse et de taille compacte étend son champ d’action aussi bien dans des salles de jauge moyenne que dans des espaces restreints et pour des applications de proximité. Ce nouveau Profile regorge de fonctionnalités offrant de nombreuses possibilités avec sa trichromie CMY, son module de découpe rotatif à 4 couteaux orientables, ses deux roues de gobos, (une de gobos rotatifs et une de gobos fixes), le prisme à 5 facettes et le frost. Son indice de rendu des couleurs de 72,2 est porté à 90 via un filtre IRC placé sur la roue de couleurs qui intègre aussi un CTB et le gradateur bénéficie d’une résolution 16 bits.
Cette machine, compacte et légère (23 kg) est robuste et rapide. L’affichage de son menu s’oriente automatiquement en fonction du positionnement du projecteur, (tête en haut ou tête en bas) et une batterie permet de maintenir la connectivité Ethernet en cas de coupure du courant. La fréquence PWM sélectionnable – 600 Hz, 1 500 Hz, 2 000 Hz et 65 000 Hz – garantit un fonctionnement sans scintillement.
Maverick Force X Spot
De même philosophie, encore plus léger 20 kg, le Maverick Force X Spot partage les mêmes ambitions avec le même module de leds blanches (6 966 K) de 520 W dans un format encore plus compact (326 x 224 x 615 mm) pour 20 kg.
Avec un flux de 17 300 lumens, une plage de zoom de 3,5° à 57,7°, deux roues de gobos rotatifs, un iris, un prisme 5 facettes, une roue d’animation, un frost, et une trichromie CMY assistée de la même roue de couleurs que le Profile, il séduira les lieux où la compacité est essentielle sans faire de compromis sur la qualité. Le Force X Spot est rapide, précis et fluide. Il bénéficie également du PWM réglable, du dimmer 16 bits, et des options de contrôle étendues (DMX-RDM, sACN, Art-Net, CRMX).
Cesare Cremonini, l’un des artistes les plus en vue d’Italie, a effectué sa tournée avec un éclairage particulièrement dynamique conçu par Mamo Pozzoli, grâce aux projecteurs à source Laser Mamba et Cobra Ayrton. La tournée Cremonini LIVE25 a compté 13 concerts à guichets fermés dans certains des plus grands stades d’Italie avec plusieurs dates à Rome, Milan, Bologne et Bari.
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Mamo Pozzoli, concepteur lumière de la tournée et collaborateur de longue date de Cesare, a créé un plan d’éclairage puissant et innovant, caractérisé par de multiples structures circulaires mobiles et une mise en avant de projecteurs graphiques. Dans ce vaste décor dominé par un immense mur LED ultra-large, Mamo a soigneusement sélectionné et positionné un certain nombre de projecteurs Beam à source Laser : 16 Ayrton Mamba et 48 Ayrton Cobra, tous situés au niveau du sol de la scène.
Ayrton MambaAyrton Cobra
Lancé en janvier 2025, le Mamba, IP65, est équipé d’une source laser deux fois plus puissante que celle du Cobra et capable de produire une multitude de nouveaux effets graphiques impressionnants. Cobra, le premier projecteur laser IP65 d’Ayrton, s’est vendu à des milliers d’exemplaires à travers le monde depuis sa sortie en 2022. Tous deux sont parfaitement capables de traverser les niveaux de lumière et les longues distances de projection dans les stades.
Les projecteurs Mamba utilisés dans la conception de Pozzoli forment une ligne le long du bord inférieur de l’écran, tandis que les Cobra entourent la scène B, positionnée à l’extrémité de la passerelle qui s’étend jusqu’au centre du public.
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Pozzoli explique les raisons qui l’ont amené à choisir les projecteurs Mamba et Cobra : « Dans une configuration dominée par une forte présence vidéo et des formes géométriques distinctives, je me suis concentré sur l’harmonisation de tous les éléments visuels », explique-t-il. « Mon objectif était de sélectionner des projecteurs capables à la fois d’interagir de manière flexible avec l’ensemble de la conception et de se démarquer en tant que protagonistes indépendants lorsque cela était nécessaire. »
Il est évident que la capacité à combiner un suivi précis avec une expression dynamique et créative devient de plus en plus essentielle pour offrir des expériences scéniques immersives et percutantes. Mamba et Cobra repoussent vraiment les limites dans ce domaine, chacun avec ses propres atouts.
Les Mamba m’ont impressionné par leur puissance et leur polyvalence, une caractéristique remarquable dans cette catégorie de produits, qui privilégie souvent le fonctionnement en mode unique. C’était la première fois que je les utilisais, et j’ai trouvé leur système optique et leurs nombreuses possibilités de combinaisons de prismes particulièrement avancés.
Les Cobra, quant à eux, constituent déjà une référence dans leur catégorie et, pour cette tournée, j’ai cherché à redéfinir leur rôle en les utilisant dans une configuration uplight non traditionnelle, afin d’explorer de nouvelles possibilités créatives. »
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Parmi ces effets créatifs, citons l’utilisation réussie des Mamba pendant le set acoustique pour obtenir un puissant effet de prismes combinés, dirigé avec précision vers le piano sur la scène B à une distance d’au moins 50 m, pratiquement au niveau du sol.
D’autres effets spectaculaires ont été créés en utilisant les Cobra dans leur position naturelle pour projeter des faisceaux vers le haut depuis le sol. « En combinant leurs pan et tilt infinis, et grâce à la disposition circulaire des appareils autour de la petite scène, j’ai pu les utiliser pour créer des formes en éventail entrelacées complexes avec une grande dynamique visuelle », confirme Pozzoli.
Tout le kit d’éclairage et le système de sonorisation de la tournée ont été fournis par la société de location italienne Agorà (www.agoraaq.it).
Pour plus d’informations sur les Mamba, Cobra et la gamme complète de projecteurs LED et laser Ayrton, sur le site Axente et sur le site Ayrton
Prolight + Sound aborde l’année 2026 avec un concept revisité. Au cœur de cette réorientation : un format rationalisé sur trois jours, un retour en mars et une concentration accrue sur le marché européen.
À la suite d’une enquête approfondie menée auprès des exposants, Prolight + Sound 2026 se tiendra du mardi 24 au jeudi 26 mars. La durée raccourcie a également été approuvée par le comité consultatif du salon, composé d’experts du secteur et de représentants d’entreprises renommées et d’associations professionnelles. En tant que force motrice, cet organe joue un rôle central dans l’avenir de l’événement.
L’équipe de direction de Prolight + Sound. De gauche à droite : Wolfgang Marzin PDG de Messe Frankfurt, Iris Jeglitza-Moshage, vice-présidente senior des salons technologiques et Kerstin Horaczek, vice-présidente des salons technologiques de Messe Frankfurt, Mira Wölfel directrice de Prolight + Sound.
Le nouveau format de trois jours a pour objectif d’offrir une expérience plus ciblée et de meilleure qualité aux exposants et aux visiteurs. Dans le même temps, la concentration accrue sur l’Europe vise à renforcer la position de Prolight + Sound en tant que plateforme centrale de l’industrie au cœur du continent. L’édition anniversaire de cette année a déjà posé les bases de cette orientation vers l’avenir : 36 % des 23 003 visiteurs provenaient de 108 pays, ce qui témoigne clairement de la pertinence internationale de Prolight + Sound. Le haut degré d’adéquation du public, avec un accent particulier sur les technologies événementielles et de spectacle, souligne encore la qualité du profil de l’événement.
Kerstin Horaczek
« Les échanges intenses avec nos partenaires industriels et nos exposants sont pour nous une boussole essentielle. Ensemble, nous avons développé – et continuerons à développer – le concept de Prolight + Sound, toujours dans le but d’aligner de manière optimale les besoins actuels et les opportunités émergentes.
Nous répondons ainsi aux nombreuses voix de l’industrie qui continuent d’affirmer leur soutien à ce salon. Avec ce repositionnement, nous voulons envoyer un message clair : Nous sommes à l’écoute, nous façonnons l’avenir, aux côtés des personnes pour lesquelles ce salon a été créé », déclare Kerstin Horaczek, vice-présidente des salons technologiques à Messe Frankfurt.
Une communauté. Un concept amélioré.
Avec sa nouvelle orientation, Prolight + Sound s’appuie systématiquement sur ses atouts : en tant que plaque tournante européenne pour la communauté de l’événementiel et du spectacle, avec un accent particulier sur l’éclairage, l’audio et les technologies scéniques. Dans la section ProAudio, l’accent est mis sur le son live, les solutions AoIP, les microphones et les équipements d’enregistrement. L’espace extérieur Live Sound Arena servira une nouvelle fois de plateforme pour les systèmes de sonorisation haute performance, offrant à chaque exposant deux créneaux de démonstration gratuits. La possibilité de présenter des systèmes de sonorisation haut de gamme dans un cadre aussi spacieux et festif est unique en Europe.
L’espace ProLight bénéficie de nouveaux partenariats et d’une étroite collaboration avec les principaux acteurs du secteur de l’éclairage. Une exposition spéciale, des expériences pratiques, des présentations et des conférences permettront de découvrir les dernières innovations en matière de technologie d’éclairage professionnel. La section ProStage se concentre sur les technologies théâtrales et scéniques, la scénographie, l’éclairage et l’automatisation.
En étroite collaboration avec des établissements d’enseignement et des partenaires industriels, cette section propose des tables rondes spécialisées, des études de cas et des ateliers sur des thèmes tels que la sécurité et la durabilité dans le contexte scénique. Ces offres sont complétées par de nombreuses innovations produits et de nouveaux formats dans les domaines de la technologie audiovisuelle et de la sécurité. Une expérience salon véritablement pratique.
Show Robe à Prolight + Sound 2025.
Thèmes clés à l’avant-plan
Le programme parallèle et les Prolight + Sound Colleges mettront une nouvelle fois l’accent sur les thèmes clés de l’industrie en 2026. La durabilité occupera le devant de la scène, aux côtés des nouvelles tendances et des développements dans l’utilisation de l’intelligence artificielle dans la technologie événementielle, notamment l’intégration d’agents IA, de nouveaux outils et des discussions sur l’éthique et la confidentialité des données.
La sécurité sera également un thème important, avec des contenus abordant la sécurité des événements, la protection des données et la gestion des crises. Une attention particulière sera accordée aux applications pour les théâtres et les salles de spectacle, avec des offres sur mesure qui répondent directement à leurs besoins spécifiques. Au cœur de l’expérience Prolight + Sound se trouve l’interaction directe avec la technologie et ses applications. Une multitude de démonstrations complexes en direct rendront immédiatement accessibles des solutions techniques de pointe. Les visiteurs sont également invités à participer à des ateliers pratiques, où ils peuvent tester des produits, essayer des choses et échanger directement avec des experts des fabricants.
Show Ayrton à Prolight + Sound 2025.
Des formats approfondis et une ambiance festive
Les formats éducatifs seront encore affinés en 2026, tant en termes de contenu que de structure, offrant une plateforme optimale aux jeunes professionnels et aux experts chevronnés pour élargir leurs connaissances, grâce à des tables rondes bilingues, des conférences introductives et des ateliers pratiques animés par des spécialistes de renom. Les participants pourront acquérir des connaissances approfondies sur le secteur dans les Prolight + Sound Colleges : le ProAudio College (en partenariat avec la VDT, l’association allemande des professionnels de l’audio), le Theatre College (en collaboration avec la VPLT, l’association allemande des technologies du spectacle) et le Camera College (en coopération avec la BVFK, l’association fédérale des cameramen de télévision). Les concepts environnementaux seront également mis en avant grâce à un partenariat avec l’EVVC (Association européenne des centres événementiels), avec des formats couvrant les tournées écologiques et la conception respectueuse du climat. Une extension de l’offre éducative dans le secteur de l’éclairage est également prévue.
Le salon mettra également davantage l’accent sur le caractère événementiel et la création d’une communauté. En 2026, la Live Sound Arena ne se contentera pas de présenter les technologies innovantes des principaux fabricants en matière de sonorisation, mais servira également, pour la première fois, de scène pour un programme de concerts sélectionnés et gérés par des professionnels, créant ainsi une ambiance festive sur le parc des expositions. De nombreuses possibilités de réseautage offriront des occasions attrayantes d’échanger des connaissances et de nouer de nouveaux contacts commerciaux. Au cœur de cet événement : la grande soirée communautaire, qui se tiendra directement sur le parc des expositions. Tous les participants sont cordialement invités à célébrer ensemble l’industrie lors de cette « réunion des anciens » avec des boissons, de la musique, des anecdotes divertissantes et des conversations inspirantes. Pour les planificateurs et les décideurs des marchés européens du théâtre, des parcs à thème et de la location, des offres VIP attrayantes seront proposées par le « Messe Frankfurt Business Club » et le « Hosted Buyer Programme ».
Une expérience salon pour l’avenir
Prolight + Sound 2026 promet une expérience salon compacte et ciblée, adaptée aux besoins du secteur. Les participants peuvent s’attendre à un salon thématique avec un caractère unique et des impulsions tournées vers l’avenir pour l’industrie.
Pour plus d’informations et les dernières actualités sur Prolight + Sound, rendez-vous sur le site Prolight + Sound
Les 13 et 14 juin 2025, la station balnéaire italienne de Fano a été le théâtre d’un spectacle unique en son genre, lorsque l’Adriatic Sound Festival a fait vibrer l’aérodrome historique de la ville au rythme de la musique techno et de l’esprit underground.
Le système STM à jardin ; main et outfill.
Conçue par Stufish, la Hangar Stage a rendu un hommage audacieux à l’héritage aéronautique de Fano et à la puissance de la musique électronique, en réinventant l’aérodrome historique de la ville en une cathédrale techno à ciel ouvert, encadrée par trois hangars emblématiques.
Le son de cette scène a été assuré par Backstage, spécialiste local de la production et de la technologie événementielles, qui a déployé un système entièrement NEXO comprenant des lignes principales gauche et droite de 15 têtes STM M46, accompagnées du même nombre d’extension de basses STM B112, ainsi qu’une autre ligne de M46/B112 assurant le renfort latéral.
Au total, 60 subwoofers STM S118 stockés à l’avant de la scène ont assuré un bas du spectre solide, aussi perceptible à l’oreille que par le corps, pour les artistes de la scène Hangar, notamment Franky Wah, Stephan Bodzin, Sven Väth, Nicole Moudaber, Sama Abdulhadi et Richie Hawtin. Huit des stocks de subs étaient surmontés d’un trio de têtes STM M28 pour combler le rendu en champ prochet. En side le même principe a été utilisé avec des stacks de caissons de basses M18 et de GEO M12 assurant une couverture supplémentaire.
Les 60 subwoofers STM S118 à l’avant de la scène, un ensemble impressionnants par le nombre et le montage arc sub et cardioïde. Ambiance garantie !!
« C’est la première fois que nous utilisons STM dans une configuration de ce type », rapporte Giacomo Balducci, directeur technique de Backstage. « Nous avons l’habitude de le déployer quotidiennement pour des événements corporate, nous connaissons donc bien le potentiel du système et avons encouragé le client à l’utiliser sur une scène techno.
En accordant une attention particulière au design et au calage du système, nous avons obtenu un excellent résultat, salué tant par les artistes que par leurs techniciens. Le STM prouve une fois de plus qu’il s’agit d’un système polyvalent, capable de relever tous les défis que le marché nous réserve. »
Pour encore plus d’informations sur Backstage et sur Nexo
Filiale de la société Amadeus depuis 2023, HOLOPHONIX s’impose aujourd’hui comme un acteur incontournable de l’innovation sonore immersive, en pleine expansion à l’international et en constante recherche de nouveaux talents à la croisée des sciences, des technologies et des arts.
Réputé pour ses processeurs de spatialisation de pointe et ses logiciels innovants, HOLOPHONIX transforme les espaces scéniques, les théâtres et les installations créatives grâce à des expériences sonores immersives. En rompant avec le paradigme stéréophonique, HOLOPHONIX permet une localisation sonore haute résolution, sculpte l’acoustique grâce à des traitements actifs, et rend possible une écoute véritablement immersive.
En pleine accélération, l’entreprise porte aujourd’hui un portefeuille toujours plus ambitieux de projets aux quatre coins du monde. En réunissant chercheurs, ingénieurs, développeurs et profils business aux parcours variés, la nouvelle équipe HOLOPHONIX incarne pleinement la volonté de faire dialoguer avancées technologiques et exploration créative.
Une équipe aux talents pluriels
À la tête de cette vision : Gaëtan Byk et Thierry Coduys, cofondateurs de la marque HOLOPHONIX.
De gauche à droite Thierry Coduys et Gaëtan Byk.
Véritable pionnier du domaine et figure incontournable des musiques contemporaines, de la scénographie immersive et de l’art numérique, Thierry Coduys occupe le poste de Creative Engineering Manager au sein de l’entreprise. Formé à l’IRCAM, il a collaboré avec des artistes de renom tels que Luciano Berio, Iannis Xenakis, Frank Zappa, Pierre Huyghe ou Sasha Waltz. Fort de plus de trente ans d’expérience, il façonne la direction artistique et technologique de HOLOPHONIX, en conjuguant innovation et sensibilité profondément humaine au service de l’avenir du son.
Le développement technique de l’entreprise est porté par Dr. Adrien Zanni, Directeur des Technologies chez HOLOPHONIX. Spécialiste de la modélisation acoustique, des esthétiques spatiales et de la composition sonore immersive, il allie recherche scientifique et création artistique.
Adrien Zanni
Après des débuts au Conservatoire de Chalon-sur-Saône, Adrien poursuit un Master à l’École Nationale Supérieure Louis-Lumière, avant de soutenir une thèse à l’Université Paris 8 en Esthétique, Science et Technologie des Arts, au sein de l’équipe de recherche CICM. Sa recherche, menée en partenariat avec HOLOPHONIX et le groupe « Espaces Acoustiques et Cognitifs » de l’IRCAM, porte sur la conception d’un vocabulaire d’outils pour l’écriture de l’espace sonore au sein d’un spatialiseur.
“Ce qui me motive le plus, c’est d’évoluer à l’interface entre les technologies de spatialisation les plus avancées et la création artistique concrète ”, explique Adrien Zanni. “HOLOPHONIX réunit la puissance algorithmique, une grande flexibilité de rendu spatial et une attention constante à l’expérience utilisateur au service des compositeurs, designers sonores et ingénieurs du son. Mon rôle est de faire le lien entre la recherche théorique et la réalité du terrain, pour que nos outils restent à la fois techniquement performants et pertinents artistiquement. ” Ses recherches alimentent directement des applications concrètes, mises en œuvre lors de productions artistiques majeures, comme à la Biennale de Venise, au Palais des Papes lors du Festival d’Avignon, à la Philharmonie de Paris, au Festival d’Art Lyrique d’Aix-en-Provence ou encore au Panthéon.
“Thierry et Adrien font partie de l’histoire de la marque depuis ses tout débuts”, confie Gaëtan Byk, CEO et cofondateur. “Thierry est la première personne que j’ai appelée en 2017, lorsque HOLOPHONIX n’était encore qu’un projet de recherche. Nous nous connaissons depuis près de 30 ans. Il a été l’un des premiers à éveiller en moi cette passion pour le son, l’art et la technologie. C’est une immense fierté de l’avoir à mes côtés aujourd’hui, dans un rôle sur-mesure, pour imaginer les technologies sonores de demain. ”
“Adrien nous a rejoints peu de temps après. Il fut l’un de nos tout premiers développeurs, dans le cadre d’une thèse CIFRE avec Paris 8 sur recommandation de Thierry, alors son professeur. La passion qu’il exprimait dès notre première rencontre ne l’a jamais quitté. Ses compétences et son énergie n’ont cessé de croître, le menant naturellement à devenir team leader et CTO. Je suis fier qu’il ait choisi de poursuivre l’aventure avec nous après sa thèse, et impatient de voir comment tous deux continueront à façonner l’avenir de l’entreprise. ”
Francesco Papaleo
Francesco Papaleo, Project Manager et Application Engineer, joue un rôle-clé dans la conception d’environnements sonores mémorables, allant des installations expérimentales aux salles de spectacle. Avec 15 ans d’expérience dans plus de 40 pays, Francesco allie expertise technique en systèmes audio et sensibilité artistique. Il veille à ce que chaque déploiement HOLOPHONIX soit à la fois technologiquement performant et esthétiquement impactant.
“Mon métier se situe entre le support technique, la formation et la R&D ”, précise-t-il. “ Pour moi, l’ingénierie est un processus centré sur l’humain, porté par l’innovation. Et je ne suis pas le seul dans l’équipe à penser ainsi. Nos échanges tournent constamment autour des usages concrets et de l’expérience utilisateur. Nous voulons démocratiser l’audio immersif, repousser ses limites, et proposer une palette d’outils qui aille au-delà de la spatialisation algorithmique, pour véritablement nourrir la création, ” ajoute Francesco.
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Le département R&D reflète pleinement cette volonté d’hybridation des savoirs
Louis Genieys
Louis Genieys, Software Engineer, allie rigueur technique et sensibilité musicale. Double diplômé en Acoustique Physique (Sorbonne) et en ingénierie audio (Louis Lumière), formé à la composition électroacoustique et au piano classique, il œuvre au développement de l’architecture logicielle de HOLOPHONIX.
Arthus Touzet
Arthus Touzet, Software Engineer, apporte une approche philosophique et scientifique. Formé en physique théorique, épistémologie et musicologie (Sorbonne, Marseille), il se spécialise en traitement du signal et en Ambisonie d’Ordre Supérieur, dans le cadre de recherches menées au laboratoire PRISM (CNRS).
Osvaldo Felices
Osvaldo Felices, Full Stack Developer, fusionne développement logiciel et performance artistique. Danseur professionnel et producteur de musique électronique, il met 20 ans d’expérience créative au service de l’ergonomie et de l’intelligence fonctionnelle des outils.
Théo Ouchene
Théo Ouchene, ingénieur et musicien, explore la spatialisation multicanale, les systèmes embarqués et le développement de plugins audio. Diplômé de l’ECE Paris avec un cursus international à McGill, il ancre sa pratique à la croisée de la recherche et de l’expérimentation artistique.
Anthony Gallien
Anthony Gallien, ingénieur en traitement du signal et intelligence artificielle, spécialiste de l’audio 3D, de l’analyse de réponse impulsionnelle et de l’acoustique spatiale. Diplômé de l’ENSEA, il a mené des recherches à l’université Aalto (Finlande) et à l’IRCAM (Paris), où il explore de nouvelles approches de la modélisation sonore et de la manipulation spatiale. Il conjugue rigueur scientifique et sens de l’innovation.
Développement international et vision globale
Yassine Zaim
Yassine Zaim apporte une impulsion stratégique à la croissance internationale de HOLOPHONIX, en tant que Directeur des Ventes Internationales. Fort de plus de dix ans d’expérience à la croisée de la musique, de la technologie et du développement commercial, ce multi-instrumentiste diplômé en France, aux États-Unis et au Brésil a occupé des postes-clés chez Roon Labs et Devialet, accompagnant des projets complexes sur des marchés internationaux. Chez HOLOPHONIX, il œuvre à bâtir un écosystème solide de partenaires et à diffuser l’expérience audio immersive dans des secteurs toujours plus variés.
“HOLOPHONIX est né de longues années de recherche et d’expérimentation. Aujourd’hui, nous proposons un véritable écosystème qui permet aux créateurs de modeler le son avec précision, flexibilité et sens ”, explique-t-il. “Ce qui nous anime, ce sont les collaborations qui brouillent les frontières entre art, architecture et émotion dans les musées, les salles de concert, les lieux de soin. Ce sont dans ces espaces que l’audio spatial révèle tout son pouvoir narratif. ”
Helen Karam
Helen Karam, Brand Content Creator, pilote la communication visuelle de HOLOPHONIX. Titulaire d’un Master en photographie et art contemporain à Paris 8, forte d’une expérience internationale dans l’image de luxe et de lifestyle, elle orchestre la production photo/vidéo, les relations presse et les contenus digitaux. Son regard artistique et sa rigueur éditoriale rendent l’univers complexe du son immersif à la fois accessible et sensible.
Enfin, Jean-François Mathais, expert en scénographie technique et conception de salles de spectacles, apporte une connaissance précieuse des institutions culturelles. Associé chez dUCKS Scéno de 2002 à 2013, il a conçu des lieux d’exception comme l’Opéra de Jinan, le DR Koncerthuset de Copenhague ou la Philharmonie de Paris. Il a ensuite assuré la maîtrise d’ouvrage côté client pour la Philharmonie de Paris, après avoir dirigé le département audiovisuel de l’Opéra de Lyon.
Cette équipe pluridisciplinaire incarne la volonté de HOLOPHONIX : repousser les limites du son spatial, non pas comme simple défi technologique, mais comme une forme d’art. Alliant innovation technique et intégration artistique, HOLOPHONIX conçoit des expériences d’écoute à la fois précises, sensibles et poétiques.
“Je suis immensément fier de l’équipe que nous avons bâtie une équipe qui grandit chaque jour, enrichie par des personnalités dont la qualité la plus marquante, à mes yeux, est une passion viscérale pour le son, la technologie et l’art. Mais avant tout, ce sont des êtres humains d’exception aussi humbles que brillants. J’ai longtemps craint que la croissance finisse par diluer notre ADN, que l’on perde cette étincelle originelle. Mais ce que je vois chaque jour me rassure : guidée par les bonnes valeurs, portée par des gens aussi passionnés que talentueux, la croissance ne nous éloigne pas de qui nous sommes, elle l’amplifie. ” conclut Gaëtan Byk, cofondateur, propriétaire et CEO de HOLOPHONIX.
Avec comme but principal de simplifier la gestion des parcs matériel et d’offrir toujours plus d’efficacité spectrale, Shure enrichit son offre de solutions sans fil avec le lancement du nouveau récepteur évolutif ANX4 ainsi que des mises à jour des systèmes Axient Digital PSM et ULX-D.
Cette série d’innovations technologiques sans fil majeures répond aux besoins croissants de flexibilité et d’évolutivité que rencontrent les ingénieurs du son et prestataires/loueurs de matériel dans la gestion des systèmes HF sur des tournées ou lors d’installations de grande envergure.
Gérer ses licences de canaux Shure à distance depuis la plateforme dédiée ShureCloud.
Première innovation tirant parti de la puissance hardware et de l’intelligence logiciel, et simplifiant la gestion du parc matériel, les licences modulaires activables à distance. Que ce soit pour l’ANX4 ou l’Axient Digital PSM, ces licences de canaux, une fois achetées, pourront être activées par le propriétaire et réaffectées ultérieurement à d’autres unités matérielles du même type via la plateforme de gestion ShureCloud. Par exemple, un prestataire pourra déployer ses canaux licenciés ANX4 à volonté entre plusieurs récepteurs ANX4. De la même manière, il déploiera ses canaux licenciés Axient Digital PSM entre plusieurs émetteurs Axient Digital PSM. Cette liberté d’affectation de canaux par modèle de systèmes est un apport bienvenu pour obtenir un niveau de flexibilité supérieur dans la gestion d’un nombre important de liaisons sans fil pour de nombreuses productions.
Deuxième innovation, le récepteur sans fil évolutif ANX4. Léger et puissant, ce nouveau récepteur innove en proposant des capacités de configurations extensibles et modulaires sans précédent. Elles seront particulièrement appréciées des prestataires et des loueurs de matériel qui peuvent ainsi dimensionner leur système Shure sur site selon les besoins réels de leurs prestations.
La face avat de l’ANX4, aussi belle qu’informative grâce à son large écran.
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L’ANX4 fonctionne soit en mode Axient Digital, soit en mode ULX-D, et supporte toutes les options d’émetteurs disponibles sur ces plateformes.
L’ANX4 fonctionne en mode Axient Digital…
Livré non préconfiguré, ce récepteur évolutif peut gérer jusqu’à 16 canaux Axient Digital ou 24 canaux ULX-D dans une seule unité de rack, grâce à l’achat de licences de canaux activables via ShureCloud. Les prestataires bénéficient ainsi avec l’ANX4, pour un nombre élevé de canaux activables dans le respect des caractéristiques propres aux systèmes Axient Digital ou ULX-D, d’un faible encombrement et d’un gain de poids significatif.
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… et aussi en mode ULX-D.
« Planifier les capacités représente un investissement conséquent pour les loueurs d’équipements audio. Grâce à l’ANX4 et aux licences activables via ShureCloud, les prestataires peuvent désormais, avec un seul rack, couvrir une grande diversité d’événements. Par exemple, dans la salle de congrès d’un hôtel, il leur est possible de passer de 4 liaisons pour une table ronde d’investisseurs équipée de micros col de cygne ULXD à 16 liaisons pour un concert live en mode Axient Digital… sans avoir à changer de système. Les capacités d’un seul appareil sont maximisées, que ce soit en tournée ou sur un lieu fixe. Résultat : sur le terrain, un gain de temps, d’espace, et à l’année, une solution économiquement plus intelligente », explique Thomas Delory, Market Development Manager, Shure France.
Disponible en versions alimentées en courant alternatif ou continu, l’ANX4 propose une large plage de fonctionnement grâce à une bande de fréquence étendue de 174 MHz à 2 GHz et quatre entrées d’antenne pour un déploiement sans fil rationaliséeet économique à grande échelle, sans équipement de distribution d’antenne supplémentaire. Quatre ports Ethernet complètent sa connectivité pour le contrôle en réseau et les sorties numériques Dante/AES67.
Panneau arrière du ANX4. 4 prises réseau et 4 prises pour les antennes et le tour est joué.
En face avant, il offre un grand écran couleur (6,6 pouces) et une sortie casque 6,35 mm. L’ANX4 est supporté par Shure Wireless Workbench pour une gestion et une supervision complètes à distance. Le récepteur sans fil ANX4 sera disponible à l’automne 2025. Son exploitation nécessite l’achat de licences de canaux, auprès des revendeurs agréés ou sur Shure.com
Voir la vidéo
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La troisième innovation concerne le système de retours intra-auriculaires numériques sans fil Axient Digital PSM. Une nouvelle mise à jour firmware, disponible cet été via ShureCloud ou Shure Update Utility, permettra d’étendre le nombre de canaux gérés par le système : jusqu’à 12 canaux audio supplémentaires sur l’émetteur quad ADTQ et 6 sur l’émetteur double ADTD, pour un total respectif de 16 et 8 canaux stéréo. Cette augmentation du nombre de canaux, rendue possible grâce aux capacités de la technologie WMAS, permet d’optimiser la gestion des espaces de rack pour adapter le système à une variété d’utilisations. Les licences de canaux additionnels pourront être achetées cet automne à l’unité ou par quatre sur Shure.com ou auprès des revendeurs agréés existants. En Mode Axient Digital Standard (mode point à point), ce nouveau firmware améliorera la transmission audio sans fil de haute qualité sur de plus grandes distances (via les émetteurs Axient Digital PSM ADTQ et ADTD) à tout récepteur Axient Digital (incluant les récepteurs en rack AD4Q, AD4D), en raison d’une puissance de sortie RF plus élevée par rapport aux émetteurs bodypack Axient Digital standard.
« Shure continue à miser sur l’innovation et l’excellence pour proposer à ses clients une technologie sans fil puissante et adaptée à leurs besoins sur site », déclare Nick Wood, Associate Vice President of Marketing & Product Management for Professional Audio chez Shure. « Grâce à l’intégration poussée entre hardware et software, ces solutions visent à accroître la flexibilité de nos produits pour offrir aux professionnels de l’audio la possibilité d’en faire toujours plus. »
La dernière innovation concerne les composants des systèmes ULX-D avec l’extension de la plage de fréquences de ses émetteurs et de ses récepteurs sans fil (jusqu’à 166 MHz), pour une utilisation facilitée lors de déploiement à l’international sur une zone géographique accrue. La disponibilité des plages de fréquences ULX-D variera en fonction des exigences réglementaires régionales : jusqu’à 138 MHz aux États-Unis, et jusqu’à 166 MHz en Europe et en Amérique latine. Dans d’autres pays, la plage variera en fonction des exigences réglementaires, au cas par cas.
Bandes de fréquences étendues pour le composants du systèmes ULX-D à l’automne 2025.
Compatibles avec le récepteur évolutif sans fil ANX4, les nouveaux composants ULX-D mis à jour avec des bandes étendues comprennent les émetteurs de poche ULXD1, les émetteur portatifs ULXD2, le récepteur dual ULXD4D et le récepteur quad ULXD4Q. Les émetteurs ULX-D historiques fonctionneront avec les nouveaux récepteurs large bande. De même, les récepteurs historiques ULX-D fonctionneront avec les nouveaux émetteurs large bande, bien sûr tant que les plages de fréquences correspondront. Ces nouveaux composants seront disponibles à l’automne 2025.
