M. fait son cirque pour ses 20 ans. Episode 1

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13 juin 2019

M. au Cirque d'Hiver — Au début du spectacle avec une petite touche personnalisée par les Mac Aura. Saurez vous la retrouver ?

Le chanteur M. (Matthieu Chedid pour les intimes) célèbre ses 20 ans de création avec la sortie de son dernier album “Lettre infinie”. L’occasion pour lui d’offrir un moment unique et intime à son public en se produisant dans la petite salle du Cirque d’Hiver. Un lieu baroque et chargé d’histoire construit en 1851 et appartenant aujourd’hui à la famille Bouglione.

Jérémy Bargues, l’éclairagiste de Matthieu, a dû jongler avec le kit de la salle et faire des choix personnels comme demander à MPM, qui fournit l’équipement, d’ajouter des BMFL Blade, des Mac Aura, des tubes led AX1, des barres de leds X4Bar et avec un système de poursuite RoboSpot pour commander un BMFL WashBeam.

Cette série de concerts était une étape laboratoire de création afin de tester, discuter et retravailler une sorte de “pâte à modeler créative”, en prélude à une tournée de plus grande envergure en Zénith et Arena. Elle a démarré en mars et nous sommes conviés à couvrir les dates de la Seine Musicale. Dans un article à paraître on détaillera donc le kit lumière de cœur de Jérémy, l’ajout de sublimes écrans à leds et les automates gérés en midi via Ableton Live.

Le cirque d’hiver un labo de création dans une salle à part

Sans plus attendre, en piste avec une petite vidéo pour vous mettre dans l’ambiance du spectacle du Cirque d’hiver.

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SLU : Jérémy, quelle est ton actu récente depuis la tournée Mojo ?

Jérémy Bargues : Il y a eu Charlie Winston, HollySiz, la tournée de “Lamomali”, celle de la famille Chedid, Jain sur sa première tournée, Raphaël et Indochine à venir pour cet été en festivals. Avec Matthieu, cela va faire sept ans que nous collaborons.
La première tournée c’était pour son album “Îl” avec Dimitri Vassiliu. Puis j’ai continué avec Matthieu pour “La Famille Chedid”, ensuite pour “Lamomali” et aujourd’hui, la tournée de son dernier album, “Lettre infinie” qui célèbre aussi ses 20 ans de création.

SLU : Quelles sont vos habitudes de travail avec Mathieu ?

Jérémy Bargues : Les dates au Cirque d’Hiver sont comme un grand labo où les choses changent un peu tous les jours. Le soir on enregistre le spectacle en plan large pour pouvoir en discuter le lendemain, partager nos ressentis et prévoir les changements pour le spectacle qui suit. Ce tri se fait afin d’arriver à une tournée des Zéniths où l’installation sera complètement différente mais reprendra tout de même des éléments de cette première série de concerts au Cirque. Au final, c’est vraiment un travail à plusieurs mains.

Alain Millon et François Causse ont collaboré à la partie automate. Au niveau de la scénographie, les idées de base viennent de Matthieu et chacun rebondit que ce soit au niveau du son, de la lumière, de la mise en scène. Chacun apporte sa petite touche. Personnellement, ce qui m’impressionne chez lui c’est sa capacité à se renouveler, avec un Gimmick marqué pour chacun de ses albums, qu’il soit visuel ou musical.
La tournée “Lettre Infinie” fêtant les 20 ans du baptême de M, le show reprend un peu tous ses petits objets “Gimmick”. On retrouvera donc la guitare rose, les lunettes de Peggy Guggenheim, les lunettes à leds, la perruque de Machistador, les lunettes miroirs de la tournée “Îl” (à Leds aussi d’ailleurs) et enfin la veste à rayures avec la coiffe en or du dernier album.

SLU : J’imagine que ce choix du Cirque d’Hiver a dû constituer un petit challenge d’un point de vue technique mais aussi artistique. Quelle a été votre approche de ce lieu atypique ?

Laurent Chéné : Le Cirque offre un caractère et un rapport au public qui intéressaient Matthieu, d’autant qu’il est parti sur un concept solo à la Rémy Bricka. Ses musiciens sont donc des automates.

D’autre part, le show a pour particularité de devoir s’intégrer à l’infrastructure technique existante. Il nous fallait donc utiliser le kit lumière du Cirque d’hiver. C’était le deal de départ car leur propre spectacle se produit du samedi au lundi et nous prenons la suite du mardi au vendredi et ce pendant deux semaines. On ne pouvait donc pas faire une alternance sur toute l’installation matérielle pour d’aussi courts délais.

Jérémy Bargues : En effet, passer des Claypaky Profile 1500 à des BMFL les aurait obligés à refaire toute une programmation de show, ce qui était inenvisageable au niveau timing de montage et d’encodage. J’ai donc utilisé le matériel en place avec quelques ajouts dont 4 BMFL Blade dont un en accroche plein centre pour projeter des gobos custom.

Le parc de Mac Aura a également été augmenté pour disposer de sources de proximité pour les instruments automates et bénéficier de petits aplats de lumière.
Il y a aussi des petits Par 16 installés sur la batterie qui est déplacée pendant le spectacle, barres à leds motorisées X4Bar, des tubes led AX1 pour cercler la piste, et enfin un RoboSpot afin de suivre Matthieu même dans les angles morts de la scène.

Des BMFL Blade en ajout pour s’approprier le kit du cirque d’hiver

SLU : Comment as-tu utilisé les BMFL Blade et pourquoi ce choix précisément ?

Jérémy Bargues : Je les avais déjà utilisés sur la tournée “Lamomali” et il me fallait de la puissance et de la polyvalence pour pouvoir répondre aux différents besoins. En plus, je ne pouvais ajouter que quatre appareils du fait du manque de place.

Celui qui est accroché plein centre a également pour but de texturer la piste avec des gobos que j’ai fait fabriquer pour illustrer certains des titres chantés par Matthieu. Le sol de la piste étant blanc et de forme circulaire j’y ai tout de suite vu une projection de la sérigraphie du disque “Lettre infinie”.

Ça permettait aussi d’emmener l’ambiance de Matthieu dans ce lieu. La roue d’anim du BMFL Blade est mortelle, on peut mettre des effets ou faire onduler les projections. Pour le titre “L’autre Paradis”, je projette une lune et ça fonctionne très bien.
J’en ai également deux à contre pour les entrées et sorties des invités ou pour un contre douche sur l’artiste car il y a une espèce de fosse d’orchestre qui ne m’a pas permis d’installer un vrai contre. Et enfin un dernier est installé au sol derrière le gong.

SLU : Tu les as utilisés en découpe ?

Jérémy Bargues : Oui, sur le piano, et les automates. Pour moi c’est un produit super propre et efficace, je n’en vois pas d’autres aujourd’hui qui puissent rivaliser. J’en aurai 30 dans le kit de la tournée Zénith.

SLU : Et pour les Mac Aura comment s’est faite ta réflexion ?

Jérémy Bargues : On a choisi d’ajouter des Mac Aura à leur kit qui en comprenait déjà pas mal et surtout au sol pour garder une homogénéité globale. C’est d’autant plus important pour les Wash. J’aime le Mac Aura, il est petit avec une ouverture idéale pour éclairer les totems et la patate est suffisante pour les deux-trois effets que je voulais faire. Je l’utilise depuis longtemps, il est efficace en source proche, notamment pour prendre les musiciens.

SLU : Ils ne se plaignent pas d’avoir une source led en proximité ?

Jérémy Bargues : (rire) Apparemment ça va, mais je les dose bien sûr et la lentille est plutôt pas mal. On peut mixer le faisceau et l’effet Aura pour moins leur éclater la tête. Pour moi le duo Mac Aura/ BMFL est le kit de base même si je cherche encore le wash ultime.

SLU : Le RoboSpot pour une scène centrale est une vraie solution ?

Jérémy Bargues : C’est l’outil parfait pour le show parce que Matthieu bouge beaucoup. Il fait des tours de piste, il va dans le public… J’en aurai deux sur la tournée des Zéniths à la face et en contre. Il y a un très court phénomène de latence de 150 millisecondes au niveau du flux vidéo mais Laurent, qui n’avait jamais utilisé de RoboSpot, l’a pris en main très facilement.

SLU : D’où viennent ces tubes qui cerclent la piste ?

Jérémy Bargues : Ce sont des tubes led Astera AX1. Ils sont complètement autonomes en énergie car ils sont sur batterie et je les contrôle en DMX sans fil par la GrandMa. Il y a un petit matriçage qui patche les cellules en 16 leds RGBW par tubes.

SLU : Tu prends le risque du DMX sans fil ?

Jérémy Bargues : Ces tubes intègrent un récepteur LumenRadio plutôt performant. Je les ai utilisés sur d’autres tournées et ça fonctionne bien. Le seul problème avec le DMX sans fil c’est qu’on ne peut pas faire du flash super-rapide parce qu’on perd quelques signaux parfois ce qui créé une sorte de traînée. Pour le Cirque d’Hiver j’ai réfléchi au placement pour éviter que les signaux ne soient brouillés.
Ça marche tellement bien que les émetteurs sont simplement installés en ligne sur 4 m de long. Ils sont en plus autonomes en énergie. Je les choisis car il fallait pouvoir faire le tour de la piste avec de la puissance sans que ce soit un enfer en termes de câblage. Les batteries sont mises en charge tous les soirs mais elles pourraient tenir 2 à 3 shows consécutifs sans les recharger (en supposant de ne pas faire de balances et de répètes).

SLU : Comment est gérée la lettre lumineuse que Matthieu utilise pour s’auto-éclairer ?

Jérémy Bargues : C’est un système totalement autonome conçu par Visual Système, qui avait déjà conçu les lunettes à leds de la tournée précédente. C’est d’ailleurs le même système qui a été mis en place. Un petit interrupteur fait contact et allume les LED quand l’objet s’ouvre en laissant passer le courant. C’est Matthieu qui gère son propre éclairage, il doit simplement regarder constamment la lettre pour que le public ait cette sensation de lecture.

SLU : Tu pupitres sur GrandMA3…

Jérémy Bargues : Ben oui, à un moment faut franchir le pas, mais comme tu le sais, elle tourne encore avec le soft du 2 en attendant que le 3 soit stabilisé. J’essaye de me décharger de plus en plus du côté technique pour me consacrer à l’artistique surtout pour un projet comme celui-ci où l’artiste demande beaucoup de présence.
Pour l’encodage, JC Aubré m’a donné un coup de main et parfois, pendant les répètes, Laurent Chéné prend le relais aussi à la console. C’est bien d’avoir quatre mains pendant les retapes où tout rebondit sur tout. J’avais aussi ma vieille console une MA Light Commander 12/2 avec des accès directs. C’est pratique en création pour tester certaines choses rapidement.

Éclairer Matthieu

SLU : Comment gères-tu la face, et les contres dans ce lieu circulaire ?

Jérémy Bargues : C’est assez particulier. Les contres par exemple, on oublie, mais ce qui est spécifique au Cirque d’Hiver sera possible en Zénith, d’autant plus que j’adore travailler les contres au sol et avec Matthieu on s’entend bien à ce sujet.

Le RoboSpot est essentiel car même s’il a été pensé comme un contre douche, il devient un contre pour le bout de la piste ou une face quand Matthieu se retourne pour le public situé à l’opposé dans la salle. En plus de ce système nous avons accès à deux poursuites Victor Robert Juliat pour assurer une couverture complète de l’espace.

SLU : Est-ce que cette scène circulaire a généré d’autres challenges ?

Jérémy Bargues : Le Cirque est un challenge en soi pour l’avoir pratiqué déjà deux fois. C’est tout de même une salle particulière avec une scène centrale et circulaire dont on essaye de se dégager un peu en enlevant des couches au fur et à mesure des passes.

L’objectif étant de ne conserver que ce qui est essentiel en lumière toujours dans cette idée de seul-en-scène. Il faut donc chercher à recentrer le focus sur lui avec une logique identique pour les automates. Je ne sais pas si j’y arrive mais j’ai vraiment essayé de créer quelque chose de nouveau en plus de jouer avec ce lieu qui est magnifique.

SLU : Cette ambiance cirque sera-t-elle reprise dans les Zéniths ?

Jérémy Bargues : Beaucoup de choses commencent à s’écrire ici donc des éléments seront semblables du point de vue de la mise en scène et du déroulé du spectacle. C’est le côté laboratoire de création dont je te parlais. Par contre, la configuration scénique n’étant pas la même, d’autres éléments seront apportés comme des VL10 Vari-Lite et des écrans led.

Conclusion

Jérémy m’a impressionné dans l’approche unique de son éclairage au Cirque d’Hiver. Essayer de se détacher de la salle mais aussi l’utiliser pour créer des tableaux intimistes et poétiques. Un grand écart en plus d’être un challenge. Il a su traduire les envies de Matthieu Chedid et avec sa baguette magique (c’est-à-dire des BMFL Blade) s’approprier l’espace. Les gobos fabriqués pour l’occasion se prêtent magnifiquement bien à la piste ronde. Notamment quand ils projettent une surface de lune, très poétique, pendant le titre “L’Autre Paradis”.
Les tubes Astera AX1 vivent tout autour de la scène et sous les projections de fumée. Un cerclage qui complète parfaitement les effets des Mac Aura. Ces derniers qu’ils soient dirigés en proximité vers les musiciens automates ou utilisés pour des effets sont pêchus et petits, pratique pour se faufiler dans une salle déjà bien chargée. Le show évolue depuis une ambiance seul-en-scène en passant par un joli cœur lors du duo avec sa fille Billie Chedid, prête à écrire son histoire comme elle le chante elle-même.

Puis les ambiances se succèdent. Parfois un tableau aux couleurs chamarrées en hommage au cirque, puis un autre très graphique et géométrique pour “Le complexe du Corn-Flakes” et surtout une apothéose Disco où le public est invité à danser sur scène avec -M- au rythme de solos improvisés à partir d’un de ses titres les plus connus, “Machistador”. Une parenthèse survoltée où tout le monde se lâche. Génial !

L’avant-dernière date de cette série au cirque d’hiver a été un prélude à la tournée ayant démarré en mars 2019. Nous avons été conviés à couvrir les dates de la Seine Musicale, Nous en profiterons pour interviewer Jérémy sur son Kit lumière et sa collaboration avec les écrans à leds ainsi que sur la gestion des automates via un réseau midi relié à un Live Ableton. On chuchote que MPM qui a fourni l’équipement a acheté les derniers hybrides VL 10 Vari-Lite pour Jérémy, et que le chanteur sème régulièrement sa poursuite tellement il court partout. Ça promet !

Les Plans

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La série IS d’Adamson prend du poids et du bois avec le sub IS219 présenté à InfoComm 2019

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admin

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13 juin 2019

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Adamson dévoile à InfoCom 2019 un nouveau sub d’installation de la série IS, le IS219.
Malgré sa faible hauteur qui va faciliter son intégration, il embarque deux HP de 19” dans une charge bass reflex.
« Les retours des architectes, des acousticiens et des intégrateurs sur notre gamme d’enceintes d’installation IS ont été extrêmement positifs » commente Brian Fraser, Manageur produit chez Adamson. « Il existe une demande pour une gamme d’enceintes de haute qualité, ayant fait ses preuves en tournée, tout en étant facile à intégrer et il n’est pas un meilleur endroit pour présenter de tels produits qu’InfoComm 2019. »

Le sub IS219 est le dernier né de la gamme IS et est conçu pour se fondre dans le décor tout en offrant des performances de très haut niveau. Il a été conçu afin de répondre à la demande de plusieurs grands intégrateurs.
Il s’agit d’un subwoofer conçu pour des applications uniquement au sol et là où la place est comptée.

Il embarque deux SD19, les mêmes équipant le sub de concert E219, des woofers à membrane Kevlar de 19” à grand débattement, double bobine de 5” et aimant néodyme acceptant des puissances très importantes.
La charge bass reflex est conçue pour délivrer un grave exempt de distorsion et très musical.

Les deux transducteurs montés en parallèle présentent une impédance de 4 ohms et acceptent une puissance AES de 3200 W. Avec un facteur de crête de 12 dB, le SPL max s’établit à 143. La réponse en fréquence s’étend de 29 à 100 Hz à ± 3dB.

L’ébénisterie reste fidèle au multiplis de bouleau traité marine, l’acier et l’aluminium de qualité aéronautique et dispose de deux ports Speakon NL4 en face avant et arrière. Des borniers sont disponibles en option.

Chaque sub est livré avec des poignées amovibles pour en faciliter la manutention tout en libérant les derniers millimètres, et sa hauteur de 51 centimètres lui permet de se glisser sous toutes les scènes.

Pour plus d’infos sur le site Adamson

Avec OMNEO d’Electro-Voice, le stade BayArena de Leverkusen investit pour l’avenir

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admin

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12 juin 2019

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Grâce aux contrôleurs Electro-Voice N8000 et au réseau IP Omneo doté de toutes les fonctionnalités audio Dante, le stade BayArena offre des performances audio supérieures, de la redondance et jouit d’une interface utilisateur conviviale avec IRIS-Net sur PC tactile.

Un stade de football s’astreint aux mêmes exigences qu’une équipe de football : l’objectif est de rester au niveau pour ne pas compromettre la compétitivité. Cela suppose un investissement continu dans les hommes et dans l’infrastructure. C’est pourquoi PBS Mediasolutions a été appelé à effectuer une mise à niveau technique au stade BayArena, domicile du club Bayer 04 Leverkusen qui évolue en Bundesliga.

Electro-Voice OMNEO stade BayArena Leverkusen — De gauche à droite M. Lingk (Electro-Voice), J. Weiss (technicien media, BayArena), P. Bürgel (PBS), F. Palm (Electro-Voice), T. Pirtsch (Electro-Voice).

Cette mise à niveau a nécessité la modernisation du réseau audio du stade, qui était devenu obsolète, afin de permettre une diffusion audio de haute qualité et une surveillance à distance complète avec redondance totale, améliorant ainsi la convivialité, la performance et la fiabilité globale du système. En outre, les techniciens du stade souhaitaient pour la régie du studio une interface utilisateur graphique taillée sur mesure pour fournir une meilleure vue d’ensemble et une plus grande facilité d’utilisation.

Aux termes d’un appel d’offres, l’équipe technique de BayArena a opté pour un réseau basé sur la technologie IP OMNEO pour assurer la meilleure qualité sonore possible. Chacune des quatre salles d’amplification, en plus de la régie, a été mise en réseau au moyen de connexions rapides par fibre optique et équipée de deux contrôleurs matriciels audio numériques Electro-Voice N8000, de deux commutateurs Cisco, d’un total de 16 amplificateurs récupérés sur l’ancienne installation et de nouveaux onduleurs.

Peter Bürgel de PBS Mediasolutions, un intégrateur de Leverkusen, nous en dit plus sur le projet : « Cette mise à niveau offre des avantages considérables au client : on peut désormais surveiller le système de sonorisation complet avec le logiciel IRIS-Net ; avec Dante la qualité du son est nettement meilleure, la latence plus faible et la redondance garantit que toutes les fonctions restent disponibles en permanence, même dans le cas très rare où un élément tomberait en panne. Les exploitants du stade ont également été impressionnés par le rapport qualité/prix d’Electro-Voice. »

Ajouté à l’équipement de la régie de BayArena, un nouveau PC tactile joue un rôle clé dans la surveillance du système. L’interface utilisateur graphique du logiciel IRIS-Net affiche toutes les zones ainsi que des liens directs vers chaque élément. Cela se traduit par une sécurité maximale et un accès direct d’un seul coup d’œil. « Si un appareil tombe en panne, le logiciel affiche immédiatement la zone concernée et déclenche simultanément un basculement sans que cela ne s’entende sur la diffusion », explique Bürgel.

L’installation a quand même nécessité des travaux considérables : pour passer du système précédent à un réseau IP numérique OMNEO doté de toutes les fonctionnalités audio Dante, il a fallu recâbler tous les concentrateurs des amplificateurs.
Mais cela en valait la peine. « Le nouveau réseau ne se contente pas de satisfaire toutes les exigences qu’on impose à un réseau actuellement, mais il est équipé pour de futures extensions dans ce domaine. Il fournit déjà une base pour OCA, AES 67 et AES 70, et de fait, cette refonte constitue également un investissement pour l’avenir », remarque Bürgel.

Il y a 60 ans, le stade ouvrait ses portes sous le nom de « Stade Ulrich-Haberland ». Mais en 1998, il a été rebaptisé BayArena. A plusieurs reprises, le stade a été rénové, modernisé et agrandi. Il a maintenant une capacité de 30 210 places. Au terme de sa dernière modernisation, BayArena est devenu l’une des arénas de football les plus modernes d’Allemagne.

Pour mémoire, OMNEO est une architecture de connexion entre appareils devant échanger des données telles que du contenu audio ou du contrôle de périphériques. OMNEO s’appuie sur plusieurs technologies comme IP et les standards publics ouverts. Il prend en charge les technologies d’aujourd’hui, comme le réseau Dante d’Audinate, tout en adoptant les normes à venir. OMNEO offre une solution de réseau multimédia professionnelle supérieure à celle de toute autre offre IP sur le marché.

D’autres informations sur le site Electro-voice et sur le site Bayer Leverkusen

Chris, Manu, l’écu, Camille et Nicolas jouent un coup de théâtre!

Par

Patrick Cussigh

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12 juin 2019

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Christine and the Queens revient sur scène sous une nouvelle identité Chris, androgyne et animale, accompagnée des excellents danseurs du jeune collectif La Horde. Elle a imaginé une mise en scène privilégiant les corps et leur rapport à l’espace, le naturel, la simplicité.
Un grand écart artistique et technique pour l’équipe de création scénographique et lumière car il a fallu construire un spectacle qui a tout d’un Opéra et l’adapter aux contraintes de timing d’une tournée.

A l’AccorHotels Arena, une des dates de la rentrée parisienne de Chris, (de G à D) Camille Duchemin scénographe, Nicolas Olivier éclairagiste, Philippe Ducouret, alias l’Écu de MecaOctet et Manu Mouton, régisseur général nous racontent les étapes de la naissance de ce concert décalé.

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Avant même que nous posions la question, Manu Mouton, régisseur général de la tournée embraye.

Manu Mouton : « La première personne à citer dans la création c’est Christine. Quand je regarde mes notes du début du projet je retrouve tous les univers du show final. C’est elle qui a les idées. Nous l’avons accompagnée car elle ne sait pas forcément comment le dire techniquement, mais elle savait très précisément ce qu’elle voulait.

SLU : Comment êtes-vous arrivés tous dans ce projet ?

Manu Mouton : J’ai fait la direction technique du projet Justice il y a plus de 1 an. C’est la même production. Quand Christine a décidé de se remettre en route dans un univers complètement différent du précédent, Corida m’a proposé de réunir une équipe autour d’elle. L’artiste avait un brief vraiment très particulier : lumière blanche, pas de couleurs, ne pas voir les faisceaux, ne pas voir les sources.

Chris AccorHotels Arena Part2 — Et si on commençait par la fin, Chris et tout son public sous la neige !

Elle parle de corps, de voir les muscles de voir la sueur. Elle évoque des toiles de fond peintes et des effets naturels comme la fumée, la neige, le sable, rien d’acidulé, rien de technologique, rien de numérique.
J’ai démarré le projet avec Philippe Ducouret, dit l’Écu, mon complice de toutes les créas, Justice et beaucoup d’autres, qui avec sa société MécaOctet construit de la machinerie assistée par ordinateur.

Dès le début avec Christine on parle d’éléments naturels dont la neige, et j’ai le souvenir d’avoir vu le plus beau de ce type d’effet dans un spectacle , “Neige”, de la chorégraphe Michèle Anne De Mey. Nous nous rapprochons de Nicolas Olivier qui a réalisé ces machines, il parle la même langue que Christine, et il a une grande expérience de la neige et de la fumée pour le théâtre.

Pour l’anecdote, Christine arrive à l’essai suivant avec quelques photos de spectacles de danse dont elle souhaite se rapprocher et l’on découvre que c’est Nicolas qui a éclairé les trois quarts d’entre eux. Il a donc fait la créa lumière avec les niveaux, les intentions correspondant parfaitement à l’univers de Christine.

J’ai travaillé aussi avec Thibault Richard, mon complice de direction technique, qui a une spécialité réseau. Plus tard j’ai fait appel à la scénographe Camille Duchemin. Elle a repris les bribes que nous avions jetées et a commencé à accompagner Christine dans l’écriture du projet et la réalisation des toiles, choix des images, travail d’impression.

En son, Julien Decarne (FOH) et Vladimir Coulibre (sound designer et ingé système) nous ont proposé le projet L-ISA. C’est un chapitre à part mais que nous avons beaucoup travaillé car ça complique le rigging. Pour que ce soit possible il faut intégrer L-ISA très tôt dans le projet. »

Les toiles de fond de scène, imprimées et repeintes

SLU : Camille, comment as-tu travaillé le projet avec Christine ?

Camille Duchemin, scénographe : « Christine avait une idée assez précise de tableaux qu’elle voulait de l’époque de Hondson River School. On a découpé la chronologie en 3 parties. Une première partie terrestre sur une petite vignette serrée en bord de scène pour contraindre les corps dans un premier espace restreint avec un regard très cadré par cette image.

Un tremblement de terre permet de faire disparaître cette première toile. L’espace s’ouvre pour la deuxième partie sur une image plus tempétueuse, une mer déchaînée, une image plus longue et cinématographique. La lumière occupe l’espace différemment et la chorégraphie prend plus de place.

On a beaucoup travaillé les modes d’impression sur les toiles coton imprimées. Elles ont été repeintes pour garder les reliefs et les volumes et gagner en profondeur. Quand on agrandit 100 fois un tableau qui mesure 40 cm par 60, on perd la qualité de la touche, on perd la nervosité qu’il faut restaurer.
La première toile est rigide, la deuxième toile est plus souple, soumise à la tempête et se fait avaler pour laisser la place au troisième espace immatériel. Cet espace vide est dessiné par le sable, la neige, la fumée, la lumière.

Et on finit sur une dernière image où elle va dans le public. Elle veut pousser les espaces pousser les murs, gagner en possibilités, c’est ce que ses textes racontent. On a travaillé le rapport des corps à l’espace. C’est la lumière qui révèle les qualités de peau et donne un grain, une matière qui est très forte. »

L’écriture lumière

SLU : Nicolas, c’était quoi la difficulté en lumière

Nicolas Olivier, Eclairagiste : « C’était de venir avec un éclairage épuré par rapport à ce qui se fait dans cette taille de spectacle habituellement, éviter la vidéo, les effets de fumée intempestifs et surtout le dessin des faisceaux en mouvement, en couleur.
Ce que je trouve beau dans le spectacle c’est que les corps et l’artiste sont au centre du visuel, à l’opposé d’une scénographie complètement débordante qui aveugle, et où le sujet se perd parfois. Ici le sujet c’est le chant, la danse, les corps, le volume des espaces créés par la scénographie, différents plans, la profondeur.
Comme on a appris à parler ce vocabulaire en commun, la lumière qui restitue les matières, les teintes, les peaux, les volumes s’est faite assez naturellement et assez rapidement. »

Camille Duchemin : « Découper le ciel ou le sol, faire vivre les images pour les voir différemment. La toile de la mer on la voit de plusieurs manières différentes suivant les tableaux. Parfois elle est intégrée avec les corps, parfois on voit juste la vague et le dos de Christine. Il y a aussi tous les découpages à l’intérieur des toiles qui ont fait partie de l’écriture de la lumière. »

SLU : Camille, tu parles beaucoup de lumière et toi Nicolas de matière, mais qui fait quoi exactement ?

Camille Duchemin : « C’est difficile de dire qui fait quoi. Quand l’équipe marche bien, chacun à un moment donné fait de la scéno, de la lumière. On vient chacun avec notre culture et très vite tout le monde s’imprègne de la pensée des autres. Nicolas a été amené à faire aussi des recherches de scénographie, de matières et moi des recherches de lumière. »

Nicolas Olivier : « Et puis aussi d’organisation de travail. On a tous bousculé nos zones de confort. »

Camille Duchemin : « Sur cette création, il y a deux cultures qui se rencontrent. La culture show musical qui n’a pas l’habitude de répéter longtemps et la culture théâtre pour laquelle il est normal de répéter sur plusieurs semaines. Ici, on arrive à une espèce de forme opératique et chaque changement de décor, de lumière demande à être répété pour bien valider qu’il rentre dans les corps de la chanteuse et des danseurs. Ces cultures de travail sont différentes donc tout le monde était un peu bousculé. »

SLU : Tu as utilisé quelles sources ?

Nicolas Olivier : « Il y a un peu de tout. J’ai utilisé des sources à décharge des PAR, de la led. J’ai choisi des Dalis sur perche pour éclairer la deuxième toile et je les ai utilisés en bain de pieds bord plateau pour éclairer la première toile et aussi ressortir les danseurs quand ils sont au premier plan.
Nous avons des barres de PAR car nous avons tout de suite senti le besoin du filament pour éclairer les corps, pour les sentir, sentir la sueur, les muscles naturellement. Je viens du théâtre donc c’est un outil que je connais très bien.

Et là où je suis sorti un peu de mon travail habituel c’est qu’il a fallu rentrer un kit qui pouvait se monter en un jour et qui réponde à toutes ces volontés de lumière, ne pas sentir le faisceau avoir un wash suffisamment large et puissant ou en encore un projecteur de découpe motorisé et c’est pour ça que l’on s’est tourné vers les BMFL Blade et WashBeam Robe.

Le Elidy est arrivé un peu par hasard. J’avais envie d’un effet latéral assez prononcé donc puissant pour casser par moments la lumière englobante et le Elidy était parfait pour assurer cette fonction. Et du coup il y a une source un peu technologique qui apparaît dans le spectacle et je trouve que ça fonctionne. Il a une très belle couleur, très très proche de l’halogène.

Nous avons aussi deux “mobylettes” (RoboSpot) qui nous ont sauvé la peau car je ne pouvais pas attaquer avec une poursuite traditionnelle en salle. J’accrochais les toiles, la première notamment qui est vraiment très proche de Christine. J’ai décidé de placer les BMFL Blade sur le pont de face et j’ai un très bel angle d’attaque grâce auquel elle ressort juste surlignée. »

SLU : Tu as recours aux CTO progressifs, aux ambres ?

Nicolas Olivier : Oui et au minus green, aux frosts progressifs et à la nature des sources elles-mêmes aussi, la lampe arc, le PAR, la led chaude du Elidy. Ces blancs créent suffisamment de températures de couleur différentes pour satisfaire nos besoins. La couleur existe par référence à ce qu’il y a à côté ou à ce que tu as vu avant. Travailler les blancs donne la sensation de ne pas voir le même morceau tout le temps par le dégradé et les nuances de blanc, le blanc qui du coup devient un peu gris. C’est vraiment ce travail qui m’intéressait et ça s’est joué très naturellement.

SLU : Et tu travailles quels angles de faisceaux !

Nicolas Olivier : Les PAR sont des CP 61 mais il y en a beaucoup donc on n’identifie pas 60 sources. Elles travaillent comme une seule source. Si je veux un contre-jour très directif, un latéral par exemple, j’ouvre les zooms des BMFL à fond, je mets le frost à fond et j’utilise 6 machines mais ça donne la sensation d’une seule machine en termes de lumière car on ne diffuse pas du tout de brouillard donc on ne matérialise pas les faisceaux.

SLU : As-tu eu des problèmes de rendu des couleurs avec les sources à arc ou à led ?

Nicolas Olivier : Avec les Dalis, non pas du tout. La lampe des BMFL Robe tire par contre un peu sur le vert mais il y a un minus green dans le projecteur qui me sauve la peau et que j’utilise systématiquement. »

Les effets d’éléments naturels

La troisième partie du show, place les corps dans un espace immatériel très poétique animé par la neige, des nuages de fumée sur scène et dans la salle, et des lignes de sable qui se désagrègent. Certaines machines sont louées par FX3, d’autres ont été développées par MecaOctet, et toutes sont contrôlées par l’Ecu en live.

SLU : Comment fonctionne cette fameuse machine à neige qui a provoqué la rencontre de Nicolas?

Manu Mouton : « Cet effet nécessitait de tendre des filets de 12 mètres sur 3 plans, agités par des moteurs, et comme ça gouttait un peu avant l’effet, il aurait fallu prévoir des volets motorisés.
La neige est un effet très important du spectacle mais qui dure seulement 20 secondes. Investir autant d’argent ne valait pas le coup. Je suis finalement revenu à un système de seaux ventilés qui crachent de la neige, plus simple à mettre en œuvre et surtout moins coûteux. »

SLU : Quelle est la technique qui permet d’avaler la deuxième toile ?

Manu Mouton : « Nous avons deux toiles pour le décor de mer déchaînée. Il était impossible dans le cahier des charges d’avoir une belle toile en couleur et en profondeur, assez fine pour être enroulée et qui redevienne tendue et lissée le lendemain donc on l’a doublée. On largue la première dans le noir. C’est une deuxième toile, plus légère qui s’agite dans la tempête et à la fin se fait embobiner en une seconde dans une machine qui a été développée par l’Ecu. »

SLU : Comment parvenez-vous à maintenir un nuage dans le dispositif scénique ?

Nicolas Olivier : « Pour la troisième partie du spectacle, on utilise un fond de scène noir et 1,5 m plus à la face, il y a un tulle, un clear screen. Dans cet espace que l’on appelle le bocal, la fumée stagne car on parvient à créer un microclimat par différence de températures et l’on y évite les courants d’air. Le nuage ne se dissipe pas tout de suite ce qui produit un effet de profondeur. Ce système est issu d’une recherche que j’avais faite pour un précédent projet.

Devant le bocal sur scène on envoie de gros jets de fumée à dissipation très rapide et dans la salle on utilise des fumigènes pour créer des nuages.
C’est un artifice Le Maitre qui produit une traînée de fumée de couleur verte. L’avantage avec les artifices c’est que les couleurs sont très denses.»

SLU : Quelle est la machine qui envoie des lignes de sable sur “La Marcheuse” ?

Manu Mouton : « J’ai une dizaine de machines à sable développées par l’Ecu. C’est un tube qui mesure 50 cm de haut et 8 cm de diamètre. Il contient 13 minutes d’effet. On l’utilise pendant 3 minutes, autrement dit une grosse poignée de sable par machine. »

Un beau petit théâtre monté en seulement une heure et demie

Manu est vraiment enthousiaste à juste titre. L’accroche des 15 perches nécessaires aux toiles, frises, machines à neige, barres de PAR, projecteurs et consorts ne prend finalement pas plus d’une heure et demie.

Manu Mouton : « Nous étions à Saint-Omer dans le Pas-de-Calais, dans la salle où nous faisions toutes nos répétitions. A 3 m du bord plateau, avec l’Ecu, on regarde le plafond en se disant que jamais on ne pourra monter un système traditionnel d’accroche en tournée, et on commence à réfléchir à un système de poutres face/lointain, des mother truss, pour supporter les perches. On n’a pas beaucoup de charge mais on a besoin de 15 ponts car toutes les sources sont frisées et du coup ça ajoute un grand nombre perches.

Ce jour-là, Philippe Coudyser, le patron de Sonoss et Frédo de Régie Lumière passent déjeuner avec nous. Philippe est à Lille donc voisin. Et l’histoire se raconte en quelques heures entre Sonoss qui fabrique, Régie Lu qui achète et moi qui loue.

On est parti d’une poutre Eurotruss en 500 carré, complètement ouverte dessous, comportant un rail auquel sont accrochés des moteurs 250 kg D8+ (double frein) qui nous évitent les élingues de sécurité donc qui restent disponibles. C’est important, on a les machines à neige à recharger, des machines à sable à recharger, les lâchers de toiles, etc. On a développé un système de 4 poutres face lointain en 500 carré de 15 mètres de long, chacune montée par 4 moteurs 2 tonnes avec peson.
J’ai donc seulement 16 points d’accroche au plafond de Bercy. Dans chaque poutre sont intégrés 16 moteurs, donc 64 au total, prêts à contrôler mes 16 perches. C’est Eurotruss via Sonoss qui a fabriqué la poutre de 500 ouverte avec un rail au milieu et les moteurs de 250 kg D8+ Gis. C’est une marque suisse qui fabrique des petits moteurs, légers et maniables.

SLU : Comment sont gérés les 64 moteurs ?

Manu Mouton : Sonoss a optimisé le système en prévoyant de placer une armoire de contrôle de pilotage à chaque extrémité des poutres. Et ainsi tout est concentré en haut. Je monte une 32 tri et une mini Socapex pour alimenter et contrôler une armoire, donc 8 moteurs. J’ai au final 8 câbles d’alim et 8 câbles de contrôle pour les 64 moteurs. Au niveau du câblage ce n’est rien.
Je récupère ensuite mes 8 câbles sur ma télécommande 60 moteurs et j’ai mon théâtre sous la main. Temps de montage 1 h 30 chrono ! J’évite aussi une forêt de câbles, le coût de 64 points d’accroche au plafond de la salle et d’une nuit de rig.

Aujourd’hui on a des pesons externes qui communiquent en wifi avec un ordi pour le contrôle de charge. Avec la nouvelle télécommande numérique que Sonoss vient de développer, je pourrai voir la charge appliquée à chaque moteur. C’est un projet qui m’intéresse pour des productions plus classiques à forte charge donc je continue son développement.

À terme on prévoit de grossir le rail intégré dans la poutre pour utiliser des moteurs asservis de 500 kg et même des 500 mouflés si on a besoin de 1 tonne. Tout comme on fait des prépas de light, on va pouvoir faire des prépas de rig, faire des mémoires et les rappeler. Et puis accrocher simplement avec le contrôle de la charge ce qui pour moi est obligatoire. Il est urgent de travailler avec des pesons, ne serait-ce qu’en festivals.

J’aimerais tirer mon chapeau à Philippe de Sonoss qui a développé le système et à Frédo de Régie lumière qui a investi, car pour moi, côté budget de création de la partie technique, c’est hyper compliqué de débloquer des fonds juste pour des questions de rapidité de montage. C’est invendable à l’artiste, ça parle peu au producteur. Ce sont des gens qui nous suivent depuis longtemps et Frédo à l’époque a dit “Ok, j’achète et je vous le loue sur 9 dates !” On est au-delà de la logique financière d’une boîte. »

Conclusion

En rupture avec tous les concerts que nous avons vus, en rupture avec ce qu’elle faisait avant, Chris surprend certes et finalement rassure. Elle assume sa volonté de sortir d’un cadre qui l’étouffait, elle assume tout autant la tempête qui en découle et souffle un vrai vent de liberté soutenue par son producteur Corida, et son équipe de création technique. Ils se sont mis en quatre pour aller au bout de ses envies. La lumière ne se montre pas comme un support de la partition musicale, elle se plie aux besoins d‘une scénographie située entre opéra et comédie musicale.

On ne parle pas de conception lumière, on parle d’éclairage et Manu Mouton a recruté avec Camille Duchemin et Nicolas Olivier des experts dans l’art de l’illusion. Le regard est tout entier focalisé sur les corps qui s’expriment avec une sensualité féroce dans un décor ou une absence de décor qui traduit 1 000 ambiances par le jeu magique des lumières et des effets naturels. “On s’est rendu compte que la simplicité pouvait emprunter des chemins sinueux” me confiait Camille Duchemin, et cette équipe de techniciens aime à l’évidence les randonnées de l’extrême.

Produire un Opéra pour une tournée est un challenge technique qu’ils ont maîtrisé avec leur expérience, leurs talents de chercheurs et l’investissement de toute l’équipe. Proposer un Opéra dans une salle grande comme l’AccorHotels Arena pour 18 000 spectateurs était par contre un pari vraiment osé…

Plan de feu 3D

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Yamaha présente l’AFC 4

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admin

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12 juin 2019

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Yamaha annonce la sortie de la nouvelle version de son générateur acoustique AFC 4. Combinant acoustique et traitement du signal il permet de manipuler et d’améliorer l’architecture sonore d’un espace afin de prendre en charge un plus grand nombre d’applications.
Le nouveau AFC4 (Active Field Control) inclut des améliorations significatives en termes de performances, de qualité sonore et de flexibilité, élargissant encore l’étendue des applications, incluant maintenant opéra, théâtre musical et autres productions de grande envergure.

Avec un passé de plus de 130 ans dans la fabrication d’une vaste gamme d’instruments de musique, la création de technologies audio de pointe et la conception de salles de spectacles et de théâtres ; les artisans, concepteurs et ingénieurs de Yamaha ont mis au point une sensibilité musicale qui guide la volonté du groupe à produire les meilleures expériences d’écoute, d’enregistrement et de performance pour les utilisateurs.

Le premier système de générateur acoustique de Yamaha a fait ses débuts en 1985 en réponse à un nombre croissant d’installations nécessitant une approche plus polyvalente, afin d’élargir la gamme des applications de performance ou de sonorisation qu’elles pouvaient prendre en charge.

AFC a pour principe de base de créer un système de réverbération évolutif utilisant des micros et des haut- parleurs placés de manière optimale, afin de produire une boucle de rétroaction acoustique produisant un son et des sensations beaucoup plus naturels et organiques que les simulations de réverbération de salle plus communément utilisées à l’époque.
Par conséquent, AFC constituait une alternative plus économique et flexible aux rénovations ou modifications mécaniques des salles de spectacles, des lieux de culte, des théâtres et des salles de concert, tout en conservant les caractéristiques naturelles de l’espace sonore.

La version la plus récente du système, l’AFC 3, intègre un puissant DSP pour accroître la polyvalence du système et améliorer les performances tout en ne nécessitant que quelques périphériques essentiels pour constituer un système complet. Des environnements très différents peuvent être modifiés en appuyant sur un simple bouton sans compromettre l’expérience sonore de chaque personne sur le site.

Avec la 4ème génération AFC 4, une évolution significative de la qualité sonore et de la puissance DSP permettent d’améliorer considérablement, voire de recréer, l’architecture sonore d’un environnement acoustique (par exemple dans le cas d’un site en extérieur ou sans toit) et de proposer une expérience sensorielle et immersive à tous les publics, acteurs ou interprètes dans une vaste gamme d’applications, y compris l’opéra, la comédie musicale ainsi que les productions de grande envergure.

Grace à la puissance du nouveau DSP et ses possibilités d’entrées et sorties, l’AFC 4 voit sa qualité sonore considérablement améliorée (la fréquence d’échantillonnage du processeur, les coefficients fixes et configurables des FIRs, ainsi que les presets de ces derniers), et voit donc son éventail d’applications élargi.
Le nouveau système est également équipé d’égaliseurs FIR en complément des égaliseurs IIR. Au-delà des options de connectivités étendues – 32 entrées micro et 96 sorties – l’augmentation considérable de la puissance du DSP confère à l’utilisateur une flexibilité d’exploitation et de contrôle de l’architecture acoustique du lieu à traiter, rendant possible diverses expériences sonores, des plus subtiles et nuancées à d’autres plus dramatiques et extrêmes.

M. Yoshi Tsugawa, directeur général de la division Business de Yamaha Audio Products, déclare : « Yamaha possède une connaissance unique de la nature et du comportement du son et de l’acoustique en particulier. Grâce à l’AFC, nous donnons l’occasion au public et aux artistes de vivre des expériences immersives très naturelles, à la fois considérables et pourtant familières.
Nous garantissons aux utilisateurs une implication totale de Yamaha pour une qualité absolue afin d’obtenir la meilleure expérience sonore au sein d’un environnement acoustique donné. Nous explorons en permanence de nouvelles voies pour mettre en œuvre cette technologie et sommes impatients de voir les possibilités exaltantes que l’avenir réserve à l’AFC 4. »

Yamaha présente l’AFC4 à InfoComm 2019 (voir lien ici)

Chris à l’AccorHotels Arena en L-ISA

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admin

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11 juin 2019

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Chris AccorHotels Arena L-ISA — L’AccorHotels Arena durant l’après-midi. Remarquez l’avancée de scène de 16 mètres incorporant en son centre un tapis roulant. Les Kara et KS28 qu’on devine autour du score board central ne font pas partie du show.

Christine and The Queens ou Chris, peu importe le nom, l’artiste s’est donnée sans retenue à l’AccorHotels Arena, bien portée par une grosse configuration L-ISA pensée par Vladimir Coulibre et un mix de Julien Decarne pour Melpomen.

Ce reportage est dédié à Pedro.

Mise en scène épurée, la musique et les paroles prennent une importance fondamentale, le son se doit donc d’être le parfait vecteur de deux heures d’un show capté en plus pour un direct TV.

SLU est présent pour cette dernière date parisienne et immersive avant une pause et un redémarrage en classique gauche droite durant les festivals d’été 2019.

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Nous sommes accueillis par Vladimir Coulibre, consultant L-ISA, Julien Decarne à la face, Christophe Rousseau aux retours et les équipes de Melpomen pour le groupe B Live dont Adrien Maupeu et Samuel Birais, un accueil serein malgré l’importance d’une date parisienne avec captation. C’est Vlad qui ouvre le bal des questions.

La genèse

SLU : Qui a eu l’idée et l’envie de passer le show en L-ISA ?

Vladimir Coulibre : L’idée d’aller au-delà du gauche / droite et de localiser les sources sonores nous trottait déjà en tête avec Julien (Decarne, ingé son face de Chris) et quand on a commencé à parler de la tournée de Chris, on a fait le choix de présenter le concept L-ISA à l’ensemble des acteurs, la production, les autres techniciens et bien sûr Héloïse.
L’immersif doit s’intégrer dans tous les corps de métier et doit être aussi intégré financièrement. Pour cela j’ai été sur le lieu de résidence à Saint-Omer et leur ai fait part des aspects techniques et artistiques.

SLU : Mais pas d’écoute

Vladimir Coulibre : Non, il fallait d’abord expliquer les avantages artistiques mais aussi les contraintes. Une fois obtenu un premier accord, nous avons travaillé avec Julien pour déterminer la configuration, on l’a budgétisée avec Melpomen, proposée à la prod et obtenu une validation.

SLU : Quel est le parti pris de la diffusion et de l’immersion pour ce show ?

Vladimir Coulibre : Efficacité et rapport au live. Ce projet se rapproche du théâtre mais avec des instruments et doit sonner comme du live.

SLU : Et l’alternance entre dates L-ISA et dates en gauche/droite ?

Vladimir Coulibre : On a bossé la question avec Julien et on a pris le parti de créer le mix dans la console en G/D/ et ensuite de récupérer les signaux et « refaire » un mix L-ISA dans la matrice. La compatibilité en fonction des salles est ainsi garantie.

Il y a le Coulibre dans le texte et le Vlad face caméra. Et si on le regardait nous raconter son travail avec Julien et d’autres détails techniques hautement croustillants et peu interférents ? Cliquez sur la vidéo ci-dessous

Promenons nous dans le bois, pendant qu’les dB sont là

Quittons le bureau pour plonger dans la salle de Bercy où s’agitent les équipes de la tournée mais aussi celles propres à la captation qui va se dérouler en direct le soir même.

SLU : Il y a donc beaucoup de bois en l’air…

Vladimir Coulibre : On a trois lignes de 16 K2 pour la partie Focus et deux fois 22 Kara pour compléter le déploiement de base de L-ISA, ensuite on a deux fois 14 K2 pour les sides et enfin deux fois 18 Kara pour les Extend. Au centre, derrière la ligne centrale de K2, on a deux fois 10 KS28 en montage cardioïde.
Comme on perd de l’énergie dans le grave près de la scène du fait de la longueur des lignes et du montage cardio, on a rajouté un peu de grave au sol avec 6 KS28 dont quatre centraux et les deux autres aux deux extrémités du plateau. La cohabitation se passe bien entre les deux niveaux de grave.

SLU : Tu joues moins fort dans les subs en bas ?

Vladimir Coulibre : Non, au même niveau que l’ensemble accroché.
Comme il y a moins d’éléments et qu’ils ne sont pas proches les uns des autres, ce renfort de grave est étonnamment assez doux.

SLU : Comment as-tu filtré le système ?

Vladimir Coulibre : Toutes les têtes sont en full range ce qui donne beaucoup d’énergie dans le grave en mode Focus avec les 3 lignes de K2 où l’on concentre tout ce qui requiert du SPL dans le bas. Même les Kara apportent une assise qui leur permet d’effectuer une bonne transition avec les K2 des outfills.
La proximité entre la ligne centrale de K2 et les KS28 donne un excellent couplage sur l’octave 30/60 Hz sachant que les KS28 sont coupés au-delà. Pour compléter le déploiement pour le champ proche il y a 5 ensembles mono de doubles Kiva en lipfill et deux ensembles de 4 Kara en extérieur à cour et jardin.

SLU : Pourquoi ce renfort en Kara ?

Vladimir Coulibre : On a une avancée de scène de 16 mètres, deux éléments de 8 mètres, incorporant un tapis roulant. Pour anticiper les dates parisiennes et la captation, j’ai fait en sorte de limiter le plus possible l’influence du K2 sur cette passerelle en le faisant « partir » un tout petit peu plus loin dans l’audience et en compensant par quelques Kara pour ne pas trop léser les spectateurs.

SLU : Pourquoi avoir désaxé la passerelle. Pour avoir un peu moins de voix ?

Vladimir Coulibre : Non, c’est un choix purement artistique et où qu’elle ait été placée, cela ne me gêne pas. La boîte du bas tape à dix mètres, donc il faut juste faire attention après. On a travaillé avec des plateaux FIR et ça passe très bien. Chris utilise un AD2 Shure monté en d:facto DPA.

SLU : Est-ce que dans une salle comme l’AHA (AccorHotels Arena en 3 signes !) on peut se passer de délais ?

Vladimir Coulibre : Il était hors de question qu’on en mette, avec trois lignes de 16 boîtes on a largement ce qu’il faut, y compris pour le point le plus éloigné qui est à 95 mètres.
A la Halle Tony Garnier avec 3 x 12 K2 on était bon, on a juste un peu souffert à Toulouse où le chauffage dessèche trop l’air et à 20 % d’humidité, le son n’aime pas du tout. L’aigu à partir de 4 kHz plonge. Heureusement que l’arrivée du public a fait remonter l’hygrométrie !

On se balade en salle et on s’approche du plateau. L’absence de tout décor rend très visibles les petits stacks de deux Kiva qui dépassent légèrement la hauteur du nez de scène.

SLU : Vu le nombre de lipfill, j’imagine que tu joues en mono. Ils sont hauts…

Vladimir Coulibre : Oui. On aurait pu jouer en stéréo mais ça ne présente pas un très grand intérêt, on a donc pris le mono mixdown de la matrice. La hauteur des Kiva est nécessaire pour remplir les 10 mètres devant la scène jusqu’à l’entrée du système dont la boîte la plus basse culmine à 9,5 m.

SLU : Avec 16 K2, tu disposes d’assez d’énergie pour concentrer pied et basse ou bien tu profites des 32 autres boîtes pour y envoyer une partie du signal ?

Vladimir Coulibre : Les trois lignes centrales du déploiement Focus sont à 3,5 m l’une de l’autre donc assez espacées pour commencer à donner une ouverture au son, mais à la fois suffisamment proches pour garder de la cohérence dans le bas du spectre.
Si tu places ton pied sur la centrale plus sub, tu as une certaine pression, si tu as besoin de plus, tu ouvres ton pied sur deux lignes et gagnes 6 dB. Nous le faisons sur quelques titres et il n’y a pas de contre-indication.

SLU : Tu gardes de la cohérence alors que ton pied sort de deux lignes plus le sub ? Aussi cohérent que si tu le joues d’une ligne + sub ?

Vladimir Coulibre : Non, mais tu gardes une cohérence. Ce qui compte c’est de connaître à l’avance la quantité de contour que tu souhaites avoir. Si tu peux cantonner des sources riches en grave dans une seule des trois lignes centrales et obtenir ce contour, c’est l’idéal, mais si tu as besoin d’un peu plus de headroom, tu peux glisser entre deux lignes et obtenir une cohérence parfaitement acceptable. Dans le show de ce soir en plus la batterie bouge sur scène, donc, on la suit.

SLU : Avez-vous fait le choix de placer des trackers sur les artistes pour bénéficier d’un suivi ?

Vladimir Coulibre : Non, cela ne nous a pas été demandé, mais c’est tout à fait possible et prévu dans la matrice. Quand tu abordes un projet de cette nature et de cette mesure, c’est bien d’y aller progressivement en respectant une méthode de travail très précise. Nous sommes partis avec Julien d’un gauche/droite et progressivement nous avons avancé journée après journée par des petites touches dans L-ISA pour ne pas se tromper, tout en gardant la pleine compatibilité du gauche/droite pour les dates qui n’ont pas permis le déploiement immersif.

SLU : As-tu perçu une forme d’engouement pour le rendu immersif ?

Vladimir Coulibre : Oui, mais j’ai fait le choix de ne pas me référer aux réseaux sociaux, mais plutôt à des gens qui vivent avec le spectacle sans spécialement travailler dans le son.
Je pense par exemple aux ouvreuses de la salle de Genève qui sont venues nous voir pour nous faire part de leur étonnement face à un son qu’elles n’avaient jamais entendu. Ce qui ressort en général ce sont deux remarques : une voix plus intelligible et un type d’écoute différent que les gens remarquent.

De très bons retours malgré une moyenne de niveau en LEQ15 de 95 dBA et 106 dBC ce qui peut sembler très sage mais est suffisant. L-ISA va changer notre manière de mixer car, par exemple, on n’a plus besoin de faire passer des choses en force.
La moindre inflexion s’entend, il va donc falloir qu’on apprenne à contrôler et même à écouter ce son qui arrive différemment et pour lequel on manque de repères. On parle beaucoup avec Julien de ces différences de ressenti.

A cour il se passe toujours quelque chose !

On laisse Vlad vaquer à ses 198 enceintes dont 76 K2, 88 Kara, 26 KS28 et 8 Kiva II, un truc de débutants, et on part à la recherche du moteur de tout ce bois.
La descente très bien peignée des câbles HP trahit sa présence à jardin, mais surtout à cour. Même si on peut mettre désormais l’esprit serein 3 K2 par LA12X, on est impressionné par leur nombre en LA-Rak II et en panières SSE, puisque l’ensemble du dispositif en bénéficie. Il y a 63 contrôleurs en tout soit 0,75 Mégawatt.

Cette balade en coulisses nous permet de discuter avec Adrien Maupeu le chargé d’affaires et Samuel Birais le Responsable technique son, tous deux pour le compte de Melpomen.

SLU : Comment sont interfacées les deux matrices L-ISA ?

Samuel Birais : On a deux cartes MADI dans la S6L de Julien pour avoir une redondance. Tous les Direct Out de la console partent en double et en fibre en direction des deux matrices L-ISA qui l’acceptent directement.

Une fois les signaux immersifs générés, on rentre dans les 6432 RME qui repassent le MADI en AES pour attaquer les LA12X qui ont deux entrées séparées A et B.
On aurait pu utiliser l’AVB mais par sécurité nous avons privilégié une solution plus rodée.

SLU : La bascule entre les deux configurations se fait au niveau des amplis…

Samuel Birais : Oui, il suffit de choisir entre entrée AB et entrée CD. On profite des 4 entrées de ce contrôleur. Avec LA8 on aurait été battu.

Être à cour permet aussi d’y rencontrer l’équipe retour en la personne d’Amandine Charré, honneur aux filles, qui se charge de la gestion de la grosse configuration Ableton, du ProTools ainsi que du plateau et de Christophe Rousseau qui mixe les retours.

Amandine Charré : J’ai en charge la config Ableton qui est télécommandée par le directeur musical de Chris, Bastien Doremus.
Je prépare et supervise la station. On enregistre aussi tous les soirs en ProTools chaque concert en exploitant le flux AVB en provenance de la console retours.

SLU : Vous travaillez en stage partagé ?

Amandine Charré : Oui, nous avons 128 entrées même si on ne les emploie pas toutes et, nous concernant, beaucoup de sorties. 24 en tout.

Christophe Rousseau : Je fais 12 mix différents.

SLU : Est-ce que le fait d’avoir au-dessus du plateau une telle quantité d’enceintes change quelque chose ?

Christophe Rousseau : Oui, c’est plus appréciable ! On n’a aucune onde arrière, c’est super propre. Par rapport à un gauche/droite c’est moins brouillon. Plus de sources et moins fort, ça nous va très bien. J’ai même dû ajouter du grave dans les ears du batteur car il en manquait un peu.

SLU : A ce propos, quels ears utilisez-vous sur vos PSM 1000 ?

Christophe Rousseau : Des Variphone ES50. Quand je suis arrivé sur cette tournée tout le monde était déjà équipé, j’ai donc eu ma paire pour entendre de la même manière.

SLU : Comment fonctionne la redondance d’Ableton ?

Amandine Charré : Par le biais des SW8 Radial. Ils disposent d’une entrée A et B avec une référence et un seuil qui a été préalablement réglé.
Si notre référence passe en dessous du seuil, ça bascule directement. C’est d’ailleurs le cas maintenant en absence de signal.

SLU : Cette relative abondance de fils…

Christophe Rousseau : Est due à la captation TV de ce soir (rires).

Antipasti de conclusion

Ayant passé une longue journée dans l’Arena, nous avons pu écouter et apprécier longuement le déploiement inédit de près de 200 boîtes. Comme le montrent les graphiques fournis par Vlad, le grave est extrêmement homogène, qu’il soit issu du dispositif cardioïde de KS28 ou des trois lignes centrales de K2, le tout marchant très bien aussi ensemble.

La transition entre le système immersif et les side en K2 est vraiment « seamless » comme disent les anglo-saxons. Ça passe super bien sans changement de couleur et de densité, mieux qu’avec L-ISA Wide où l’entrée de K2 dans Kara, apporte une assise trop agréable.

L’image ouvre bien avec forcément moins de largeur pour les spectateurs sur les côtés mais rien de comparable à ce que donne un pauvre G/D où à part à la console… Une balade en fond de salle prouve le bien-fondé des choix de Vlad, l’aigu arrive encore, même si un peu plus dur. A salle pleine on retrouve, comme il se doit, encore plus de cohérence et de précision. Un très beau travail de conception et de mise en œuvre du système qui pourra être encore plus exploité artistiquement à l’avenir.

Au-delà même de L-ISA, on est à l’orée d’un profond changement dans la reproduction d’un son amplifié qui va nous obliger à changer nos habitudes, encroûtés que nous sommes dans le gauche/droite et ses délicieuses marguerites si apaisantes. Aujourd’hui quand on ouvre, on lance en réalité la bataille du son où le SPL s’automutile, nourri par les quantités de bois en terre et en l’air.
Avec l’immersif et L-ISA, on se prend à plagier la merveilleuse scène de Un idiot à Paris avec Bernard Blier : « finie la petite stéréo, finies les vacances de vos doigts, finies les interférences…» Le son sort avec une facilité et une cohérence nouvelle mais qui ne pardonne pas grand-chose. Sans le masque interférentiel de la double mono, on retrouve des couleurs, de l’impact et un certain mordant.

L’impression de « satiété acoustique » arrive au moins 3 dB plus bas et toutes les sources gagnent beaucoup en précision dont la voix lead qu’on redécouvre sans avoir besoin de la corseter dans les chaînes dynamiques d’antan. Désormais on n’entend plus qu’elle. La dynamique, peut être travaillée plus finement à la lumière d’un rendu beaucoup plus fluide et analytique.
Mixer pour de l’immersif et pour un gauche/droite sont deux démarches acoustiques et artistiques différentes et penser qu’on peut éparpiller ce dernier en substituant au panoramique la matrice, ne paraît pas un bon calcul. Il faut travailler ses sources et sa dynamique autrement.

Du coup, ce qui est vrai en classique où L-ISA a fait ses preuves et apporte enfin l’air à ce style musical, l’analyse et la masse orchestrale en 3D que le gauche/droite ne fait qu’esquisser maladroitement, n’en est qu’à ses débuts en variété. Les formations L-ISA dispensées par L-Acoustics durant 3 jours et dont on nous a dit le plus grand bien, parlent aussi mix, mais il serait bon que les écoles de son s’y intéressent aussi très vite.

Reste maintenant à trouver un équilibre satisfaisant entre coût d’un déploiement L-ISA et apport tangible vu côté public dont il faut souligner la plus grande difficulté à percevoir ce qui nous semble si évident. Il faudra sans doute passer plus de temps à construire les shows en scénarisant plus le son dans l’espace, en accompagnant le chanteur dans ses déplacements et en mettant une dose de folie dans le rendu, sans perdre pour autant le « boulet central » la signature propre à tout concert.

C’est probablement à ce prix que le public reconnaîtra et plébiscitera l’immersif qu’il connaît bien pour l’entendre notamment au cinéma depuis belle lurette. L-ISA, et tout système par objet, devra apporter autant de liberté et de spontanéité à un show que les liaisons HF l’ont fait, quitte à rajouter un peu de bois sur les côtés ou à l’arrière pour ne jamais perdre la relation son / artiste au cas où ce dernier part en balade en salle. On aimerait aussi avoir un K3, 3 comme trois moteurs permettant de dépasser les 110° sans perdre du SPL au lointain et un Kara 2 avec des L-Fins et deux moteurs pour les mêmes raisons. 110° en immersif, c’est vraiment trop court.

Quoi qu’il en soit et dans l’attente que le Père Noël plein de fils de Marcoussis nous gâte, place aux artistes et à leurs techniciens de talent bien formés pour exploiter toujours mieux les ressources actuelles. Une chose est certaine, on n’a jamais rien trouvé de mieux que l’air pour y mixer du son.

Pedro Peixoto qui a travaillé sur cette tournée s’est éteint le 30 mai. Ce reportage lui est dédié. Un dernier mot de celles et ceux qui le côtoyaient.

Pedro était un mec en or ! Toujours positif, toujours serein, toujours pro !
Le simple fait de le voir arriver et de nous dire bonjour nous plaquait déjà un sourire sur le visage !
Quel plaisir de travailler avec lui !!!
Il était aussi brillant, consciencieux, rigoureux que généreux, humble, drôle…
Toutes les équipes de Melpomen s’associent à ses proches et à sa famille pour lui rendre un grand hommage.
Qu’il repose en paix . . .

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Contrôle des consoles Yamaha CL, QL et TF avec QLab via des scripts Python

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11 juin 2019

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Yamaha annonce la sortie de modèles de scripts Python pour faciliter le contrôle externe des consoles de mixage numériques des séries CL, QL et TF. Ces nouvelles possibilités de contrôle vont encore élargir leur polyvalence et leur praticité.

Python est un langage de programmation standard au codage simple conçu pour de vastes applications. Ces nouveaux modèles de scripts Python proposés par Yamaha pour les consoles des séries CL, QL et TF rendent possible le contrôle distant des rappels des mémoires de scènes, des mouvements de faders, des commutations ON/OFF des canaux… L’utilisateur pourra facilement adapter ces modèles pour contrôler n’importe quel scène et canal.

Le logiciel QLab de Figure 53 supporte l’utilisation de scripts externes, et permettra donc de contrôler facilement les différents paramètres des consoles numériques Yamaha des séries CL, QL et TF.

Chris Ashworth, PDG de Figure 53, s’en réjouit : « QLab a toujours été un parfait mélange de technique et d’artistique.
Nous avons imaginé ce logiciel en ce sens, afin de faciliter le quotidien de nombre d’artistes à travers le monde et nous sommes convaincu que cette intégration avec les consoles Yamaha poursuivra cette mission. »

Yoshi Tsugawa, Senior General Manager de la division Yamaha Audio Business ajoute :
« Le Show Control est devenu un aspect essentiel du design de systèmes pour les productions théâtrales.
En proposant cette intégration avec le logiciel QLab de Figure 53, un nouveau potentiel s’ouvre dans ce domaine aux utilisateurs de consoles numériques Yamaha »

D’autres informations sur le site Yamaha

Présentation des micros miniatures TwinPlex et des émetteurs ADX Shure chez Algam Mardi 25 juin

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11 juin 2019

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L’immeuble abritant les bureaux, la R&D, le musée, les archives, bref, tout Shure à quelques encablures de Chicago.

Mardi 25 juin, Algam Entreprises vous invite dans ses bureaux parisiens pour découvrir la nouvelle gamme de micros cravate et serre-têtes omnidirectionnels miniatures TwinPlex et les émetteurs ADX de la gamme Axient Digital de Shure.

TwinPlex ? Un peu d’histoire pour commencer.

Shure chez Algam TwinPlex et émetteurs ADX — Michael Johns, senior product manager de Shure durant la démo de portée en milieu hostile au Soldier Field en Axient Digital. A 10mW…et loin.

Il y a deux ans, on nous a invité avec quelques confrères à Niles, dans la proche banlieue de Chicago au siège de Shure pour nous présenter deux produits majeurs et complémentaires :
une nouvelle famille de liaisons numériques Axient Digital basée sur le savoir faire maison et les avancées de feu la gamme Axient, analogique mais tellement efficace, et un nouveau capteur, tout petit, appelé TwinPlex.

Lors de ces deux journées menées mégahertz battant, on nous a démontré la qualité opérationnelle des deux à l’aide de démos aussi grandioses que réussies. Impossible n’est pas français, mais certainement pas américain non plus !

Shure chez Algam — l’ADX1, le bodypack de la série X, difficile à prendre à défaut puisque capable de changer de fréquence à la moindre sollicitation grâce à ShowLink.

Deux ans plus tard, l’Axient Digital est pleinement opérationnel et disponible sous toutes ses variantes main et ceinture, voire cœur avec l’ADX1M, et toute une gamme numérique a été déclinée accélérant la mise à la retraite de la vaillante gamme analogique Pro et semi-Pro de Shure.

TwinPlex

TwinPlex a nécessité plus de temps de développement, de mise au point et d’écoutes et ce malgré des performances déjà très bonnes que nous avons pu juger sur pieds, 4, lors d’une écoute comparative entre un proto de Shure et un modèle du commerce de son concurrent danois.

Cette écoute comparative basée sur du chant et de la parole, a eu lieu dans une petite salle de spectacle privatisée pour l’occasion et faisant face à l’immense lac Michigan. On n’a pu que constater la similitude de rendu entre les deux capteurs dont, en plus, les quelques points d’égalisation se sont révélés quasi identiques.

Fallait-il commercialiser pour autant un produit légèrement plus grand que celui de son rival et dont les specs ont pris un coup de vieux suite à la refonte de l’électronique embarquée de ce dernier. La réponse est non.

Les ingénieurs de Shure ont donc tout repensé en ne gardant que le principe de la double capsule au rendu parfaitement omnidirectionnel, la résistance à l’eau et le câble virtuellement indestructible.

Nous avons pu voir à l’oeuvre les machines de torture, discuter de la « recette » de la transpiration artificielle, admirer les sortes de fours générant du froid, du chaud, du sec, de l’humidité, rien ne leur a été épargné.

Une fois le projet arrêté il a fallu créer les outils et les automates capables de fabriquer les pièces et de les assembler aux tolérances les plus strictes, des machines qui pour la plupart n’existent pas, afin d’être en mesure de satisfaire à la demande mondiale et de pouvoir garantir la variété de modèles que le marché réclame.
Le résultat deux ans plus tard est un micro encore plus petit et dont l’électronique miniaturisée à l’extrême a été placée au plus près des capteurs, en fait en sandwich entre les deux, gagnant ainsi de la place et des dB. La bataille commerciale peut désormais commencer !

Tout ceci donne une gamme très, très vaste que mon homonyme de chez Algam a du appréhender et se fera un plaisir de vous présenter lors de deux sessions le 25 juin 2019, matin entre 11 et 13h30 ou après-midi entre 17 et 19h30, rafraichissements compris.

Inscription en cliquant sur le lien Ici.

– Pour de plus amples renseignements, cliquez ici et laissez-vous guider.
– Si enfin vous voulez voir de plus près dès maintenant la gamme TwinPlex et l’anglais ne vous fait pas peur, cliquez ici et envolez vous aux Etats Unis

Les aquarelles de Portman

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10 juin 2019

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Poussés par une heureuse dynamique depuis deux ans, les projecteurs néo-rétro Portman bénéficient d’une belle cote d’amour baignée par la douce chaleur de leurs lampes halogènes.

Sensibles à l’impact énergétique, les jeunes polonais derrière cette marque ont eu à cœur d’éco-responsabiliser leurs produits, sans les dénaturer. Au bout de longs mois de recherche ils ont adapté une lampe au filament de leds à leur premier projecteur, pour créer le P1 Mini Led.

P1 Mini Led

Malgré une taille diminuée de vingt pour cent pour s’adapter harmonieusement à cette nouvelle source, ils ont réussi à garder un vrai feeling halogène avec tout le bénéfice d’une réalisation à base led.

Les sept lampes disposées en cercle, au sein de cette serrurerie typique, sont des crayons « quartz » led de trois watts, à la température très chaude de 1800K, pour donner l’impression d’une lampe traditionnelle graduée à faible intensité.
Derrière chaque source est toujours disposé un réflecteur miroir martelé, élément précieux pour donner ce look unique en nid d’abeille, agrémenté maintenant de bandes de leds RGBW pour illuminer chaque hexagone en couleurs.
La consommation est ridiculement basse, avec moins de 95 watts pour les 8 kg du P1 Mini Led. De couleur noire, équipé au choix de réflecteurs en argent ou or, la dernière offrande de Portman ne déroutera pas ses fidèles à l’utilisation.
L’afficheur à l’arrière permettant de choisir parmi les cinq modes DMX de la librairie, DMX In & Out compatible RDM, Wireless DMX en option, le P1 Mini Led propose en supplément plusieurs voies de macros pour simplifier la programmation.

Les premières livraisons sont prévues pour juin, assurées en exclusivité pour la France par Axente.

Plus d’infos sur le site Axente et sur le site Portman

Robert Juliat poursuit les danseuses du Moulin Rouge

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9 juin 2019

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Christian Bréan, concepteur lumière du Moulin Rouge, a récemment renouvelé ses projecteurs de poursuite et choisi Alice, la toute dernière génération de poursuite à leds de Robert Juliat. Trois nouvelles poursuites Robert Juliat Alice 600 W LED ont rejoint récemment la revue Féerie.

Robert Juliat Moulin Rouge — ©Moulin Rouge – B.Royer

Ce spectacle, qui tient l’affiche depuis 19 ans, retrace l’histoire du Moulin Rouge pendant deux heures d’enchantement mêlant tableaux dansés et numéros surprises. Tous les soirs, c’est un monde de rêve qui s’invente sur scène avec 60 artistes, 1 000 costumes de plumes, cristaux et paillettes, des performances exceptionnelles, des décors somptueux et des musiques françaises originales, sans oublier le célèbre French-cancan.

Le Moulin Rouge, c’est une ambiance unique qui séduit aussi bien les parisiens que les visiteurs du monde entier:
600 000 spectateurs annuels et deux représentations par soir sans jour de relâche.

Les poursuites Alice ont trouvé leur place dans ce lieu mythique, installées en passerelle technique, avec une portée de 15 à 30 mètres sur une scène de 30 mètres d’ouverture.

Choisie pour sa consommation énergétique réduite, l’excellente qualité du faisceau et la température de couleur, Alice convient aussi parfaitement aux poursuiteurs qui ont vraiment gagné en confort d’utilisation. Ce modèle LED dégage beaucoup moins de chaleur que les anciens modèles à lampe, qualité très appréciable pour assurer leur rôle quatre heures par soir dans les meilleures conditions.

Fournis par la société Alterlite, distributeur agréé Robert Juliat, ces nouveaux modèles respectent également les attentes esthétiques des équipes comme le confirme Christian Bréan, concepteur des lumières du Moulin Rouge.
« J’étais très confiant lors des essais réalisés pour comparer nos anciennes Lucy 1 200 W à décharge avec les nouvelles poursuites Alice, et je constate que nous avons fait le bon choix.

Nos trois poursuites Alice ont un faisceau identique en uniformité et température de couleur et leur rendement lumineux reste constant sur la durée. C’est capital pour un spectacle comme Féerie où nous mettons en lumière trois solistes sur scène tout au long de la revue. Avec les Alice, le rapport est très équilibré entre les trois artistes. »

2019 est donc une année faste pour le Moulin Rouge et pour Robert Juliat, qui fêtent respectivement leurs 130 et 100 ans. Preuve que l’on peut être centenaire et s’inscrire dans la modernité grâce aux nouvelles technologies.

Plus d’informations sur le site Robert Juliat

Amadeus signe la diffusion du Long Gone Dinosaur à Pékin

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8 juin 2019

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Associé à de grandes institutions musicales, théâtrales et scientifiques françaises, Amadeus a imaginé un équipement immersif hors du commun au Palais National Omnisports de Pékin, qui accueillera au cours des quinze prochaines années, un spectacle à la démesure de la Chine.
Amadeus signe une nouvelle installation de grande ampleur au sein du Palais National Omnisports de Pékin (Chine) comptant quelques 180 enceintes acoustiques installées dans un espace scénique de près de 10 000 m².
Cette installation majeure intervient dans le cadre du spectacle ‘The Long Gone Dinosaur’ spécialement créé pour et au sein du Palais National Omnisports de Pékin, dont les premières représentations officielles débuteront avant la fin de cette année.

Amadeus Beijing Stadium — La salle faisant face à la « scène » dont on devine l’écran incurvé venant saturer le champ de vision des spectateurs jusqu’à générer un ciel plus vrai que nature. On distingue aussi l’antenne WFS supérieure.

Les producteurs de ce spectacle de la démesure envisagent son exploitation au cours des quinze prochaines années au sein du Palais National Omnisports, situé au sein du Parc Olympique de Pékin construit dans le cadre des Jeux olympiques d’été de 2008.
Principalement destiné aux jeunes publics, ce spectacle a une vocation éducative. Il raconte l’histoire évolutive des dinosaures, depuis leur genèse jusqu’à leur extinction, il y a 65 millions d’années.
Ce spectacle compte parmi les plus ambitieux jamais produits en Chine. La scénographie technique y est monumentale, au même titre que les décors, incluant des forêts, réalisées au moyen de vrais arbres et plantes, des montagnes réalisées au moyen de vraies roches, un lac… Un système permettant la chute de pluies participe au projet artistique, mais irrigue également les différentes plantes.

Un système de diffusion sonore immersif, ainsi que des dinosaures robotisés de taille réelle, déambulant au sein du Palais Omnisports au moyen de rails dissimulés, mais aussi un écran LED incurvé de 150 mètres de large par 30 mètres de hauteur, ayant une résolution de 12K viennent compléter cette installation titanesque.

Amadeus a travaillé en étroite collaboration avec des ingénieurs du son, des créateurs sonores et des artistes en lien avec de prestigieuses institutions musicales, théâtrales et scientifiques, incluant le Théâtre National de Chaillot, La Gaîté Lyrique et le STMS (Sciences et Technologies de la Musique et du Son), laboratoire fondé en 1995 et hébergé au sein de l’Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique associant le CNRS, Sorbonne Université, le Ministère de la Culture et l’IRCAM autour d’une thématique de recherche interdisciplinaire sur les sciences et technologies de la musique et du son.

« La réussite de ce projet est indissociable des équipes qui ont su imaginer, mettre en œuvre, créer, composer avec et pour les produits et les technologies installés.
Ce projet est une formidable réussite commune, globale, un éloge aux savoir-faire et aux compétences rares dont nous disposons en France, » évoque Gaëtan Byk, Directeur Marketing de la marque Amadeus.

« Nous avons dès le début pris le parti de monter une équipe forte, incluant des profils aux talents, sensibilités et parcours complémentaires et pour la plupart issus de prestigieuses institutions françaises, dont Marc Piera (Théâtre National de Chaillot), Jean-Marc Harel (La Gaîté Lyrique), Guillaume Jacquemin (Buzzing Light), Johan Lescure, Clément Vallon et Thierry Coduys, qui a notamment travaillé aux cotés de grands noms tels que Luciano Berio, Pascal Dusapin, Philip Glass, Karlheinz Stockhausen ou encore Steve Reich, entre autres, » ajoute Gaëtan Byk.

Jean-Marc Harel, Responsable du Département Son au sein de La Gaité Lyrique à Paris a été notamment en charge du management des équipes techniques locales affectées au montage des équipements électroacoustiques. Il a par ailleurs encadré les phases de rigging sur site et réalisé les différentes simulations électro-acoustiques préalables au montage des équipements…

Marc Piera, Responsable du Département Son au sein du Théâtre National de Chaillot a été notamment en charge de la calibration fine des systèmes de diffusion électroacoustiques. « Parvenir à offrir un son clair et intelligible pour un maximum de spectateurs a été notre plus grand challenge, compte tenu des propriétés acoustiques du Palais Omnisport, notamment du temps de réverbération avoisinant les 4 secondes (sans audience) et de la grande quantité de surface spéculaire.
Les différentes technologies de haut-parleurs utilisées, incluant notamment des enceintes point source, ligne source, ou encore des caissons à pavillon hyperbolique replié ont rajouté une couche de complexité au processus de calibration globale, » évoque Marc Piera. « Nous avons donc principalement travaillé autour de la directivité des sources acoustiques, en optimisant leurs positions (en X,Y, Z) ainsi que leurs orientations (dans les axes horizontal et vertical) afin de minimiser les réflexions, » poursuit Marc Piera.

Le système de diffusion est articulé autour de deux ‘antennes’ principales, fonctionnant selon les principes de la WFS (Wave Field Synthesis).
La ligne supérieure, suspendue à une dizaine de mètres du sol, est composée de 8 clusters, chacun incluant 4 enceintes de technologie ligne source Amadeus DIVA XL, combinées à un renfort de grave Amadeus DIVA XL SUB.
La ligne inférieure, posée au sol, est composée de 13 clusters, chacun incluant 5 enceintes de technologie ligne source Amadeus DIVA XS, combinées à un renfort de grave DIVA XS SUB.

Le système de surround latéral est constitué de 4 clusters (deux par côté), chacun incluant 4 enceintes de technologie ligne source Amadeus DIVA XL, combinées à un renfort de grave Amadeus DIVA XL SUB. Un ensemble de diffusion zénithal composé de 32 enceintes point source Amadeus UDX 15 complète le dispositif.

La plage fréquentielle destinée au LFE (Low Frequency Effects) est assurée par 12 caissons sur-mesure, développés spécifiquement pour le Palais National Omnisports de Pékin et baptisés MAESTRO II. Ils intègrent deux transducteurs de 15 pouces à grande excursion, montés en configuration push-pull.

Le système MAESTRO II a été développé en vue de favoriser un niveau de pression maximum de 147 dB principalement en dessous de 50 Hz, tout en acceptant une ‘faible’ puissance admissible de ‘seulement’ 2000 W/4Ω AES.
Sa sensibilité de 112 dB est notamment permise grâce au gain exceptionnel induit par son pavillon hyperbolique replié de près de 3.5 mètres. Au sein du Palais National Omnisports de Pékin, seulement 12 MAESTRO II sont utilisés, chacun étant amplifié au moyen de canaux de Lab Gruppen C88:4 utilisés en Bridge Mode, développant ainsi 4600W/4Ω.

Les neuf dinosaures reproduits à leur taille réelle représentent différentes espèces et notamment des Brachiosaures, Tyrannosaures Rex, Tricératops, Quetzalcoatlus et Deinosuchus. Plus de trois années ont été nécessaires à leur conception, dans un chantier naval spécialement équipé pour accueillir et manipuler de tels monstres mécaniques de plusieurs dizaines de tonnes. Le Brachiosaure mesure plus de 13 mètres de hauteur, par exemple.. Les équipes de conception ont intégré des ingénieurs allemands, grecs et chinois.

Le spectacle ‘The Long Gone Dinosaur’ a été produit par Mr. HE LiDe et son épouse, Mme HE Qin Xiaomei, renommés en Chine pour la création des spectacles ‘Impression Liu Sanjie’ et ‘Shaolin Temple Kung Fu’ qui ont tourné dans le monde entier durant plus de 10 ans. « Cette dernière création est très importante en Chine. Notre gouvernement stimule l’industrie culturelle en soutenant des créations originales telles que celle-ci », précise M. HE LiDe.
« De nombreuses compagnies privées investissent également massivement dans l’industrie culturelle. Il y a quelques décennies à peine, il était difficile de voir un film en Chine. Cela est désormais une chose facile et les opportunités de divertissements sont de plus en plus nombreuses.
Le spectacle The Long Gone Dinosaur met l’accent sur la création et l’innovation, en utilisant des technologies de pointe, développées par des fabricants issus du monde entier avec lesquels nous avons eu plaisir à travailler, tout comme Amadeus en France. Nous avons accompli de grandes choses en travaillant tous ensemble, », ajoute M. HE LiDe.

Amadeus a également travaillé en étroite collaboration avec leur distributeur local, la société Guangzhou SignKing ET Co., Ltd. « Le projet a déjà battu huit records au sein du Guinness des records, » précise Wymen Wong, Directeur Exécutif de la société Guangzhou SignKing ET Co., Ltd.

Dans le prolongement de la venue de Marc Piera et de Jean-Marc Harel ; Thierry Coduys, Guillaume Jacquemin, Johan Lescure et Clément Vallon se sont rendus à plusieurs reprises en Chine, afin de concevoir le design sonore conformément aux exigences du scénographe et du producteur, ainsi que pour mixer et spatialiser les différents matériaux sonores. La ‘bande originale’ de ce spectacle associe de la musique classique à des centaines d’effets sonores et notamment de pluies, de tonnerres, de vents, de tempêtes, de météorites, de vagues…

« Dès le début du projet, nous avons pris le parti de travailler avec nos propres matériaux sonores, basés sur des enregistrements originaux, que nous avons par la suite améliorés grâce à différents outils de synthèse modulaires. Quelques matériaux ont même été enregistrés au moyen de techniques d’enregistrement ambisoniques, nativement compatibles avec le système HOLOPHONIX, » précise Thierry Coduys.

Nous avons par la suite utilisé le processeur HOLOPHONIX afin de mixer et de réverbérer ces matériaux sonores, au moyen de plusieurs algorithmes de spatialisation embarqués et notamment Higher-Order Ambisonics (2D, 3D) Vector-Base Intensity Panning (2D, 3D), Vector-Base Amplitude Panning (2D, 3D), Wave Field Synthesis, Angular 2D et k-Nearest Neighbor, » précise Thierry Coduys.
« Le séquenceur graphique IanniX nous a également permis de concevoir un grand nombre de trajectoires spatiales dans un univers tridimensionnel, synchronisées avec la vidéo, la lumière et le son selon différents langages dont OSC, Syphon, ArtNet… La création électroacoustique dans son ensemble a été ainsi encodée via HOLOPHONIX puis ‘couchée’ sur un lecteur/enregistreur numérique multipistes, » conclut Thierry Coduys.

Les équipements installés au sein du Palais National Omnisports de Pékin

Enceintes :
Amadeus DIVA XL: 48 unités
Amadeus DIVA SUB: 12 unités

Amadeus DIVA XS: 65 unités
Amadeus DIVA XS SUB: 13 unités

Amadeus UDX 15: 32 unités
Amadeus MAESTRO II: 12 unités

Amplificateurs :
Lab Gruppen FP10000Q: 18 unités
Lab Gruppen C68:4: 8 unités
Lab Gruppen FP14000: 12 unités

Speaker Management :
Sonic Emotion WAVE II: 1 unité

Spatialisation :
Amadeus’ HOLOPHONIX avec algorithmes IRCAM STMS Lab embarqués
Séquenceur graphique IanniX

Plus d’infos sur le site Long Gone Dinosaurs Show in Beijing et sur le site Amadeus Audio

Claypaky, HY B-Eye 15 et K25, les successeurs tant attendus des B-Eye

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7 juin 2019

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Seule marque latine du quatuor doré des années 2000, Claypaky fait partie de ces fabricants cultes de projecteurs, comme Martin, Vari-Lite et High End.
Emmené par la vision de son fondateur, Pasquale Quadri, soutenu par le charisme de son directeur Pio Nahum, Claypaky a traversé depuis deux décennies d’intenses changements sans faiblir.

Claypaky PLS19 — Toutes les nouveautés Claypaky dévoilées au Prolight+Sound.

La rentrée des Transalpins, devenus allemands après leur rachat par Osram à la mort de Pasquale Quadri, était cependant cruciale. Le succès des Sharpy en 2010, puis des B-Eye trois ans après s’est lentement estompé, malgré de passionnantes machines comme l’Unico ou l’Axcor 900.
Alors que toute notre industrie semble être sortie de sa récession mondiale, Claypaky tue le suspens dans l’œuf avec le révolutionnaire Xtylos (déjà chroniqué ici), une gamme Axcor qui prend de l’ampleur et les HY B-Eye 15 et K25, successeurs tant attendus des B-Eye leurs lyres led vedettes.

HY B-Eye K25 et K15

Partiellement dévoilés lors du dernier Plasa, les HY B-Eye K25 et K15 succèdent aux incontournables B-Eye K20 et K10 en multipliant par deux leur puissance. Semblables à leurs aînés avec toujours cette boîte à bonbons qui orne leur large figure, une lyre et un socle inspirés de la série Axcor, leurs matrices de 37 et 19 leds ont pourtant subi un changement radical.

Adieu la multipuce Osram 15 W RGBW, c’est une Stage II Osram Ostar de 40 W qui assure maintenant la luminosité. Drivées à 30 watts pour assurer une uniformité absolue de plusieurs HY B-Eye dans le temps, la lumière émise par les puces est canalisée jusqu’au cœur même des lentilles.
Ce procédé sur mesure permet d’obtenir un flux homogène au rendement maximal, qui tire de la consommation des deux modèles -1100 VA et 600 VA pour les K25 et K15 un flux phénoménal.
La précision des couleurs gagne aussi plusieurs crans, avec une meilleure distribution RGBW, un canal dédié pour contrôler la température de couleur, une balance des blancs de 2500 à 8000K et des simulations de sources diverses dont les fameuses lampes halogènes.

Si le reste des fonctions est identique aux Aleda B-Eye, mappage DMX inclus, de nombreuses améliorations sont apportées pour parfaire leur utilisation. Ainsi le zoom mécanique, dont la large plage d’utilisation de 4 à 60° pouvait coincer sous certaines conditions, s’améliore avec une rétractation automatique par la batterie lors de la coupure électrique de la machine.

Dans la même logique, la rotation bidirectionnelle de la face avant s’effectue maintenant sans devoir serrer le zoom au préalable, et s’avère plus solide et silencieuse qu’auparavant. Pour clôturer le tout, l’intégration du protocole Kling-Net, qui revient lui aussi beaucoup à la mode, simplifiera considérablement les mélanges de vidéo et lumière au sein du mapping de leds.
Les premières livraisons des HY B-Eye K25 et K15, avec une centaine de pièces en cours, laissent présager un succès aussi grand que celui des K20 et K10.

Axcor Wash 600

Construit sur la base de l’Axcor Profile 600 auquel il s’associe, ce wash se distingue par sa large optique de 200 mm, son amplitude de zoom 5° – 55°, un module de 4 couteaux et sa très complète gestion des couleurs.

Disponible en deux variantes de moteur led, l’Axcor Wash peut être choisi suivant les besoins de chacun. En version standard, les 500 W de leds blanches procurent un flux de 28 000 lumens à 6500K, avec un IRC limité à 70. Le modèle HC monte son IRC à 90 et descend à 21 000 lumens calibrés à 5600K.
Dans les deux cas, un choix de l’optique de sortie est aussi possible, soit en lentille claire, en peebles (PC) voir encore en Fresnel, ce qui changera forcément un peu l’amplitude de zoom et le flux lumineux. Ces différentes lentilles sont interchangeables et peuvent être achetées en option.
Pas d’effets optiques particuliers pour cet asservi dont l’aspect wash est particulièrement soigné, mais Claypaky propose une judicieuse trichromie CMY, un correcteur linéaire de CTO et deux roues de couleurs, dont l’une avec un filtre IRC.

Mini-B

Certains d’entre vous se souviennent peut-être du K5, ce petit frère un peu délaissé de la série Aleda . Il revient aujourd’hui sous les traits du Mini-B, un concentré d’énergie dans un corps riquiqui.
7 kg, une trentaine de centimètres, plus rapide qu’un Sharpy, un prix au raz du plancher mais pourtant 240 W de leds RGBW de haute volée, le Mini-B risque fort de se glisser partout.

Composé d’une couronne extérieure de 6 leds et d’un point central, le Mini-B ne se prête évidemment pas à des mouvements kaléidoscopiques ni de vortex. Pourtant son zoom de 4° à 55° permet de passer en un clin d’œil d’un Beam nerveux à un Wash efficace aux couleurs choisies.

Les deux zones de leds peuvent se gérer indépendamment depuis la console ou grâce aux macros internes pour offrir des effets graphiques supplémentaires. Plus petit asservi à led jamais produit par Claypaky, le Mini-B sera bientôt disponible en France.

CloudIO

Outil de diagnostic et de test à l’usage des techniciens de maintenance, le CloudIO permet d’automatiser un certain nombre de tâches complexes. Utilisable avec la majorité des projecteurs Claypaky, cette interface est équipée d’un écran tactile et de quatre encodeurs pour les manipulations, ainsi que de ports DMX, ethernet, USB et connexion sans-fil.

Rapidement, les données des projecteurs sont analysées, classées et triées. Les mises à jour sont disponibles immédiatement, ainsi qu’une assistance en ligne auprès de Claypaky si besoin.
Les informations collectées permettent d’assurer le suivi de chaque machine, d’organiser sa maintenance et de vérifier l’état du projecteur, comme par exemple le nombre d’heures d’utilisation des lampes ou les problèmes rencontrés durant l’exploitation.
Le système multiplateforme CloudIO est amené à prendre de plus en plus d’importance avec l’ajout de fonctions avancées dans les prochains mois.

Plus d’infos sur le site Dimatec et sur le site Claypaky

Le Théâtre Cravey revisité par Concept Group

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6 juin 2019

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Située au pied de la dune du Pilat dans le bassin d’Arcachon, l’ancienne salle des fêtes de La Teste de Buch vient d’être transformée en une véritable salle de spectacle par Concept Group, et dispose désormais des dernières nouveautés son et lumière. Cette ville de bord de mer, 2ème plus gros bassin d’emploi de la Gironde, portait le projet de remettre la culture au centre de la cité.
La salle des fêtes Pierre Cravey qui avait été inaugurée en 1994 commençait à pâtir du poids des années. Le maire, très attaché au pôle culturel, voulait reprendre une longueur d’avance sur le bassin avec un lieu d’accueil digne de ce nom.

Théâtre Cravey Concept Group — Dans le hall d’entrée du Théâtre Cravey et de gauche à droite Baptiste Hazera le Directeur technique de Concept Group, Frédéric Nadeau le Régisseur général du Théâtre Cravey et Johann Dubuc, directeur associé de Concept Group en charge du Sud-Ouest

Si la salle des fêtes se limitait à une jauge de 700 personnes, les différentes configurations d’accueil du théâtre Cravey vont aujourd’hui de 480 places assises à 1 000 places debout. Quand le gradin ne se referme que partiellement, une configuration mixte de 500 places est proposée, comme lors du concert de Jeanne Added dans le cadre de l’édition 2019 du festival Les Musicales. La scène est quant à elle passée de 12 x 8 mètres à 21 x 10 mètres.
Concept Group avec ses 5 agences de Bordeaux, Toulouse, Marseille, Brignoles et Cannes est un prestataire reconnu dans le sud de la France. L’une de ses forces est d’être très ancré dans les territoires où il opère. « Grâce à leur qualité de conseil et un très bon positionnement sur les coefficients de location, Concept est devenu notre partenaire sur le marché locatif il y a 4 ans, explique Frédéric Nadeau, Régisseur Général du Théâtre Cravey ».
Le prestataire qui avait déjà transformé quelques années plus tôt l’ancienne mairie en médiathèque a ainsi bâti une véritable relation de confiance avec le service technique de la ville. L’agence bordelaise a remporté tous les lots techniques de l’appel d’offre, de la machinerie à la diffusion sonore, en passant par l’intercommunication, l’éclairage scénique et la vidéo.

Côté son, c’est un système ViRay de la marque CODA Audio qui a été installé avec 8 boîtes par côté accompagnées d’un renfort de grave SC2-F en haut de ligne. Au sol on retrouve 2 subs SCP placés sous la scène dans une réserve prévue à cet effet.

« Concept est arrivé avec une solution novatrice avec le ViRay. La volonté de moderniser la salle pour garder une longueur d’avance nous imposait de voir sur 10 ou 15 ans et pas de se contenter des quelques références actuelles parfois vieillissantes.
Pour nous CODA Audio est une solution d’avenir. Technologiquement c’est impeccable. Le son est très propre, notamment dans le bas, grâce au Sensor Control qui donne aux amplificateurs un retour d’information du débattement du haut-parleur, ce qui permet de corriger en temps réel leur distorsion naturelle. »
Frédéric ne partait pas à l’aveugle, car profitant d’avoir du CODA à disposition dans le parc de location de Concept Group, il a pu découvrir la marque lors d’un certain nombre d’évènements avant la réfection du lieu. Il faut dire que le prestataire a basculé en 2017 son parc sur la seule marque CODA Audio en deux ans.

« Lors de la première année c’est l’agence de Bordeaux qui a été pilote, détaille Johann Dubuc, directeur associé de Concept Group.
On avait des doutes et ça nous a permis de voir que ça ne posait aucun problème de proposer un système CODA Audio, aussi bien aux salles qu’aux productions d’évènements ou aux ingénieurs du son.
Une fois sur place, l’accueil du système est extrêmement positif. L’année suivante, tout le groupe a suivi. Leurs systèmes se déploient facilement, sonnent extrêmement bien et c’est une marque rentable car un peu mieux positionnée que d’autres au niveau du prix. »

Baptiste Hazera, Directeur Technique de Concept Group nous en dit plus sur les caractéristiques de la marque allemande : « On apprécie les systèmes CODA Audio d’abord pour la qualité acoustique. Ils fabriquent eux même transducteurs et ébénisteries. Pour nous, leurs enceintes se résument en trois mots : précision, définition, couleur. Mais jusqu’à présent la partie logicielle était un peu à la traîne. On attendait la V2 depuis longtemps et on n’est pas déçu. Ils ont tout revu et on sent que cela a été pensé pour les utilisateurs avec un énorme bond en avant d’un point de vue ergonomique. »

Baptiste qui a accompagné la mise en place technique et le calage du système, est également heureux d’avoir pu travailler en amont du projet avec les architectes, pour s’assurer d’avoir les points d’accroche aux endroits optimaux. L’acoustique de la salle a également été revue lors des travaux et le résultat est au rendez-vous.
La puissance ressentie est là mais jamais dérangeante, on communique facilement avec son voisin tout en ressentant parfaitement les vibrations rock-électro de Jeanne Added, victoire de la musique 2019. « Dès qu’on a entendu le système calé par Baptiste, on a su qu’on avait fait le bon choix, conclut Frédéric. »

Côté lumière, si la salle a conservé la grosse centaine de projecteurs de son parc précédent, celui-ci a vu entrer de nouvelles références, pour encore mieux accueillir les artistes avec 6 MegaPointe et 10 LEDBeam 150 de Robe. « Nous voulions des produits sûrs et demandés sur les fiches techniques, explique Frédéric. Avec Robe, nous n’avons pas pris de risque. »

Parmi les nouveautés citons aussi du Chauvet avec 10 PAR à LED de la série Colorado et 10 découpes LED Ovation E-930VW. « Pour les découpes je partais sur du trad’ et c’est Stéphane Pouydesseau le chargé d’affaires de Concept qui a suivi le projet, qui m’a parlé de la nouvelle règlementation européenne à venir sur les ampoules à filaments, et du coup j’ai opté pour de la LED, encore une fois pour penser à demain. L’Ovation 930 m’a bluffé. Il est de très bonne qualité, il ouvre super bien, il est très fluide au niveau du zoom et on a du choix dans les températures de couleur. »

Avantage d’avoir le même prestataire pour la location : la cohérence des parcs. Ainsi, Concept Group a également assuré un complément son et lumière pendant le festival Les Musicales avec quelques enceintes APS de chez CODA Audio, 14 Spiider, 18 BMFL et 2 MegaPointe supplémentaires.

Question consoles une Yamaha CL5 a été choisie pour le son et une GrandMa3 Light pour la lumière. « On a opté pour des standards ce qui est logique dans un lieu d’accueil. Nous avons également ajouté une Yamaha TF1 en fixe dans la régie pour l’accueil de petits évènements comme des conférences ou des spectacles de danse. Ça nous évite de sortir la CL5 pour deux micros. Côté lumière, j’ai également conservé le Congo Kid de chez ETC et le Cantor de chez ADB, qui équipaient la salle auparavant. »

Frédéric et son équipe de 4 permanents sont donc comblés par leur nouvel outil de travail. Si comme souvent la livraison du bâtiment a souffert de quelques délais, la mise en place technique de la salle s’est faite sans embûche. « Avec Concept, on travaille en confiance. Je connais Johann depuis de nombreuses années et j’ai découvert son équipe en travaillant avec eux sur la location. On est très heureux de leur suivi et de savoir qu’on peut toujours compter sur eux. »

D’autres informations sur le site Concept Group et sur le site Coda Audio et sur le site Robe

Robert Juliat poursuit sur sa lancée

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5 juin 2019

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Robert Juliat PLS 19 — le stand Robert Juliat au Prolight+Sound est toujours un concentré de technologie et de bonne humeur.

PL+S 2019. Le système de tracking SpotMe, qui permet de récupérer le suivi manuel d’un opérateur de poursuite pour diriger d’autres asservis, utilise le protocole PosiStageNet qui permet de transmettre les coordonnées X, Y, Z de tous objets ou faisceaux dans l’espace.

SpotMe et Maestro

Le système de tracking SpotMe, qui permet de récupérer le suivi manuel d’un opérateur de poursuite pour diriger d’autres asservis, utilise le protocole PosiStageNet. Ce protocole permet de transmettre les coordonnées X, Y, Z de tous objets ou faisceaux dans l’espace.

Celui-ci est pour l’instant intégré exclusivement dans les consoles GdMA2. Si le duo SpotMe et GdMA2 permet de profiter au maximum des performances de reconnaissance et gestion du tracking, pour mélanger au gré des envies les commandes provenant de la console et les paramètres récupérés auprès de la poursuite, ce n’est pas le cas pour le moment avec d’autres fabricants de pupitre lumière.

L’idée de Robert Juliat est d’assurer l’utilisation de leur système SpotMe avec tout type de console grâce à un serveur dédié, le Maestro, développé en partenariat avec les spécialistes du Tracking et des poursuites automatisées depuis 10 ans, ZacTrack.
Ces derniers ont acquis suffisamment d’expérience pour proposer des bases à capteurs optiques de calibration, capables de piloter des asservis et de refaire tous les presets de positions en un clin d’œil.

La console, même le plus simple des pupitres DMX, garde le contrôle en Pan-Tilt et bénéficie de canaux DMX supplémentaires pour moduler les paramètres de Tracking gérés par le serveur Maestro. Ainsi il sera possible de créer des offset de déplacements pour les asservis, de délimiter des zones d’éclairage à l’intérieur de la scène ou encore d’associer des valeurs de zoom suivant l’éloignement de la cible visée par la poursuite.

Pour les utilisateurs tiers, en particulier dans les théâtres et opéra, le Maestro est une solution plus légère qui se place sur le réseau en parallèle d’autre console pour assurer à leur place le positionnement en temps réel des projecteurs et le tracking en 3D.
Le Maestro est une unité Hardware accompagné d’une application sur tablette, bientôt complétée par l’ajout d’un écran pour le paramétrage local et d’une interface Web Serveur pour gérer toutes les options.

Dans le détail de fonctionnement, il conviendra bien sûr de patcher les projecteurs aussi dans le Maestro, mais leur calibration dans l’espace 3D sera assurée par le système SpotMe grâce à ses 4 points de référence.
Pour s’intégrer aux régies lumière existantes, le Maestro possède un mélangeur intégré progressif de valeurs DMX qui fonctionne beaucoup plus finement qu’un simple mergeur HTP ou LTP.

Le serveur Maestro est dédié exclusivement à un seul système SpotMe, mais est capable de piloter un nombre illimité de projecteurs asservis. Toujours en développement pour proposer l’interface la plus fiable et simple possible pour les utilisateurs, le Maestro sera présenté officiellement à l’automne par Robert Juliat.

Dalis 864S Footlight

Le Dalis 864S est la déclinaison en barre de 50 cm du fameux bain de pieds asymétrique inventé par Robert Juliat pour éclairer un artiste depuis le sol sans ombres ni déformations.
Toujours reconnaissable à sa discrétion, la connectique et le menu, toujours invisibles aux yeux du public, ainsi qu’à sa fameuse double rangée de 24 lentilles micro-asymétrique, le Dalis 684S est pourvu de 75 W de leds rouges, vertes, bleues royales et blanches à 2200K.

Comme tous les Dalis, son refroidissement s’effectue sans ventilation pour ne générer aucun bruit, il est flicker-free et se contrôle en DMX, RDM, Art-Net et sACN.

P2FU

Le P2FU est une plateforme modulaire de commande déportée pour les poursuites Alice et Oz, qui se connecte en USB. Comme son nom complet l’indique, le module Potentiomètre 2 Fonctions USB possède deux potentiomètres paramétrables à volonté. Il s’accompagne aussi de deux boutons et d’un écran aux multiples informations.

Pouvant s’adapter en version de luminosité jour ou nuit, il permet d’assigner différentes fonctions, avec des seuils haut et bas, et peut agir sur l’intensité, les temps d’inertie ainsi que d’autres fonctions dans le futur.
Pour s’adapter aux différents utilisateurs, plusieurs profils sont possibles, avec la possibilité de créer les siens. À tout moment l’écran affiche les valeurs de dimmer et le type de contrôle, local, DMX ou déporté.

Plus d’infos sur le site Robert Juliat

MoonLite, Small is beautiful avec LumenRadio

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admin

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4 juin 2019

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Habitués au DMX sans-fil, surtout en évènementiel ou en tournage, vous êtes nombreux à ne jurer que par LumenRadio. Ces boîtiers typiques, d’un noir de jais, sont prolongés d’une antenne reprenant les codes de leur carapace industrielle.
Les transmetteurs Tx opèrent avec les modules CRMX insérés directement dans les projecteurs de certains fabricants, tels Arri, Robe ou Ayrton entre autres, mais aussi avec les récepteurs Rx. Les plus récentes évolutions, comme les Nova FleX, savent changer de mode, tour à tour émetteur ou récepteur, et comprendre les protocoles DMX-Ethernet.

LumenRadio MoonLite — Le MoonLite, en taille réel, tient dans la paume d’une main. Il supporte les protocoles USITT DMX512 et Bluetooth 5.0 et RF de 2402 à 2480 MHz.

A partir du mois de mai, un nouveau module fait son apparition. Plus petit, moins onéreux et compatible Bluetooth, le TimoTwo annonce la prochaine étape de la transmission DMX sans-fil HF. Intégré dans une merveille de miniaturisation, le MoonLite se propose comme un transmetteur/récepteur avec batterie intégrée et configuration en Bluetooth depuis l’application gratuite CRMX Toolbox.

Avec votre portable iPhone ou Androïd, une nouvelle ère s’offre à vous, plus simple, plus rapide et surtout plus précise. Dans un rayon de dix à quinze mètres, l’application détecte en Bluetooth tous les MoonLite allumés, les affiche sur votre écran en les classant par leur force de signal et permet de les identifier un par un. Une fois repérés. Il suffit de les connecter pour lire leurs informations et éventuellement changer des paramètres.

Parmi ses derniers, outre le nom, figure le mode sans-fil du MoonLite (transmetteur ou récepteur) et l’identifiant de l’univers DMX utilisé.
Avec un simple code couleur, visible sur tous les voyants, il devient clair de voir quel émetteur communique avec quels récepteurs, et sur quel canal. Surtout, plus besoin d’appairage fastidieux entre émetteur et récepteur, les reconfigurations prendront à peine quelques secondes.
D’autres réglages permettent de changer le niveau d’émission de 0 à 100 mW, 40 mW étant le niveau typique d’utilisation pour 150 mètres de portée en champs libre. Au niveau maximum, la batterie s’usera plus vite mais la distance d’émission avoisinera les 300 mètres.

Le MoonLite peut être alimenté directement par son port USB micro-B, depuis par exemple un Skypanel, ou grâce à sa batterie interne. Celle-ci est capable d’assurer de 10 à 12 heures d’autonomie en mode réception, et de 8 à 10 heures pour les transmetteurs. Dernière option, chaque MoonLite peut être protégé avec un code PIN, afin d’éviter les mauvaises manipulations.

Avec son hardware, le jeune premier de LumenRadio respire la stabilité. Construit pour durer, il possède la même qualité de fabrication que les autres produits CRMX, dans un format réduit agrémenté de 2 connecteurs XLR souples, mâle et femelle 5 points, d’une accroche velcro et de divers voyants informatifs.
L’antenne est intégrée à l’enrobé de plastique noir, transpercé par l’unique bouton d’opération et les leds de statut de charge, d’émission et de mode. Encore plus stable avec sa technologie de détection des perturbations, le MoonLite sait aussi réduire son empreinte de radiofréquences grâce à sa transmission dynamique.

Dans un avenir proche, LumenRadio compte développer l’appli CRMX Toolbox pour transformer le MoonLite en boîte à outils multifonctions. Ainsi, grâce à une mise en jour via Bluetooth, micro-USB ou DMX, ce dernier sera compatible RDM, idéal pour paramétrer les projecteurs RDM à distance. Plus tard dans l’année, un menu DMX sera incorporé afin de tester directement son kit lumière depuis son smartphone.

En cours de production, une fois les certifications CE & FCC obtenues, il sera disponible très prochainement auprès d’ETC France à un prix situé sous la barre des 400 € HT.

Plus d’infos sur le site ETC France et sur le site Lumen Radio

Le cirque d’hiver un labo de création dans une salle à part

Des BMFL Blade en ajout pour s’approprier le kit du cirque d’hiver

Éclairer Matthieu

Conclusion

Les Plans

Les toiles de fond de scène, imprimées et repeintes

L’écriture lumière

Les effets d’éléments naturels

Un beau petit théâtre monté en seulement une heure et demie

Conclusion

Plan de feu 3D

La genèse

Promenons nous dans le bois, pendant qu’les dB sont là

A cour il se passe toujours quelque chose !

Antipasti de conclusion

TwinPlex ? Un peu d’histoire pour commencer.

TwinPlex

P1 Mini Led

Les équipements installés au sein du Palais National Omnisports de Pékin

HY B-Eye K25 et K15

Axcor Wash 600

Mini-B

CloudIO

SpotMe et Maestro

Dalis 864S Footlight

P2FU

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