Les projecteurs Ayrton Khamsin et Domino ont dominé dans le design conçu par Cory FitzGerald pour “Weekends with Adele”, le premier concert en résidence de la chanteuse britannique au Colosseum du Caesar’s Palace à Las Vegas.

Weekends with Adele, une série de cinq mois de concerts les vendredis et samedis soir, a débuté en novembre 2022 et s’est poursuivie jusqu’en mars 2023. Le concert a été unanimement salué par la critique pour sa scénographie, son élégance « à couper le souffle » et sa remarquable capacité à combiner le spectaculaire et l’intime.

M. FitzGerald avait déjà travaillé avec Adele lors de sa participation au British Summer Time à Hyde Park, à Londres, en juillet dernier. Lorsqu’il est arrivé à Las Vegas pour la résidence de l’artiste, il savait « que ce serait un spectacle très théâtral.
Il allait prendre de l’ampleur physiquement et en intensité, en commençant par un petit concept et en se développant pour remplir la scène avec un orchestre complet, des décors, des éléments mobiles et des projections. L’éclairage devait assurer en complément une signature de théâtre et d’ambiance de concert. »

FitzGerald a monté 192 lyres profile à source led Khamsin sur échelles mobiles et indépendantes des trois couches de projection du show, ainsi que sur les 3 ponts supérieurs et deux structures fixes de la salle. « La lumière de ce show était assurée essentiellement par les khamsin. Ils étaient partout explique-t-il.
« Pour les avoir déjà utilisés, je savais qu’ils étaient très lumineux et percutants, et qu’ils offraient de nombreuses options. Je voulais une uniformité dans le kit – les mêmes lumières à différents endroits pour des visuels plus propres – mais cela signifiait que les appareils devaient être polyvalents ».

Il explique qu’il voulait « beaucoup de flexibilité dans la position ses projecteurs » au fur et à mesure que le spectacle évoluait et qu’Adele décidait du meilleur endroit pour interpréter chaque chanson. « Nous avons pu nous déplacer et nous adapter aux changements grâce à l’uniformité de l’équipement ».

Khamsins était le choix idéal pour assurer la cohérence et la polyvalence de l’ensemble du concert. « Les Khamsins pouvaient tout faire : des effets de beams très serrés, des washs d’animation larges, du cadrage, des washs de gobos, du strobe, des colour bumps « , explique FitzGerald.
« Nous les avons même utilisés pour la face en raison de leur température de couleur réglable. Il y a beaucoup de gradations dans le spectacle, les lumières s’allumant lentement pour créer l’ambiance et la sensation d’intimité. Les Khamsins étaient également parfaits pour ce genre de subtilité ».
D’autre part, « la salle ayant un proscenium de 37 m de large, nous devions parfois tirer une lumière d’un côté à l’autre ou éclairer des accessoires, et Khamsin l’a très bien fait également », ajoute-t-il.

FitzGerald a également opté pour 25 lyres profile Domino, qui ont été répartis uniformément au sol afin de créer un horizon de lumière dans le show. C’est la société londonienne Neg Earth Lights qui a fourni l’équipement.
« A certains moments du concert, il n’y avait qu’Adele et un piano sur scène, des moments calmes, simples et magnifiquement intimes ; et parfois, il y avait d’immenses titres de groupes sur scène avec des effets complexes de flammes et d’eau. Le spectacle passait de ballades à un concert de rock, tout en utilisant des projections et écrans LED.
La gestion de l’exposition et de l’image globale de la scène pour les caméras, les smartphones et l’œil humain était un défi que ces projecteurs ont parfaitement relevé », explique FitzGerald. « Cela a démontré la polyvalence des éclairages. »

Pour FitzGerald, l’éclairage de Weekends with Adele consistait à « donner à Adele les moments qu’elle souhaitait pour chaque chanson ». La polyvalence du kit a permis de donner l’impression d’un spectacle intime à certains moments ou d’un spectacle très théâtral à d’autres. Nous avons veillé à ce que son public se sente concerné par chacune de ses prestations ».

Cory FitzGerald est associé principal, concepteur lumière et producteur créatif chez Silent House Studios, Burbank, une agence de conception et de production primée dans le monde entier.

Plus d’informations sur le site Axente et sur le site Ayrton

Dans moins d’un mois, Prolight + Sound ouvrira ses portes à Francfort avec une offre complète en lumière, structure scénique et vidéo pour l’événementiel et le spectacle.
L’audio reprend des couleurs grâce à quelques marques leaders de la diffusion de concert et un programme de conférences bien adapté aux nouvelles tendances technologiques.

Pour la première fois depuis 2019, Prolight + Sound se déroulera sans restriction majeure de voyage à l’échelle mondiale. Par conséquent, les exposants du monde entier, y compris d’Asie, seront à nouveau représentés en grand nombre. Prolight + Sound sera donc un lieu de rencontre mondial pour les entreprises, les décideurs, les professionnels et pour les jeunes talents à l’aube d’une carrière dans l’industrie de l’événementiel et du spectacle.

Le salon offre un large éventail de produits et de thèmes, de l’éclairage et des lasers à la projection et aux LED, en passant par les systèmes de sonorisation et la technologie des studios, ainsi que les services événementiels. Dans le domaine du théâtre et de la technologie scénique en particulier, PL + S demeure le plus grand lieu de rencontres d’Europe.

Voici le programme de l’édition 2023 avec en intro un communiqué de Mira Wölfel : directrice de Prolight + Sound

Mira Wölfel : « Avec nos partenaires et toute l’équipe, nous avons travaillé sans relâche pour créer la plateforme dont l’industrie a besoin. Nous nous réjouissons des nombreuses premières au programme, des innovations des exposants et des rencontres intéressantes.
Je me réjouis tout particulièrement de célébrer l’avenir prospère du secteur de l’événementiel avec les exposants et les visiteurs lors de la réunion qui aura lieu le soir du premier jour du salon. »

Pour les professionnels de l’audio

L’éventail des formats de présentation et de programmes dans le secteur audio est plus vaste que jamais. Pour la première fois, le ProAudio College propose un programme de formation spécialisé pour les techniciens audio travaillant dans les segments live et studio.

Ce programme, qui se déroulera pendant les quatre jours du salon, est axé sur les systèmes sonores immersifs, la psycho acoustique, le son live dans des environnements difficiles et les productions home studio. Le programme a été élaboré en étroite collaboration avec l’Association des ingénieurs du son allemands (VDT) et se déroulera en partie en allemand et en partie en anglais.

Lancé avec succès l’année dernière, le Performance + Production Hub s’agrandit pour Prolight + Sound 2023.
En coopération avec les organisateurs du Sample Music Festival et des marques renommées, Messe Frankfurt crée une zone d’expérience élaborée autour d’outils sonores innovants dans le bâtiment « Portalhaus ».
Le programme comporte des ateliers quotidiens et des présentations sur le DJing, le remixage, la création de rythmes, l’enregistrement sur le terrain et le marquage sonore.

Le centre de performance et de production comprend également, pour la première fois, une scène d’action organisée par PRO MUSIK – Association des créateurs de musique indépendants. Les visiteurs auront l’occasion de participer à des discussions avec des musiciens professionnels, d’explorer des scénarios de carrière et d’assister à des spectacles, des interviews et des conférences.

Un autre point fort dans le domaine de l’audio est le Vintage Concert Audio Show dans le hall 11.0. Cette exposition comprend plus de 200 pièces d’exposition couvrant l’histoire des systèmes sonores des soixante dernières années et présente des discussions inédites avec des personnalités du secteur de l’audio.

Le rendez-vous des jeunes talents, futurs professionnels

Compte tenu du processus de changement démographique en cours, il incombe au secteur d’inspirer les jeunes talents à faire carrière dans le domaine de l’événementiel et du spectacle. Le Future Hub, dans le hall 11.0, rassemble des contenus particulièrement importants pour les nouveaux venus dans l’industrie et donne aux jeunes talents la possibilité de rencontrer des entreprises proposant des postes vacants ainsi que des instituts de formation dans le secteur de l’événementiel.
En outre, la journée des futurs talents revient à Prolight + Sound cette année, le vendredi 28 avril, avec une invitation à tous les stagiaires, étudiants et jeunes gens intéressés par l’industrie. Le programme comprend des conférences sur les scénarios de carrière dans le secteur de l’événementiel, des événements de mise en réseau avec les exposants, des visites des coulisses, etc.

Women in Lighting, les professionnelles du spectacle

En outre, Prolight + Sound met l’accent sur l’égalité des sexes dans le secteur de l’événementiel avec la présence de Women in Lighting Lounge dans le hall 12.0. Il s’agit d’un lieu de rencontre central pour les professionnelles, ainsi que pour les nouvelles venues intéressées. C’est aussi le lieu d’entretiens avec des personnalités inspirantes et une source d’information sur les options de carrière.
Organisées en coopération avec Light Collective, l’initiateur du projet « Women in Lighting » (WIL), des conférences et des discussions sur des sujets pertinents se tiendront sur la scène Theatre + Light pendant toute la durée du salon. Cette partie du programme est complétée par des rencontres quotidiennes avec les WIL sur le stand Ayrton.

Un secteur événementiel plus écologique

Prendre des mesures pour préserver les ressources naturelles n’est pas seulement une obligation sociale. Cette démarche peut également contribuer à rendre les événements plus efficaces d’un point de vue économique. C’est pourquoi des conférences et des tables rondes sur la durabilité dans le secteur de l’événementiel sont organisées dans le cadre des sessions vertes de l’EVVC pendant les quatre jours du salon.

Les principaux sujets abordés comprennent non seulement les étapes organisationnelles et technologiques vers des événements climatiquement neutres, mais aussi la durabilité sociale, la gestion des tournées respectueuses de l’environnement et la communication sur la durabilité.
Le discours principal des sessions vertes sera prononcé par l’anthropologue culturelle et sociale autrichienne Bettina Ludwig à 12 h 00 le 25 avril. Elle discutera des éléments qui relient les gens à travers toutes les frontières géographiques et culturelles, et en déduira des recommandations d’actions à prendre par l’industrie de l’événementiel.
En outre, les fournisseurs de solutions contribuant à un bilan CO2 plus positif sont signalés en conséquence dans le catalogue et le moteur de recherche des exposants.

Quatre jours de formation

Les experts du secteur sont prêts à transmettre leurs connaissances sur plusieurs scènes du salon Prolight + Sound. Sur la scène principale du hall 11.0, les représentants des associations professionnelles se concentrent sur les sujets les plus urgents et les plus importants pour l’ensemble du secteur. Dans le hall 12, la scène Théâtre + Lumière présente les nouvelles tendances technologiques en action.

En outre, le forum des fabricants permet aux exposants de présenter leurs solutions innovantes et leurs domaines d’application. L’International Event Safety Conference (I-ESC) fait également un retour bienvenu et se concentre sur la sécurité au travail, la protection contre les infections lors d’événements et les outils pour la mise en œuvre conforme à la réglementation d’un grand nombre de projets dans l’ère post-Covid.

Toutes les conférences, ateliers, vitrines et démonstrations de produits sont gratuits pour les détenteurs d’un billet Prolight + Sound valide, qui donne également accès au grand Get- together avec musique live et boissons la première soirée du salon, le 25 mars (à partir de 18 h 00).

Plus d’infos et demande de badge sur le site Prolight + Sound

Réseaux sociaux :

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L’équipe d’Eurosono a fait de l’élégance sa ligne directrice pour la mise en lumière d’un événement parrainé par la société financière Monego au réfectoire baroque du Musée des Beaux-Arts de Lyon.

« La demande du client était de mettre en valeur le lieu en créant une atmosphère chic et corporate », nous dit Alexandre Jeannerod, dirigeant d’Eurosono. « L’idée principale qui nous a guidés était de créer un tableau lumineux élégant ».

Pour répondre à ces objectifs, l’équipe lumière a pris le parti d’éclairer cette pièce spacieuse en utilisant une palette de couleurs dominée par diverses nuances de bleus et de blancs.

« Nous avons utilisé de la lumière bleue sur certains éléments inférieurs et du blanc/cyan pour les espaces supérieurs », explique Frédéric Fuentes, chargé de la prestation événementielle. « Et nous avons obtenu l’aura que nous recherchions ».

Le résultat est un espace raffiné où 12 projecteurs uplighting WELL Fit (RGBA) et six panneaux wash COLORado Panel Q40 (RGBW) CHAUVET Professional assurent la simplicité.
Ces projecteurs ont été positionnés de façon à illuminer la grande salle ornée d’œuvres d’art qui accueillait le dîner.

« Nous nous sommes appuyés sur les uplighting WELL Fit pour créer des faisceaux serrés qui habillaient la pièce », poursuit Frédéric, « alors que les wash COLORado Panel Q40 produisaient de très belles nappes de couleurs unies ».

« Tous les projecteurs étaient pilotés en DMX sans fil. C’est un paramètre indispensable dans ce type de lieu où la technique doit se faire la plus discrète possible » explique Alexandre Jeannerod. « On essaie de gommer la technique pour que le regard se concentre sur la beauté du lieu. »

Plus d’infos sur le site Chauvet France

Le ministère du Travail a publié un guide à destination des travailleurs du spectacle et du divertissement, en association avec les acteurs du secteur. Ce guide, à la fois pour les employeurs et pour les travailleurs, détaille de manière pédagogique les moyens à mettre en œuvre pour protéger la santé auditive de ces travailleurs, fortement exposés à des niveaux sonores élevés.

Serveurs, managers, agents de sécurité, techniciens, danseurs : les musiciens ne sont pas les seuls concernés par les risques professionnels liés au bruit dans le domaine du spectacle et du divertissement.
Tous sont susceptibles d’être exposés à des niveaux sonores élevés, liés notamment à la diffusion de sons amplifiés.
Près de 50 % des professionnels du secteur de la musique et du divertissement sont atteints de troubles auditifs

– Quels sont les risques pour l’audition et comment les prévenir ?
– Comment assurer le suivi individuel des travailleurs exposés à de forts niveaux sonores ?
– Comment concevoir et aménager les lieux de diffusion de musique pour prévenir les risques auditifs ?
– Comment optimiser la sonorisation des lieux de diffusion de musique amplifiée ? Quelles protections auditives individuelles ?

Ce guide permet de répondre à ces questions en abordant tant l’aspect réglementaire que les moyens pratiques à mettre en œuvre sur le terrain.

Il fait notamment l’inventaire des protecteurs individuels disponibles sur le marché : bouchons moulés sur mesure, casques à atténuation uniforme, casques anti-bruit communicants etc.
Il y a l’embarras du choix, encore faut-il adapter sa protection à son activité et à ses besoins.

Le Ministère, et plus particulièrement la Direction Générale du Travail, qui répond à une exigence européenne de 2003, a élaboré ce guide en partenariat avec Agi-son, le CidB, la CNAM Île-de- France, l’INRS et Thalie Santé.

Découvrez et téléchargez gratuitement le guide complet de 64 pages en cliquant ici

Présenté en mars 2021, il y a tout juste 2 ans, le Source Four LED Series 3 affiche un remarquable succès auprès des éclairagistes français : ETC France en a vendu plus de 2000 dans l’hexagone. L’autre bonne nouvelle, concerne les délais de livraison qui fondent comme neige au soleil.

Le Source Four, né en version halogène, est certainement le plus utilisé des projecteurs trad au monde, (il tire d’ailleurs son nom des 4 filaments qui équipaient la lampe 120 volts du modèle américain).
Une première version LED a vu le jour en 2012, suivie du Source Four LED Series 2 en 2014, avant de recevoir de nombreuses innovations en 2021 dans la dernière version Source Four LED Series 3. Ces évolutions visaient d’optimisation des performances énergétiques, de la qualité de lumière, et de la durée de vie du produit.

ETC déjà fier du succès de sa découpe LED depuis la toute première version, se félicite des excellents résultats de la Series 3 et le rythme des commandes ne faiblit pas. La filiale en a vendu exactement 2 156 à mi-mars, ce qui porte à 7 500 le nombre de Source Four LED livrés en France, toutes générations confondues.

Le succès de la dernière version est avant tout lié à l’intégration de la toute nouvelle dalle LED LustrX8 avec sa nouvelle 8e led Deep Red (Rouge Profond) qui contribue à l’élaboration d’un spectre lumineux plus riche, intense et profond, tellement identique à celui d’une source halogène qu’il est difficile de différencier les deux sources.

Grâce à la richesse de son spectre et la puissance des 90 leds spécifiquement réparties sur 8 couleurs, le Source Four Series 3 est parfait pour remplacer un projecteur traditionnel de 2 kW halogène et le seul à couvrir 94 % de l’espace colorimétrique Rec 2020, utilisé pour les captations en définition 4K. La R&D ETC a aussi fait un travail impressionnant sur les optiques et l’interface utilisateur de ce projecteur.

Les Opéras de Paris, Nancy, Versailles, le prestataire technique B-Live (pour le nouveau spectacle du Roi Lion au Théâtre Mogador) ont été parmi les premiers à investir dans le Source Four 3, mais aussi quantité d’autres lieux et événements comme le Festival d’Avignon.

« Nous sommes ravis de l’accueil du Source Four LED Series 3, commente Nicolas Da Canal, responsable des ventes pour la France. C’est la preuve que notre engagement en faveur de la qualité et de l’innovation est reconnu et apprécié.
Car si le projecteur existe en 2 types de dalles LED, nous constatons que 95 % des ventes se font avec la dalle LustrX8, ce qui prouve que la richesse du spectre est un critère important pour les professionnels de l’éclairage français.
Un grand nombre d’entre eux attendait d’avoir un projecteur LED capable de tenir la comparaison avec l’halogène pour commencer à équiper leurs lieux. »

Sur les 2156 projecteurs vendus, près de 2000 ont déjà été livrés. Car ETC, qui fabrique le projecteur aux États-Unis a été, comme tous les fabricants de la planète, victime de la crise mondiale des composants électroniques, avec la problématique de gérer un carnet de commandes en constante évolution.

« Nous sommes heureux de pouvoir offrir aujourd’hui aux clients français des délais de livraison plus courts pour ce produit, explique Nicolas Liabeuf, responsable du service Projets & Clients. Au plus fort de la crise, le délai de livraison est monté jusqu’à 9 mois, mais grâce au travail acharné de nos collègues à l’usine, nous livrons maintenant ce produit en moins de 2 mois sans que la demande ne faiblisse. L’usine tourne actuellement 7 jours sur 7. »

Cette amélioration des délais de livraison est le fruit d’un travail de fond du fabricant et ne concerne pas que le Source Four LED Series 3. Les ingénieurs ETC ont redéveloppé les cartes électroniques de produits existant, au total 40 projets, pour substituer aux composants en rupture de stock des composants de nouvelle génération bénéficiant de meilleurs circuits de distribution.

« Nous tenons à remercier nos clients pour leur patience et leur confiance et nous nous engageons à continuer à améliorer nos processus pour répondre toujours mieux à leurs besoins. Le but est de revenir à la position d’avant-crise, avec des stocks européens qui nous permettent de livrer en 24 heures. C’est maintenant le cas pour de nombreux produits comme nos projecteurs asservis Lonestar et SolaFrame Studio, maintenant disponibles en Europe en très grandes quantités. »

Pour en savoir plus sur le Source Four LED Series 3 et demander une démo, rendez-vous sur le site etcconnect

Voici une bien belle initiative, celle de partager le savoir-faire d’un des ingénieurs du son les plus populaires de la scène francophone actuelle. Lionel Capouillez mixe Stromae, Maître Gims, Bigflo et Oli, Boulevard des Airs et plein d’autres.
Sa signature sonore est indéniablement liée aux productions musicales les plus écoutées de ces dernières années.

Dans un cours vidéo fait en collaboration avec l’Académie du Gros Son, Lionel dévoile ses techniques et ses méthodes en expliquant le mixage du titre « L’enfer » de Stromae.

Suivent 2 autres modules dont l’étude d’un autre mix de l’artiste Manuel Bly et le détail des 10 points les importants qui font le style de Lionel.
Tous les thèmes sont abordés concernant les instruments et les voix, leurs traitements et les effets, ainsi que les méthodes d’organisation de travail, d’écoute et de comparaison de mixage.

L’Académie du Gros Son, fondée par Gérald Jans et André Six, aide la communauté francophone à perfectionner l’art de l’enregistrement et de la production musicale.
À travers des vidéos et des cours, l’AGS parcourt toutes les questions techniques et musicales que les créateurs peuvent se poser quand il s’agit de produire leur propre musique. On y parle enregistrement, mixage, arrangements, branchements, matériel, concepts, instruments et tout plein d’autres choses, dans la bonne humeur et sans jugement !

Le cours sera disponible à partir du 28 mars 2023 avec une campagne de promotion active jusqu’au 17 avril.

Retrouvez tous les détails sur www.academiedugrosson.com/lionel

Des réunions d’harmonisation se tiennent avec les organismes de régulation, des démonstrations sont organisées en présence de décideurs de premier plan et de grands utilisateurs de technologies sans fil, c’est à se demander si une technologie audio sans fil d’un nouveau genre ne va pas poindre à l’horizon ? La rumeur va bon train.
C’est pourquoi quatre experts Sennheiser ont tenu à nous en dire plus sur cette nouvelle technologie, ses bienfaits et son impact sur le marché du sans fil.

Il s’agit du Dr Andreas Wilzeck (responsable des polices et standards du spectre), de Martin Brandenburg (le chef de projet), ainsi que du Dr Sebastian Georgi et de Jan Watermann, les deux ingénieurs en R&D à qui l’on doit l’invention du concept Wireless Multi-Channel Audio Systems (WMAS).

Messieurs, vous travaillez sur une nouvelle technologie appelée WMAS pour Wireless Multi-Channel Audio Systems. Que pouvez-vous nous en dire ? À qui s’adresse-t-elle ?

Sebastian : « Cette technologie répond à la volonté de repenser les transmissions sans fil multicanales, comme dans les lieux d’accueil du public pour de grands événements, les salles de spectacle ou encore les studios de production, partout où de multiples canaux audio doivent coexister.
Le concept WMAS de Sennheiser est essentiellement celui d’une technologie bidirectionnelle, large bande et sans fil, où les microphones, les intra-auriculaires et les commandes à distance partagent un seul canal RF large bande.

Quand nous avons commencé à travailler sur ce projet, notre première intention était de lutter contre l’atténuation de puissance des signaux RF, que l’on appelle fading, qui induit une déperdition du signal sur scène. Ce sont ces pertes de signal qui rendent le travail de l’ingénieur du son si difficile. Nous cherchions le moyen de mieux exploiter la diversité offerte par le canal RF large bande pour éliminer les risques de perte de signal.

Nous voulions également simplifier les efforts de configuration pour l’utilisateur, sachant que l’agencement sur scène des systèmes sans fil à bande étroite oblige à des réglages complexes, surtout dans le cas d’applications multicanales.
Enfin, nous tenions aussi à optimiser les fréquences disponibles, dont la rareté est de plus en plus problématique pour les ingénieurs du son. »

En quoi cette approche large bande se distingue-t-elle des actuels systèmes de micros sans fil ?

Jan : « La technologie audio sans fil utilise actuellement des solutions RF à bande étroite, avec un émetteur qui envoie des signaux à un récepteur. Malheureusement, l’émetteur ne peut pas savoir si « son » récepteur est ou non sous tension, ni même s’il est hors de portée. Une fois configuré, chaque microphone se bat tout seul en quelque sorte.
À l’inverse, la technologie sans fil haut débit procède d’une approche systémique, de coopération pourrait-on dire. Plusieurs appareils mobiles se connectent par les ondes à une unité en rack. Tout transite par un seul canal RF avec une largeur de bande de 6 ou 8 MHz, celle d’une chaîne TV.
L’ingénieur du son choisit une fréquence porteuse pour le canal RF large bande qu’il veut configurer et le système se coordonne lui-même, en tenant compte des critères de qualité et de portée appliqués par l’ingénieur à chaque appareil audio.

D’accord, c’est intéressant. Mais comme la solution occupe un spectre RF équivalent à celui d’une chaîne TV, soit 6 ou 8 MHz selon la position géographique dans le monde, l’économie de fréquences est-elle réelle ?

Martin : « Oui, c’est bien le cas. Rappelez-vous que le concept WMAS s’adresse aux applications audio multicanales avec une seule interface radio pour les microphones sans fil, les moniteurs in-ear, les commandes à distance et d’autres applications audio. L’utilisation du spectre est bien plus efficace, par la technologie elle-même, mais aussi par les améliorations de workflow. Ces gains peuvent se reporter sur la flexibilité et la qualité audio.

Les écouteurs IEM et les microphones, traditionnellement séparés, dans des plages RF avec plusieurs MHz d’écart, peuvent désormais être réunis dans un seul canal TV, ce qui facilite grandement la planification de fréquences. Mais dans tous les cas, l’on continuera d’utiliser les micros numériques sans fil, à bande étroite, 200 kHz, chaque fois que cette approche intégrative n’est pas recommandée ou en présence d’un petit nombre de micros.

Ensuite, il faut savoir que la puissance de transmission totale de notre système sera de 50 mW par canal RF large bande, soit la puissance de transmission d’un seul micro aujourd’hui. Dans la limite de capacité du système, il ne sera plus nécessaire d’adapter la puissance de transmission totale en fonction du nombre d’appareils en présence.

De plus, comme la puissance de transmission est distribuée dans tout le canal RF à large bande, la densité de puissance spectrale est inférieure d’un facteur 30 (6 MHz) ou 40 (8 MHz) à celle d’un seul micro sans fil avec une largeur de bande de 200 kHz. Cette faible densité de puissance spectrale facilite la réutilisation d’un même canal RF, par plusieurs prestataires techniques ou lors d’un grand festival avec plusieurs scènes.

Enfin, notre approche permet de contrôler l’ensemble des équipements à tout moment et d’allouer à chacun les bonnes ressources au bon moment.
Des économies de spectre sont possibles avec un nouveau workflow où l’ingénieur du son programme les ressources chronologiquement.
Comme jusqu’ici tous les appareils émettent systématiquement en haute qualité, ce nouveau workflow promet un fort gain d’efficacité spectrale lors de grands événements.

Globalement, la solution Sennheiser permettra aux clients de réduire fortement leur empreinte spectrale avec en plus des gains sans précédent d’intégration, de qualité audio, de faible latence, de contrôle et de flexibilité. »

Andreas : « L’on ne cesse d’organiser des grands voire méga événements toujours plus complexes, ce qui crée une forte demande de spectre radio. Et ce ne sont pas que des statistiques : les organisateurs et les techniciens s’arrachent littéralement les cheveux à trouver un spectre suffisant pour ces grandes manifestations, surtout en extérieur. La solution WMAS va grandement les aider, c’est certain. »

Vous nous avez indiqué que les actuels microphones à bande étroite ont une largeur de bande RF maximale de 200 kHz. Il faudrait que les organes de régulation, partout dans le monde, acceptent de lever cette limitation pour votre microphone à large bande. Est-ce le cas ?

Andreas : « La norme harmonisée EN 300 422-1 pour les microphones sans fil a été amendée en 2017 pour tenir compte des systèmes audio sans fil multicanaux WMAS. Partout dans le monde ou presque, les réglementations nationales font référence à cette norme EN 300 422-1 pour la commercialisation de microphones sans fil.

Nous avons initié les évolutions de la législation il y a déjà quelques années, si bien que de nouvelles réglementations sont déjà en vigueur dans de nombreux pays des régions EMEA et APAC. La procédure est toujours en cours aux États-Unis mais nous avons toute confiance que les systèmes WMAS pourront bientôt y être utilisés également.
Et à mesure que cette technologie révolutionnaire sera rendue accessible, aucun pays ne voudra rester à la traîne, si bien que le cadre légal va à coup sûr être adapté rapidement. »

Les plages de fréquences des systèmes WMAS seront-elles les mêmes que celles des systèmes à bande étroite ?

Andreas : « Oui, notre solution WMAS coexistera avec les microphones sans fil dans les plages de fréquences UHF standard. Aucune modification des limites de puissance d’émission n’est nécessaire. C’est la limite de la largeur de bande qui doit être levée ou portée à 6 MHz minimum. »

Pouvez-vous nous préciser pourquoi vous préférez utiliser une technique à vous plutôt que les technologies standard, comme un microphone 5G avec une carte SIM ?

Martin : « En partant d’une solution sur mesure, nous pouvons proposer à nos clients des systèmes spécifiquement adaptés à leurs besoins. L’audio live a des exigences strictes en termes de latence, de fiabilité opérationnelle, d’audio multicanal et de qualité audio que les technologies standard ne peuvent (ou ne veulent) pas satisfaire, pas même dans un avenir proche. »

Andreas : « La réussite de notre entreprise ne dépendra pas de l’enthousiasme pour une technologie comme la 5G, mais de ce que nous pouvons apporter concrètement à nos clients, pour leurs applications et leurs workflows spécifiques. »

Sebastian : « Je tiens à préciser ici que les latences annoncées en 5G sont mesurées différemment des conditions de latence des flux audio que nous devons remplir d’un bout à l’autre de la production. »

Pourriez-vous nous faire une synthèse des avantages de cette nouvelle approche WMAS ?

Jan : « Nous avons vu que l’approche WMAS permet une bien meilleure utilisation du spectre par les nouveaux workflows et que le système apporte une plus grande flexibilité dans les très grands lieux ou les festivals grâce à sa plus faible densité de puissance spectrale.
De plus, avec les émetteurs de poche bidirectionnels couplés à des écouteurs in-ear numériques et faible latence, les groupes et les artistes apprécieront de n’être équipés que d’un appareil et non deux. Un seul dispositif suffira pour le micro, les intra-auriculaires et la commande à distance permanente, dans un seul canal RF.
Quant à l’ingénieur du son, il pourra sélectionner librement la qualité audio, la latence, la portée et les ressources mobilisées pour chaque sortie audio des systèmes. Pour finir, tous les appareils mobiles seront parfaitement synchronisés, permettant des enregistrements audio stéréo sans fil et même 3D sans problèmes de phase audio. »

Sebastian : « L’organisation technique en coulisses sera complètement différente car avec l’approche WMAS, nos clients pourront traiter 64 canaux audio via une seule unité en rack 19”/1U ! C’en est fini des gros fly-cases : nos clients vont gagner de l’espace en coulisses, voyager plus léger lors des tournées et ils consommeront moins d’énergie.

Hormis la sélection du seul canal RF, la planification de fréquences ne demande quasiment aucun effort. Pour revenir à l’effet de fading RF évoqué au tout début : au lieu de la traditionnelle diversité spatiale avec deux antennes, le système WMAS offre une diversité 30 fois supérieure dans un canal TV 6 MHz ou 40 fois supérieure dans un canal TV 8 MHz, avec une seule antenne ! »

Dernière question qui intéressera nombre d’utilisateurs : les systèmes à bande étroite actuels vont-ils pouvoir coexister avec les nouveaux systèmes à large bande ?

Martin : « Oui, c’est le cas. Nous prévoyons une série de publications pour mieux expliquer le fonctionnement des systèmes audio sans fil multicanaux et les conditions de cette coexistence. Restez à l’écoute ! »

Pour être tenu informé, inscrivez-vous à la newsletter dédiée sur la page Sennheiser WMAS ici

Shéryfa Luna a récemment fait son grand retour au Zénith de Paris avec ses musiciens, un chœur Gospel et ses danseuses. Il était logique pour Tristan Szylobryt de Light&Day, concepteur lumière de ce concert unique, de faire un clin d’œil aux plateaux de tournage pour l’ex-gagnante de Popstars aux millions de vues sur sa chaîne Youtube.

Il a imaginé un bain de couleurs diffus sur lequel s’appuyaient les faisceaux des robotisé et des rampes à leds en mouvement, grâce à une demi-douzaine de Washlights de forte puissance Q-8 SGM (fournis par RegieTeck), habillés de diffuseurs Snapbag Dopchoice, et montés sur pieds cinéma.

Cet effet de mise en scène surlignait efficacement les chorégraphies et les déplacements de l’interprète de « Il avait les mots » et « Dans les étoiles » sur toute la largeur du plateau, et constituait une scénographie originale et rapide à mettre en place.
Rappelons que la dalle de leds centrale RGBW du Q-8 produit un flux de 53 000 lumens, et ses deux lignes de strobe indépendantes assurent 57 000 lumens.

Plus d’infos sur le site Sonoss , sur le site SGM et dans le banc d’essais réalisé par SLU

Tout le monde veut être proche d’Adele. La lauréate de 16 Grammy Awards a le don, grâce à ses textes, sa voix et sa personnalité vulnérable mais forte sur scène, d’amener les spectateurs dans son monde.
C’est ce qu’elle fait pendant Weekends With Adele, sa résidence au Colosseum du Caesars Palace, une série de cinq mois de spectacles le week-end, du 18 novembre au 25 mars 2023.

Un système immersif L-ISA de L-Acoustics contribue à mettre en valeur son sens artistique. USA Today a parlé de « deux heures spectaculaires », tandis que le Las Vegas Review-Journal a écrit que « le son de la salle était à la hauteur de la voix impeccable d’Adele ».

« Adele est très consciente de l’importance de la qualité du son, cela a même toujours été une priorité lors de ses précédentes tournées », explique Johnny Keirle, l’ingé système qui a commencé à tourner avec cette artiste en 2016 et a également travaillé sur les tournées précédentes avec Billie Eilish et P!NK.

« Nous avons commencé à discuter de L-ISA très tôt avec Adèle et son équipe de production ». « Bien qu’il y ait eu une certaine prudence initiale au sujet du budget, se souvient-il, une démonstration du système à Londres suivie de discussions plus approfondies avec le directeur de production Paul English ont très rapidement conduit à la décision que l’environnement immersif que L-ISA apporte ajouterait un sentiment d’intimité précieux et sans égal à ses performances. »

« Avec un temps de chargement et de déchargement de 72 heures seulement, cette production est un véritable spectacle de stade de 40 camions qui se déroule chaque week-end dans une salle presque intime de 4 100 places », explique Paul English.
« Mais la taille de la salle n’est qu’une partie de l’équation. L-ISA nous offre la meilleure qualité de rendu pour ce show et contribue parfaitement à la connexion d’Adele avec son public. »

Fourni par Clair Global, le système L-ISA Scene de Weekends With Adele, est basé sur sept lignes de K2. Deux lignes de Kara, servent en tant qu’extensions et out-fills.
Des subs KS28, en deux colonnes, sont accrochés directement derrière la ligne centrale de K2, et d’autres subs sont déployés en une ligne distribuée sous le bord de la scène.

Des 5XT sont alignés le long du nez de scène en tant que Spatial Fills, ainsi que des X8 déployées comme out-fills. Toutes ces enceintes sont alimentées par des contrôleurs amplifiés LA12X, et le système est géré par un processeur L-Acoustics P1 et des unités L-ISA Processor II. Le signal est distribué sur un réseau AVB Milan via une combinaison de commutateurs L-Acoustics LS10 et Luminex.

Keirle, lui-même novice en matière de L-ISA, affirme que la formation en ligne qu’il a suivie lors d’un séjour en Nouvelle-Zélande lui a permis d’être rapidement opérationnel et confiant. « L’équipe applications de L-Acoustics s’est montrée très arrangeante », dit-il.
« Nous avons suivi la formation sur Teams, où j’ai appris les aspects pratiques et théoriques de l’audio immersif, et je me suis senti à l’aise dès les répétitions. »

Keirle et l’ingé FOH Dave Bracey ont rapidement pris leurs marques sur le système. Keirle a créé une combinaison de mouvements automatisés et manuels pour chaque chanson, tandis que Bracey s’est concentré sur le mix des voix, du groupe et de l’orchestre.

« Johnny et moi collaborons par l’intermédiaire de L-ISA d’une manière unique ; ce n’est pas la relation typique entre un mixeur et un ingé système car il ne se cantonne pas qu’au système », explique Bracey. « Il a un apport créatif dans le son du spectacle.

Nous avons discuté de la manière dont nous devions aborder chaque titre et il a créé une série d’instantanés automatisés et manuels adaptés à la chanson et à la production.
Il prend mes signaux et les place dans l’espace de Scene, créant ainsi un modèle immersif dans lequel je fais mon mix. C’est une toute nouvelle façon d’aborder la mise en forme de la musique en direct, et c’est passionnant. »

Selon Keirle, les tâches de mixage et d’ingénierie système sont distinctes mais intégrées dans l’environnement immersif de L-ISA. « Nous n’avions jamais travaillé avec ce type de système auparavant, nous avons donc progressivement développé notre méthodologie », explique-t-il.
« Il faut des personnes dédiées à chaque rôle. Je me concentre donc en permanence sur le traitement et le positionnement des objets en gérant 96 flux post-fader de la table et en déterminant des paramètres tels que la profondeur et la largeur de chaque objet, tandis que Dave ne s’occupe que du mixage, sans se soucier de ce qui se passe après. C’est un flux de travail que nous avons établi pendant les répétitions, en regardant comment L-ISA convenait à chaque titre et en construisant autour de cela. »

Keirle a malgré tout aussi beaucoup de travail technique. À partir de la Quantum7 DiGiCo de Bracey, il dispose d’unités DD4MR-FX d’Optocore sur une boucle optique. Les signaux audio sont envoyés depuis la console, via des sorties directes aux DD4MR, d’où ils partent en MADI optique vers un MADI Bridge RME, qui le passe en BNC aux L-ISA Processor II primaires et secondaires. Pour la distribution finale du signal aux contrôleurs amplifiés, les LA12X reçoivent du Milan AVB grâce à une série de switches AVB LS10 et Luminex GigaCore 26i et 14R.

« Les signaux AVB sont également routés de chaque processeur L-ISA vers un second MADI Bridge RME « , explique Keirle. « Celui-ci transmet le signal MADI optique à divers convertisseurs Ferrofish A32. Le MADI Bridge RME agit comme une matrice d’entrée et les Ferrofish A32 convertissent le flux MADI choisi en analogique, pour servir de secours et aboutir aux entrées analogiques des LA12X. »

En termes de méthodologie sonore, Keirle et Bracey suivent le style particulier d’Adele dont les chansons commençant généralement de manière très douce, souvent en piano voix, en maintenant la scène sonore immersive au centre de la scène. Le paysage sonore s’élargit et s’approfondit ensuite au fur et à mesure que des musiciens et des sons supplémentaires enrichissent l’arrangement.

C’est une bonne approche du son immersif, estime Keirle. « C’est quelque chose dont nous avons discuté très tôt : la clé pour rendre un mixage immersif efficace est d’utiliser la technologie avec parcimonie et subtilité », explique-t-il.

« Vous permettez au public de s’habituer à un certain espace, puis vous l’augmentez en modifiant et en élargissant l’image. Une fois que les oreilles et les yeux du public sont habitués, ils peuvent percevoir et apprécier de légers changements que vous apportez au son, en reculant la voix d’Adèle dans les instruments, puis en la ramenant au premier plan. Même de petits mouvements peuvent créer un contraste très émouvant et efficace. »

Ensemble, Keirle et Bracey ont créé une méthodologie qui deviendra probablement de plus en plus courante dans l’industrie de l’immersif, en particulier pour les événements très médiatisés tels que « Weekends With Adele ». Dans le même temps, la découverte de l’immersif en direct cédera la place à une façon plus habituelle de travailler.
« Une fois que l’on est à l’aise avec cette techno, on s’aperçoit que c’est plus facile de mixer avec que sans », explique Bracey. « Il est plus naturel de placer une voix avec des objets qu’avec l’égalisation et les traitements dynamiques. En fait, L-ISA permet de trouver une place pour tout. »

Pour plus de details sur Weekends With Adele, visitez www.adele.com
Pour Clair Global www.clairglobal.com
Et enfin pour tout savoir sur L-ISA sur l-isa.l-acoustics.com

Shure présente GLX-D+ Dual Band, ses nouvelles liaisons numériques à destination des guitaristes, bassistes et chanteurs. Toute la puissance du sans fil avec une simplicité et une fiabilité sans précédent, pour une intégrité sonore préservée.

Deux fois plus de bande passante pour deux fois plus de puissance : Shure, la légende de l’audio, offre aux guitaristes, bassistes et chanteurs les plus intransigeants, des performances inédites et toujours plus de liberté de jeu, sur scène comme en studio, avec la dernière génération de son système numérique sans fil GLX-D+ Dual Band.

Stabilité du signal renforcée, autonomie de batterie améliorée, nouveau récepteur format pédale jack 6.35… Grâce à cette mise à niveau majeure, les guitaristes et bassistes peuvent franchir le pas du sans-fil en toute simplicité, sans crainte de sacrifier le son organique de leur instrument, en investissant dans un système complet, prêt à l’emploi.

Les récepteurs GLX-D+ Dual Band sont disponibles en version rack, tabletop et pédalier, avec en option une large sélection de microphones Shure (lavalier, serre-tête, à main), dont l’incontournable SM58.

« Grâce à l’expertise audio et au savoir-faire technologique de Shure, les utilisateurs du GLX-D+ sont assurés de bénéficier d’un son numérique sans fil de haute qualité, où le jeu et le style unique de chacun saura être capté et restitué dans ses moindres détails…
Ce concentré de précision et de performance tient dans une boîte avec tout le kit nécessaire pour se libérer en toute confiance des contraintes du câble », déclare Mike Nagel, Associate Director of Product Management, chez Shure.

« Des petites salles de concert et auditoriums intimistes aux plus grandes scènes et tournées mondiales, de nombreux artistes musiciens et chanteurs savent qu’ils peuvent compter sur les systèmes de microphones sans fil Shure dont l’extrême fiabilité ne rime pas pour autant avec complexité.
Entièrement repensé, le GLX-D+ ne déroge pas à cet engagement grâce à son installation sans effort qui permet d’éliminer les barrières à l’entrée, invitant tous ceux qui veulent se lancer dans le sans fil à faire le premier pas », ajoute Eduardo Valdes, Associate Vice President of Global Marketing, chez Shure.

Stabilité du signal renforcée grâce à la technologie bi-bande intégrée

Par rapport à son prédécesseur, le GLX-D+ Dual Band opère dans les bandes de fréquences sans fil de 2,4 GHz et 5,8 GHz grâce à la technologie bi-bande simultanée, garantissant une réception sans interférences ni décrochage.
Ce nouveau modèle, qui double la bande passante disponible, recherche, identifie et attribue automatiquement les meilleures fréquences libres, pour délivrer encore plus rapidement un signal audio fiable et constant. Avec GLX-D+ Dual Band, les chanteurs et artistes guitaristes peuvent se concentrer sur leur jeu plutôt que sur leur câble, assurés d’avoir, quoiqu’il arrive, une grande clarté audio et un son de qualité supérieure.

Jusqu’a 12 heures d’autonomie d’affilée : Le summum de la liberté

Avec plusieurs options de recharge intelligentes, le GLX-D+ affiche désormais jusqu’à 12 heures d’autonomie de batterie. La capacité de charge rapide du système permet d’obtenir 1,5 heure d’utilisation à partir d’une charge de 15 minutes seulement.
La nouvelle batterie SB904 au lithium-ion peut être chargée directement sur les récepteurs tabletop ou demi-rack ou via un connecteur USB-C sur l’émetteur.

Robuste, « Plug and Play » et flexible : Une simplicité sans concession

Doté d’un châssis métallique robuste lui permettant d’être complètement intégré dans un pedalboard (alimentation 9V DC), le nouveau récepteur numérique format pédale GLXD6+ permet aux guitaristes et aux bassistes de passer facilement au sans fil sans compromettre le son, ni compliquer leur équipement.

Ce récepteur format pédale avec accordeur intégré offre toutefois une entrée ¼ » pour encore plus de flexibilité si jamais le besoin de repasser au câble se fait sentir.
Les musiciens peuvent rapidement basculer entre deux ou plusieurs émetteurs connectés à un seul récepteur, pour des transitions fluides sur scène entre les instruments.

Des performances RF solides comme le roc en toutes circonstances

Le système numérique sans fil GLX-D+ Dual Band offre des performances RF améliorées, une distribution d’antenne et une gestion automatique des fréquences pour un maximum de 11 systèmes dans des environnements classiques (16 dans des conditions optimales).

Disponibles séparément, le gestionnaire de fréquences (GLXD+FM) et les accessoires d’antenne directionnelle peuvent être nécessaires au bon fonctionnement.

Toujours plus d’options personnalisées avec les micros de Shure

Trois options de microphones sans fil à main, dont les légendaires SM58, BETA 58A et BETA 87A, sont proposées avec les systèmes GLX-D+ tabletop et rack. Les systèmes et composants GLX-D+ sont disponibles dans diverses configurations, conçues pour s’adapter au mieux aux besoins de chacun.
Dans la mesure où tous les systèmes sans fil GLX-D+ Dual Band fonctionnent dans une gamme de fréquences accessibles sans licence, les utilisateurs n’ont pas à se préoccuper des contraintes techniques de l’environnement que ce soit en déplacement ou en tournée.

Le système sans fil GLX-D+ Dual Band de Shure sera disponible dès le début du printemps 2023 auprès d’une sélection de détaillants et sur le site www.shure.com. Prix de vente conseillé : à partir de 629 euros.

Pour tout savoir sur la série GLX-D+ avec :

– Le film produit
– Le site Shure
– Le site Algam

Même une biographie basique d’Adele peut approcher la taille d’un livre. Son premier album est sorti il y a tout juste 15 ans et, depuis, elle a remporté 16 Grammy Awards, 12 Brit Awards, un Academy Award, un Golden Globe Award et un Primetime Emmy Award. Et elle n’a que 34 ans.
Weekends With Adele, sa résidence au Colosseum du Caesars Palace, qui comprend une série de cinq mois de spectacles le week-end entre le 18 novembre 2022 et le 25 mars de cette année, n’est que la prochaine étape d’une carrière singulière.

Mais c’est une étape importante, qui présente Adele dans un environnement audio immersif pour la première fois et DiGiCo sous la forme de deux consoles Quantum7 fournies par Brit Row/Clair Global est là avec elle pour assurer un spectacle fantastique et sans faille.

Dans le plus pur style de Vegas, c’est un grand spectacle, déclare Dave Bracey, qui a travaillé et tourné avec Adele pendant la majeure partie des dix dernières années, après avoir travaillé avec Depeche Mode et The Cure dans les années 1990, puis, entre autres, Robbie Williams, Björk, Massive Attack et P!NK.

Dix semaines après le début du programme, ils n’ont pas encore eu à déménager pour permettre à une autre production d’utiliser la salle pendant leurs pauses, mais il estime que ça prendra quatre jours quand ce moment viendra. « C’est Vegas, donc ça doit être plus magnifique que les autres spectacles, non ? « Quantum7 me permet de gérer tout cela sans problème ».

 » Il est si facile de créer son ergonomie de travail sur cette console, qui vous permet de vous concentrer pleinement sur le mixage « , dit-il.
« Je fais bon usage de la compression parallèle Mustard que j’utilise sur la voix d’Adele et du compresseur FET sur la basse, entre autres.
Le Spice Rack possède également de très bons outils, comme l’égaliseur dynamique que j’applique à sa voix.

Mais ce qui est étonnant, c’est que tout ce que j’emploie c’est par petites touches ; si vous regardez, par exemple, l’égaliseur sur l’écran, vous devez plisser les yeux pour voir un écart par rapport à la ligne droite. C’est dire la qualité du son de la chaîne vocale dans la console elle-même. »
L’utilisation par la production de la technologie immersive L-ISA de L-Acoustics y contribue également. Bracey explique que le positionnement très libre des objets dans le système lui donne la possibilité de garder la voix d’Adele à sa place dans la scène sonore, ce qui réduit le besoin de traitement. Mais quand il le faut, Quantum7 est à la hauteur.

« Je n’ai pratiquement jamais mixé sur autre chose que DiGiCo depuis ma première utilisation de D5 en 2002, mais le logiciel Quantum est tout simplement merveilleux », dit-il, ajoutant qu’il a utilisé Quantum7 pour la première fois pendant le Beautiful Trauma World Tour de P!NK. « Mais le nouveau logiciel va encore plus loin. J’ai hâte de m’y plonger encore plus pendant cette résidence. »

Dans le monde des retours, l’ingénieur Joe Campbell, qui a travaillé avec Adele pendant une douzaine d’années, ainsi qu’avec Seal, Ellie Goulding et Niall Horan des One Direction, était également ravi d’avoir à nouveau Quantum7 devant lui.
 » J’utilise la SD7 depuis des années, et j’ai opté pour la version Quantum dès qu’elle est sortie « , explique-t-il. « C’est juste une évolution naturelle ».

Campbell cite le routing et la flexibilité de la surface de travail, mais souligne que c’est le traitement Mustard qui lui est devenu particulièrement utile. « Surtout le compresseur optique Mustard, que j’utilise tout le temps, sur les voix en particulier », dit-il. « Cette console me permet d’accéder à la compression parallèle sur chaque voie d’entrée et de sortie. Ce que cela peut faire pour la dynamique est incroyable. »

Bien qu’il utilise le traitement intégré de Quantum7, comme la réverbération et l’égaliseur dynamique, pour pratiquement toutes les voies, Campbell emporte toujours ses processeurs externes préférés, quatre réverbérations stéréo Bricasti Design Model 7, pour les voix et les guitares acoustiques.
« Il est facile d’intégrer des processeurs externes dans Quantum7, tout comme il est facile de faire presque n’importe quoi sur cette console », dit-il. « Si quelqu’un sur scène veut un mixage supplémentaire et le veut immédiatement, je peux le faire. Il n’y a rien d’autre comme Quantum sur le marché. »

Comme Bracey, Campbell loue la sonorité de Quantum7 qui, les deux vous le diront, a permis à la voix d’Adele de faire ce qu’elle a si bien fait. « Je n’ai pratiquement pas d’égalisation sur sa voix dans le mix retours pour ses IEM », dit-il. « Elle a un son fantastique, et Quantum7 ne place rien entre elle et les retours. C’est aussi transparent que possible ».

Pour plus de détails sur Weekends With Adele au Colosseum du Caesars Palace sur www.adele.com

Vous trouverez Britannia Row Productions et Clair Global en ligne sur www.britanniarow.com et sur www.clairglobal.com

Et d’autres informations sur le site DV2