Christine and the Queens revient sur scène sous une nouvelle identité Chris, androgyne et animale, accompagnée des excellents danseurs du jeune collectif La Horde. Elle a imaginé une mise en scène privilégiant les corps et leur rapport à l’espace, le naturel, la simplicité.
Un grand écart artistique et technique pour l’équipe de création scénographique et lumière car il a fallu construire un spectacle qui a tout d’un Opéra et l’adapter aux contraintes de timing d’une tournée.

A l’AccorHotels Arena, une des dates de la rentrée parisienne de Chris, (de G à D) Camille Duchemin scénographe, Nicolas Olivier éclairagiste, Philippe Ducouret, alias l’Écu de MecaOctet et Manu Mouton, régisseur général nous racontent les étapes de la naissance de ce concert décalé.

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Avant même que nous posions la question, Manu Mouton, régisseur général de la tournée embraye.

Manu Mouton : « La première personne à citer dans la création c’est Christine. Quand je regarde mes notes du début du projet je retrouve tous les univers du show final. C’est elle qui a les idées. Nous l’avons accompagnée car elle ne sait pas forcément comment le dire techniquement, mais elle savait très précisément ce qu’elle voulait.

SLU : Comment êtes-vous arrivés tous dans ce projet ?

Manu Mouton : J’ai fait la direction technique du projet Justice il y a plus de 1 an. C’est la même production. Quand Christine a décidé de se remettre en route dans un univers complètement différent du précédent, Corida m’a proposé de réunir une équipe autour d’elle. L’artiste avait un brief vraiment très particulier : lumière blanche, pas de couleurs, ne pas voir les faisceaux, ne pas voir les sources.

Elle parle de corps, de voir les muscles de voir la sueur. Elle évoque des toiles de fond peintes et des effets naturels comme la fumée, la neige, le sable, rien d’acidulé, rien de technologique, rien de numérique.
J’ai démarré le projet avec Philippe Ducouret, dit l’Écu, mon complice de toutes les créas, Justice et beaucoup d’autres, qui avec sa société MécaOctet construit de la machinerie assistée par ordinateur.

Dès le début avec Christine on parle d’éléments naturels dont la neige, et j’ai le souvenir d’avoir vu le plus beau de ce type d’effet dans un spectacle , “Neige”, de la chorégraphe Michèle Anne De Mey. Nous nous rapprochons de Nicolas Olivier qui a réalisé ces machines, il parle la même langue que Christine, et il a une grande expérience de la neige et de la fumée pour le théâtre.

Pour l’anecdote, Christine arrive à l’essai suivant avec quelques photos de spectacles de danse dont elle souhaite se rapprocher et l’on découvre que c’est Nicolas qui a éclairé les trois quarts d’entre eux. Il a donc fait la créa lumière avec les niveaux, les intentions correspondant parfaitement à l’univers de Christine.

J’ai travaillé aussi avec Thibault Richard, mon complice de direction technique, qui a une spécialité réseau. Plus tard j’ai fait appel à la scénographe Camille Duchemin. Elle a repris les bribes que nous avions jetées et a commencé à accompagner Christine dans l’écriture du projet et la réalisation des toiles, choix des images, travail d’impression.

En son, Julien Decarne (FOH) et Vladimir Coulibre (sound designer et ingé système) nous ont proposé le projet L-ISA. C’est un chapitre à part mais que nous avons beaucoup travaillé car ça complique le rigging. Pour que ce soit possible il faut intégrer L-ISA très tôt dans le projet. »

Les toiles de fond de scène, imprimées et repeintes

SLU : Camille, comment as-tu travaillé le projet avec Christine ?

Camille Duchemin, scénographe : « Christine avait une idée assez précise de tableaux qu’elle voulait de l’époque de Hondson River School. On a découpé la chronologie en 3 parties. Une première partie terrestre sur une petite vignette serrée en bord de scène pour contraindre les corps dans un premier espace restreint avec un regard très cadré par cette image.

Un tremblement de terre permet de faire disparaître cette première toile. L’espace s’ouvre pour la deuxième partie sur une image plus tempétueuse, une mer déchaînée, une image plus longue et cinématographique. La lumière occupe l’espace différemment et la chorégraphie prend plus de place.

On a beaucoup travaillé les modes d’impression sur les toiles coton imprimées. Elles ont été repeintes pour garder les reliefs et les volumes et gagner en profondeur. Quand on agrandit 100 fois un tableau qui mesure 40 cm par 60, on perd la qualité de la touche, on perd la nervosité qu’il faut restaurer.
La première toile est rigide, la deuxième toile est plus souple, soumise à la tempête et se fait avaler pour laisser la place au troisième espace immatériel. Cet espace vide est dessiné par le sable, la neige, la fumée, la lumière.

Et on finit sur une dernière image où elle va dans le public. Elle veut pousser les espaces pousser les murs, gagner en possibilités, c’est ce que ses textes racontent. On a travaillé le rapport des corps à l’espace. C’est la lumière qui révèle les qualités de peau et donne un grain, une matière qui est très forte. »

L’écriture lumière

SLU : Nicolas, c’était quoi la difficulté en lumière

Nicolas Olivier, Eclairagiste : « C’était de venir avec un éclairage épuré par rapport à ce qui se fait dans cette taille de spectacle habituellement, éviter la vidéo, les effets de fumée intempestifs et surtout le dessin des faisceaux en mouvement, en couleur.
Ce que je trouve beau dans le spectacle c’est que les corps et l’artiste sont au centre du visuel, à l’opposé d’une scénographie complètement débordante qui aveugle, et où le sujet se perd parfois. Ici le sujet c’est le chant, la danse, les corps, le volume des espaces créés par la scénographie, différents plans, la profondeur.
Comme on a appris à parler ce vocabulaire en commun, la lumière qui restitue les matières, les teintes, les peaux, les volumes s’est faite assez naturellement et assez rapidement. »

Camille Duchemin : « Découper le ciel ou le sol, faire vivre les images pour les voir différemment. La toile de la mer on la voit de plusieurs manières différentes suivant les tableaux. Parfois elle est intégrée avec les corps, parfois on voit juste la vague et le dos de Christine. Il y a aussi tous les découpages à l’intérieur des toiles qui ont fait partie de l’écriture de la lumière. »

SLU : Camille, tu parles beaucoup de lumière et toi Nicolas de matière, mais qui fait quoi exactement ?

Camille Duchemin : « C’est difficile de dire qui fait quoi. Quand l’équipe marche bien, chacun à un moment donné fait de la scéno, de la lumière. On vient chacun avec notre culture et très vite tout le monde s’imprègne de la pensée des autres. Nicolas a été amené à faire aussi des recherches de scénographie, de matières et moi des recherches de lumière. »

Nicolas Olivier : « Et puis aussi d’organisation de travail. On a tous bousculé nos zones de confort. »

Camille Duchemin : « Sur cette création, il y a deux cultures qui se rencontrent. La culture show musical qui n’a pas l’habitude de répéter longtemps et la culture théâtre pour laquelle il est normal de répéter sur plusieurs semaines. Ici, on arrive à une espèce de forme opératique et chaque changement de décor, de lumière demande à être répété pour bien valider qu’il rentre dans les corps de la chanteuse et des danseurs. Ces cultures de travail sont différentes donc tout le monde était un peu bousculé. »

SLU : Tu as utilisé quelles sources ?

Nicolas Olivier : « Il y a un peu de tout. J’ai utilisé des sources à décharge des PAR, de la led. J’ai choisi des Dalis sur perche pour éclairer la deuxième toile et je les ai utilisés en bain de pieds bord plateau pour éclairer la première toile et aussi ressortir les danseurs quand ils sont au premier plan.
Nous avons des barres de PAR car nous avons tout de suite senti le besoin du filament pour éclairer les corps, pour les sentir, sentir la sueur, les muscles naturellement. Je viens du théâtre donc c’est un outil que je connais très bien.

Et là où je suis sorti un peu de mon travail habituel c’est qu’il a fallu rentrer un kit qui pouvait se monter en un jour et qui réponde à toutes ces volontés de lumière, ne pas sentir le faisceau avoir un wash suffisamment large et puissant ou en encore un projecteur de découpe motorisé et c’est pour ça que l’on s’est tourné vers les BMFL Blade et WashBeam Robe.

Le Elidy est arrivé un peu par hasard. J’avais envie d’un effet latéral assez prononcé donc puissant pour casser par moments la lumière englobante et le Elidy était parfait pour assurer cette fonction. Et du coup il y a une source un peu technologique qui apparaît dans le spectacle et je trouve que ça fonctionne. Il a une très belle couleur, très très proche de l’halogène.

Nous avons aussi deux “mobylettes” (RoboSpot) qui nous ont sauvé la peau car je ne pouvais pas attaquer avec une poursuite traditionnelle en salle. J’accrochais les toiles, la première notamment qui est vraiment très proche de Christine. J’ai décidé de placer les BMFL Blade sur le pont de face et j’ai un très bel angle d’attaque grâce auquel elle ressort juste surlignée. »

SLU : Tu as recours aux CTO progressifs, aux ambres ?

Nicolas Olivier : Oui et au minus green, aux frosts progressifs et à la nature des sources elles-mêmes aussi, la lampe arc, le PAR, la led chaude du Elidy. Ces blancs créent suffisamment de températures de couleur différentes pour satisfaire nos besoins. La couleur existe par référence à ce qu’il y a à côté ou à ce que tu as vu avant. Travailler les blancs donne la sensation de ne pas voir le même morceau tout le temps par le dégradé et les nuances de blanc, le blanc qui du coup devient un peu gris. C’est vraiment ce travail qui m’intéressait et ça s’est joué très naturellement.

SLU : Et tu travailles quels angles de faisceaux !

Nicolas Olivier : Les PAR sont des CP 61 mais il y en a beaucoup donc on n’identifie pas 60 sources. Elles travaillent comme une seule source. Si je veux un contre-jour très directif, un latéral par exemple, j’ouvre les zooms des BMFL à fond, je mets le frost à fond et j’utilise 6 machines mais ça donne la sensation d’une seule machine en termes de lumière car on ne diffuse pas du tout de brouillard donc on ne matérialise pas les faisceaux.

SLU : As-tu eu des problèmes de rendu des couleurs avec les sources à arc ou à led ?

Nicolas Olivier : Avec les Dalis, non pas du tout. La lampe des BMFL Robe tire par contre un peu sur le vert mais il y a un minus green dans le projecteur qui me sauve la peau et que j’utilise systématiquement. »

Les effets d’éléments naturels

La troisième partie du show, place les corps dans un espace immatériel très poétique animé par la neige, des nuages de fumée sur scène et dans la salle, et des lignes de sable qui se désagrègent. Certaines machines sont louées par FX3, d’autres ont été développées par MecaOctet, et toutes sont contrôlées par l’Ecu en live.

SLU : Comment fonctionne cette fameuse machine à neige qui a provoqué la rencontre de Nicolas?

Manu Mouton : « Cet effet nécessitait de tendre des filets de 12 mètres sur 3 plans, agités par des moteurs, et comme ça gouttait un peu avant l’effet, il aurait fallu prévoir des volets motorisés.
La neige est un effet très important du spectacle mais qui dure seulement 20 secondes. Investir autant d’argent ne valait pas le coup. Je suis finalement revenu à un système de seaux ventilés qui crachent de la neige, plus simple à mettre en œuvre et surtout moins coûteux. »

SLU : Quelle est la technique qui permet d’avaler la deuxième toile ?

Manu Mouton : « Nous avons deux toiles pour le décor de mer déchaînée. Il était impossible dans le cahier des charges d’avoir une belle toile en couleur et en profondeur, assez fine pour être enroulée et qui redevienne tendue et lissée le lendemain donc on l’a doublée. On largue la première dans le noir. C’est une deuxième toile, plus légère qui s’agite dans la tempête et à la fin se fait embobiner en une seconde dans une machine qui a été développée par l’Ecu. »

SLU : Comment parvenez-vous à maintenir un nuage dans le dispositif scénique ?

Nicolas Olivier : « Pour la troisième partie du spectacle, on utilise un fond de scène noir et 1,5 m plus à la face, il y a un tulle, un clear screen. Dans cet espace que l’on appelle le bocal, la fumée stagne car on parvient à créer un microclimat par différence de températures et l’on y évite les courants d’air. Le nuage ne se dissipe pas tout de suite ce qui produit un effet de profondeur. Ce système est issu d’une recherche que j’avais faite pour un précédent projet.

Devant le bocal sur scène on envoie de gros jets de fumée à dissipation très rapide et dans la salle on utilise des fumigènes pour créer des nuages.
C’est un artifice Le Maitre qui produit une traînée de fumée de couleur verte. L’avantage avec les artifices c’est que les couleurs sont très denses.»

SLU : Quelle est la machine qui envoie des lignes de sable sur “La Marcheuse” ?

Manu Mouton : « J’ai une dizaine de machines à sable développées par l’Ecu. C’est un tube qui mesure 50 cm de haut et 8 cm de diamètre. Il contient 13 minutes d’effet. On l’utilise pendant 3 minutes, autrement dit une grosse poignée de sable par machine. »

Un beau petit théâtre monté en seulement une heure et demie

Manu est vraiment enthousiaste à juste titre. L’accroche des 15 perches nécessaires aux toiles, frises, machines à neige, barres de PAR, projecteurs et consorts ne prend finalement pas plus d’une heure et demie.

Manu Mouton : « Nous étions à Saint-Omer dans le Pas-de-Calais, dans la salle où nous faisions toutes nos répétitions. A 3 m du bord plateau, avec l’Ecu, on regarde le plafond en se disant que jamais on ne pourra monter un système traditionnel d’accroche en tournée, et on commence à réfléchir à un système de poutres face/lointain, des mother truss, pour supporter les perches. On n’a pas beaucoup de charge mais on a besoin de 15 ponts car toutes les sources sont frisées et du coup ça ajoute un grand nombre perches.

Ce jour-là, Philippe Coudyser, le patron de Sonoss et Frédo de Régie Lumière passent déjeuner avec nous. Philippe est à Lille donc voisin. Et l’histoire se raconte en quelques heures entre Sonoss qui fabrique, Régie Lu qui achète et moi qui loue.

On est parti d’une poutre Eurotruss en 500 carré, complètement ouverte dessous, comportant un rail auquel sont accrochés des moteurs 250 kg D8+ (double frein) qui nous évitent les élingues de sécurité donc qui restent disponibles. C’est important, on a les machines à neige à recharger, des machines à sable à recharger, les lâchers de toiles, etc. On a développé un système de 4 poutres face lointain en 500 carré de 15 mètres de long, chacune montée par 4 moteurs 2 tonnes avec peson.
J’ai donc seulement 16 points d’accroche au plafond de Bercy. Dans chaque poutre sont intégrés 16 moteurs, donc 64 au total, prêts à contrôler mes 16 perches. C’est Eurotruss via Sonoss qui a fabriqué la poutre de 500 ouverte avec un rail au milieu et les moteurs de 250 kg D8+ Gis. C’est une marque suisse qui fabrique des petits moteurs, légers et maniables.

SLU : Comment sont gérés les 64 moteurs ?

Manu Mouton : Sonoss a optimisé le système en prévoyant de placer une armoire de contrôle de pilotage à chaque extrémité des poutres. Et ainsi tout est concentré en haut. Je monte une 32 tri et une mini Socapex pour alimenter et contrôler une armoire, donc 8 moteurs. J’ai au final 8 câbles d’alim et 8 câbles de contrôle pour les 64 moteurs. Au niveau du câblage ce n’est rien.
Je récupère ensuite mes 8 câbles sur ma télécommande 60 moteurs et j’ai mon théâtre sous la main. Temps de montage 1 h 30 chrono ! J’évite aussi une forêt de câbles, le coût de 64 points d’accroche au plafond de la salle et d’une nuit de rig.

Aujourd’hui on a des pesons externes qui communiquent en wifi avec un ordi pour le contrôle de charge. Avec la nouvelle télécommande numérique que Sonoss vient de développer, je pourrai voir la charge appliquée à chaque moteur. C’est un projet qui m’intéresse pour des productions plus classiques à forte charge donc je continue son développement.

À terme on prévoit de grossir le rail intégré dans la poutre pour utiliser des moteurs asservis de 500 kg et même des 500 mouflés si on a besoin de 1 tonne. Tout comme on fait des prépas de light, on va pouvoir faire des prépas de rig, faire des mémoires et les rappeler. Et puis accrocher simplement avec le contrôle de la charge ce qui pour moi est obligatoire. Il est urgent de travailler avec des pesons, ne serait-ce qu’en festivals.

J’aimerais tirer mon chapeau à Philippe de Sonoss qui a développé le système et à Frédo de Régie lumière qui a investi, car pour moi, côté budget de création de la partie technique, c’est hyper compliqué de débloquer des fonds juste pour des questions de rapidité de montage. C’est invendable à l’artiste, ça parle peu au producteur. Ce sont des gens qui nous suivent depuis longtemps et Frédo à l’époque a dit “Ok, j’achète et je vous le loue sur 9 dates !” On est au-delà de la logique financière d’une boîte. »

Conclusion

En rupture avec tous les concerts que nous avons vus, en rupture avec ce qu’elle faisait avant, Chris surprend certes et finalement rassure. Elle assume sa volonté de sortir d’un cadre qui l’étouffait, elle assume tout autant la tempête qui en découle et souffle un vrai vent de liberté soutenue par son producteur Corida, et son équipe de création technique. Ils se sont mis en quatre pour aller au bout de ses envies. La lumière ne se montre pas comme un support de la partition musicale, elle se plie aux besoins d‘une scénographie située entre opéra et comédie musicale.

On ne parle pas de conception lumière, on parle d’éclairage et Manu Mouton a recruté avec Camille Duchemin et Nicolas Olivier des experts dans l’art de l’illusion. Le regard est tout entier focalisé sur les corps qui s’expriment avec une sensualité féroce dans un décor ou une absence de décor qui traduit 1 000 ambiances par le jeu magique des lumières et des effets naturels. “On s’est rendu compte que la simplicité pouvait emprunter des chemins sinueux” me confiait Camille Duchemin, et cette équipe de techniciens aime à l’évidence les randonnées de l’extrême.

Produire un Opéra pour une tournée est un challenge technique qu’ils ont maîtrisé avec leur expérience, leurs talents de chercheurs et l’investissement de toute l’équipe. Proposer un Opéra dans une salle grande comme l’AccorHotels Arena pour 18 000 spectateurs était par contre un pari vraiment osé…

Plan de feu 3D

Christine and The Queens ou Chris, peu importe le nom, l’artiste s’est donnée sans retenue à l’AccorHotels Arena, bien portée par une grosse configuration L-ISA pensée par Vladimir Coulibre et un mix de Julien Decarne pour Melpomen.

Ce reportage est dédié à Pedro.

Mise en scène épurée, la musique et les paroles prennent une importance fondamentale, le son se doit donc d’être le parfait vecteur de deux heures d’un show capté en plus pour un direct TV.

SLU est présent pour cette dernière date parisienne et immersive avant une pause et un redémarrage en classique gauche droite durant les festivals d’été 2019.

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Nous sommes accueillis par Vladimir Coulibre, consultant L-ISA, Julien Decarne à la face, Christophe Rousseau aux retours et les équipes de Melpomen pour le groupe B Live dont Adrien Maupeu et Samuel Birais, un accueil serein malgré l’importance d’une date parisienne avec captation. C’est Vlad qui ouvre le bal des questions.

La genèse

SLU : Qui a eu l’idée et l’envie de passer le show en L-ISA ?

Vladimir Coulibre : L’idée d’aller au-delà du gauche / droite et de localiser les sources sonores nous trottait déjà en tête avec Julien (Decarne, ingé son face de Chris) et quand on a commencé à parler de la tournée de Chris, on a fait le choix de présenter le concept L-ISA à l’ensemble des acteurs, la production, les autres techniciens et bien sûr Héloïse.
L’immersif doit s’intégrer dans tous les corps de métier et doit être aussi intégré financièrement. Pour cela j’ai été sur le lieu de résidence à Saint-Omer et leur ai fait part des aspects techniques et artistiques.

SLU : Mais pas d’écoute

Vladimir Coulibre : Non, il fallait d’abord expliquer les avantages artistiques mais aussi les contraintes. Une fois obtenu un premier accord, nous avons travaillé avec Julien pour déterminer la configuration, on l’a budgétisée avec Melpomen, proposée à la prod et obtenu une validation.

SLU : Quel est le parti pris de la diffusion et de l’immersion pour ce show ?

Vladimir Coulibre : Efficacité et rapport au live. Ce projet se rapproche du théâtre mais avec des instruments et doit sonner comme du live.

SLU : Et l’alternance entre dates L-ISA et dates en gauche/droite ?

Vladimir Coulibre : On a bossé la question avec Julien et on a pris le parti de créer le mix dans la console en G/D/ et ensuite de récupérer les signaux et « refaire » un mix L-ISA dans la matrice. La compatibilité en fonction des salles est ainsi garantie.

Il y a le Coulibre dans le texte et le Vlad face caméra. Et si on le regardait nous raconter son travail avec Julien et d’autres détails techniques hautement croustillants et peu interférents ? Cliquez sur la vidéo ci-dessous

Promenons nous dans le bois, pendant qu’les dB sont là

Quittons le bureau pour plonger dans la salle de Bercy où s’agitent les équipes de la tournée mais aussi celles propres à la captation qui va se dérouler en direct le soir même.

SLU : Il y a donc beaucoup de bois en l’air…

Vladimir Coulibre : On a trois lignes de 16 K2 pour la partie Focus et deux fois 22 Kara pour compléter le déploiement de base de L-ISA, ensuite on a deux fois 14 K2 pour les sides et enfin deux fois 18 Kara pour les Extend. Au centre, derrière la ligne centrale de K2, on a deux fois 10 KS28 en montage cardioïde.
Comme on perd de l’énergie dans le grave près de la scène du fait de la longueur des lignes et du montage cardio, on a rajouté un peu de grave au sol avec 6 KS28 dont quatre centraux et les deux autres aux deux extrémités du plateau. La cohabitation se passe bien entre les deux niveaux de grave.

SLU : Tu joues moins fort dans les subs en bas ?

Vladimir Coulibre : Non, au même niveau que l’ensemble accroché.
Comme il y a moins d’éléments et qu’ils ne sont pas proches les uns des autres, ce renfort de grave est étonnamment assez doux.

SLU : Comment as-tu filtré le système ?

Vladimir Coulibre : Toutes les têtes sont en full range ce qui donne beaucoup d’énergie dans le grave en mode Focus avec les 3 lignes de K2 où l’on concentre tout ce qui requiert du SPL dans le bas. Même les Kara apportent une assise qui leur permet d’effectuer une bonne transition avec les K2 des outfills.
La proximité entre la ligne centrale de K2 et les KS28 donne un excellent couplage sur l’octave 30/60 Hz sachant que les KS28 sont coupés au-delà. Pour compléter le déploiement pour le champ proche il y a 5 ensembles mono de doubles Kiva en lipfill et deux ensembles de 4 Kara en extérieur à cour et jardin.

SLU : Pourquoi ce renfort en Kara ?

Vladimir Coulibre : On a une avancée de scène de 16 mètres, deux éléments de 8 mètres, incorporant un tapis roulant. Pour anticiper les dates parisiennes et la captation, j’ai fait en sorte de limiter le plus possible l’influence du K2 sur cette passerelle en le faisant « partir » un tout petit peu plus loin dans l’audience et en compensant par quelques Kara pour ne pas trop léser les spectateurs.

SLU : Pourquoi avoir désaxé la passerelle. Pour avoir un peu moins de voix ?

Vladimir Coulibre : Non, c’est un choix purement artistique et où qu’elle ait été placée, cela ne me gêne pas. La boîte du bas tape à dix mètres, donc il faut juste faire attention après. On a travaillé avec des plateaux FIR et ça passe très bien. Chris utilise un AD2 Shure monté en d:facto DPA.

SLU : Est-ce que dans une salle comme l’AHA (AccorHotels Arena en 3 signes !) on peut se passer de délais ?

Vladimir Coulibre : Il était hors de question qu’on en mette, avec trois lignes de 16 boîtes on a largement ce qu’il faut, y compris pour le point le plus éloigné qui est à 95 mètres.
A la Halle Tony Garnier avec 3 x 12 K2 on était bon, on a juste un peu souffert à Toulouse où le chauffage dessèche trop l’air et à 20 % d’humidité, le son n’aime pas du tout. L’aigu à partir de 4 kHz plonge. Heureusement que l’arrivée du public a fait remonter l’hygrométrie !

On se balade en salle et on s’approche du plateau. L’absence de tout décor rend très visibles les petits stacks de deux Kiva qui dépassent légèrement la hauteur du nez de scène.

SLU : Vu le nombre de lipfill, j’imagine que tu joues en mono. Ils sont hauts…

Vladimir Coulibre : Oui. On aurait pu jouer en stéréo mais ça ne présente pas un très grand intérêt, on a donc pris le mono mixdown de la matrice. La hauteur des Kiva est nécessaire pour remplir les 10 mètres devant la scène jusqu’à l’entrée du système dont la boîte la plus basse culmine à 9,5 m.

SLU : Avec 16 K2, tu disposes d’assez d’énergie pour concentrer pied et basse ou bien tu profites des 32 autres boîtes pour y envoyer une partie du signal ?

Vladimir Coulibre : Les trois lignes centrales du déploiement Focus sont à 3,5 m l’une de l’autre donc assez espacées pour commencer à donner une ouverture au son, mais à la fois suffisamment proches pour garder de la cohérence dans le bas du spectre.
Si tu places ton pied sur la centrale plus sub, tu as une certaine pression, si tu as besoin de plus, tu ouvres ton pied sur deux lignes et gagnes 6 dB. Nous le faisons sur quelques titres et il n’y a pas de contre-indication.

SLU : Tu gardes de la cohérence alors que ton pied sort de deux lignes plus le sub ? Aussi cohérent que si tu le joues d’une ligne + sub ?

Vladimir Coulibre : Non, mais tu gardes une cohérence. Ce qui compte c’est de connaître à l’avance la quantité de contour que tu souhaites avoir. Si tu peux cantonner des sources riches en grave dans une seule des trois lignes centrales et obtenir ce contour, c’est l’idéal, mais si tu as besoin d’un peu plus de headroom, tu peux glisser entre deux lignes et obtenir une cohérence parfaitement acceptable. Dans le show de ce soir en plus la batterie bouge sur scène, donc, on la suit.

SLU : Avez-vous fait le choix de placer des trackers sur les artistes pour bénéficier d’un suivi ?

Vladimir Coulibre : Non, cela ne nous a pas été demandé, mais c’est tout à fait possible et prévu dans la matrice. Quand tu abordes un projet de cette nature et de cette mesure, c’est bien d’y aller progressivement en respectant une méthode de travail très précise. Nous sommes partis avec Julien d’un gauche/droite et progressivement nous avons avancé journée après journée par des petites touches dans L-ISA pour ne pas se tromper, tout en gardant la pleine compatibilité du gauche/droite pour les dates qui n’ont pas permis le déploiement immersif.

SLU : As-tu perçu une forme d’engouement pour le rendu immersif ?

Vladimir Coulibre : Oui, mais j’ai fait le choix de ne pas me référer aux réseaux sociaux, mais plutôt à des gens qui vivent avec le spectacle sans spécialement travailler dans le son.
Je pense par exemple aux ouvreuses de la salle de Genève qui sont venues nous voir pour nous faire part de leur étonnement face à un son qu’elles n’avaient jamais entendu. Ce qui ressort en général ce sont deux remarques : une voix plus intelligible et un type d’écoute différent que les gens remarquent.

De très bons retours malgré une moyenne de niveau en LEQ15 de 95 dBA et 106 dBC ce qui peut sembler très sage mais est suffisant. L-ISA va changer notre manière de mixer car, par exemple, on n’a plus besoin de faire passer des choses en force.
La moindre inflexion s’entend, il va donc falloir qu’on apprenne à contrôler et même à écouter ce son qui arrive différemment et pour lequel on manque de repères. On parle beaucoup avec Julien de ces différences de ressenti.

A cour il se passe toujours quelque chose !

On laisse Vlad vaquer à ses 198 enceintes dont 76 K2, 88 Kara, 26 KS28 et 8 Kiva II, un truc de débutants, et on part à la recherche du moteur de tout ce bois.
La descente très bien peignée des câbles HP trahit sa présence à jardin, mais surtout à cour. Même si on peut mettre désormais l’esprit serein 3 K2 par LA12X, on est impressionné par leur nombre en LA-Rak II et en panières SSE, puisque l’ensemble du dispositif en bénéficie. Il y a 63 contrôleurs en tout soit 0,75 Mégawatt.

Cette balade en coulisses nous permet de discuter avec Adrien Maupeu le chargé d’affaires et Samuel Birais le Responsable technique son, tous deux pour le compte de Melpomen.

SLU : Comment sont interfacées les deux matrices L-ISA ?

Samuel Birais : On a deux cartes MADI dans la S6L de Julien pour avoir une redondance. Tous les Direct Out de la console partent en double et en fibre en direction des deux matrices L-ISA qui l’acceptent directement.

Une fois les signaux immersifs générés, on rentre dans les 6432 RME qui repassent le MADI en AES pour attaquer les LA12X qui ont deux entrées séparées A et B.
On aurait pu utiliser l’AVB mais par sécurité nous avons privilégié une solution plus rodée.

SLU : La bascule entre les deux configurations se fait au niveau des amplis…

Samuel Birais : Oui, il suffit de choisir entre entrée AB et entrée CD. On profite des 4 entrées de ce contrôleur. Avec LA8 on aurait été battu.

Être à cour permet aussi d’y rencontrer l’équipe retour en la personne d’Amandine Charré, honneur aux filles, qui se charge de la gestion de la grosse configuration Ableton, du ProTools ainsi que du plateau et de Christophe Rousseau qui mixe les retours.

Amandine Charré : J’ai en charge la config Ableton qui est télécommandée par le directeur musical de Chris, Bastien Doremus.
Je prépare et supervise la station. On enregistre aussi tous les soirs en ProTools chaque concert en exploitant le flux AVB en provenance de la console retours.

SLU : Vous travaillez en stage partagé ?

Amandine Charré : Oui, nous avons 128 entrées même si on ne les emploie pas toutes et, nous concernant, beaucoup de sorties. 24 en tout.

Christophe Rousseau : Je fais 12 mix différents.

SLU : Est-ce que le fait d’avoir au-dessus du plateau une telle quantité d’enceintes change quelque chose ?

Christophe Rousseau : Oui, c’est plus appréciable ! On n’a aucune onde arrière, c’est super propre. Par rapport à un gauche/droite c’est moins brouillon. Plus de sources et moins fort, ça nous va très bien. J’ai même dû ajouter du grave dans les ears du batteur car il en manquait un peu.

SLU : A ce propos, quels ears utilisez-vous sur vos PSM 1000 ?

Christophe Rousseau : Des Variphone ES50. Quand je suis arrivé sur cette tournée tout le monde était déjà équipé, j’ai donc eu ma paire pour entendre de la même manière.

SLU : Comment fonctionne la redondance d’Ableton ?

Amandine Charré : Par le biais des SW8 Radial. Ils disposent d’une entrée A et B avec une référence et un seuil qui a été préalablement réglé.
Si notre référence passe en dessous du seuil, ça bascule directement. C’est d’ailleurs le cas maintenant en absence de signal.

SLU : Cette relative abondance de fils…

Christophe Rousseau : Est due à la captation TV de ce soir (rires).

Antipasti de conclusion

Ayant passé une longue journée dans l’Arena, nous avons pu écouter et apprécier longuement le déploiement inédit de près de 200 boîtes. Comme le montrent les graphiques fournis par Vlad, le grave est extrêmement homogène, qu’il soit issu du dispositif cardioïde de KS28 ou des trois lignes centrales de K2, le tout marchant très bien aussi ensemble.

La transition entre le système immersif et les side en K2 est vraiment « seamless » comme disent les anglo-saxons. Ça passe super bien sans changement de couleur et de densité, mieux qu’avec L-ISA Wide où l’entrée de K2 dans Kara, apporte une assise trop agréable.

L’image ouvre bien avec forcément moins de largeur pour les spectateurs sur les côtés mais rien de comparable à ce que donne un pauvre G/D où à part à la console… Une balade en fond de salle prouve le bien-fondé des choix de Vlad, l’aigu arrive encore, même si un peu plus dur. A salle pleine on retrouve, comme il se doit, encore plus de cohérence et de précision. Un très beau travail de conception et de mise en œuvre du système qui pourra être encore plus exploité artistiquement à l’avenir.

Au-delà même de L-ISA, on est à l’orée d’un profond changement dans la reproduction d’un son amplifié qui va nous obliger à changer nos habitudes, encroûtés que nous sommes dans le gauche/droite et ses délicieuses marguerites si apaisantes. Aujourd’hui quand on ouvre, on lance en réalité la bataille du son où le SPL s’automutile, nourri par les quantités de bois en terre et en l’air.
Avec l’immersif et L-ISA, on se prend à plagier la merveilleuse scène de Un idiot à Paris avec Bernard Blier : « finie la petite stéréo, finies les vacances de vos doigts, finies les interférences…»  Le son sort avec une facilité et une cohérence nouvelle mais qui ne pardonne pas grand-chose. Sans le masque interférentiel de la double mono, on retrouve des couleurs, de l’impact et un certain mordant.

L’impression de « satiété acoustique » arrive au moins 3 dB plus bas et toutes les sources gagnent beaucoup en précision dont la voix lead qu’on redécouvre sans avoir besoin de la corseter dans les chaînes dynamiques d’antan. Désormais on n’entend plus qu’elle. La dynamique, peut être travaillée plus finement à la lumière d’un rendu beaucoup plus fluide et analytique.
Mixer pour de l’immersif et pour un gauche/droite sont deux démarches acoustiques et artistiques différentes et penser qu’on peut éparpiller ce dernier en substituant au panoramique la matrice, ne paraît pas un bon calcul. Il faut travailler ses sources et sa dynamique autrement.

Du coup, ce qui est vrai en classique où L-ISA a fait ses preuves et apporte enfin l’air à ce style musical, l’analyse et la masse orchestrale en 3D que le gauche/droite ne fait qu’esquisser maladroitement, n’en est qu’à ses débuts en variété. Les formations L-ISA dispensées par L-Acoustics durant 3 jours et dont on nous a dit le plus grand bien, parlent aussi mix, mais il serait bon que les écoles de son s’y intéressent aussi très vite.

Reste maintenant à trouver un équilibre satisfaisant entre coût d’un déploiement L-ISA et apport tangible vu côté public dont il faut souligner la plus grande difficulté à percevoir ce qui nous semble si évident. Il faudra sans doute passer plus de temps à construire les shows en scénarisant plus le son dans l’espace, en accompagnant le chanteur dans ses déplacements et en mettant une dose de folie dans le rendu, sans perdre pour autant le « boulet central » la signature propre à tout concert.

C’est probablement à ce prix que le public reconnaîtra et plébiscitera l’immersif qu’il connaît bien pour l’entendre notamment au cinéma depuis belle lurette. L-ISA, et tout système par objet, devra apporter autant de liberté et de spontanéité à un show que les liaisons HF l’ont fait, quitte à rajouter un peu de bois sur les côtés ou à l’arrière pour ne jamais perdre la relation son / artiste au cas où ce dernier part en balade en salle. On aimerait aussi avoir un K3, 3 comme trois moteurs permettant de dépasser les 110° sans perdre du SPL au lointain et un Kara 2 avec des L-Fins et deux moteurs pour les mêmes raisons. 110° en immersif, c’est vraiment trop court.

Quoi qu’il en soit et dans l’attente que le Père Noël plein de fils de Marcoussis nous gâte, place aux artistes et à leurs techniciens de talent bien formés pour exploiter toujours mieux les ressources actuelles. Une chose est certaine, on n’a jamais rien trouvé de mieux que l’air pour y mixer du son.

Une jolie tournée siglée Dushow avec deux vieilles gloires à la face et retours et deux jeunes pousses au système et aux machines. Ajoutons le plein de bonnes idées, une embellisseuse anglaise très addictive, une salle bordelaise qui décoiffe et…reportage !

Notre balade au sein de l’Arkea Arena commence par le plateau qui est copieusement garni de trouvailles et de beau matos, le tout en compagnie d’Ivan Herceg l’homme de la face, David Chancereul celui des retours et Maxime Rosette qui s’occupe des machines.
En fait une très belle configuration Ableton qui sert à remplir les arrangements de la tournée via des séquences, mais aussi à gonfler la batterie avec des échantillons.

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Ivan Herceg : On se sert du lecteur d’échantillons Drum Rack de ce logiciel pour compléter la caisse claire et les toms en exploitant le mode random qui joue 4 échantillons à sa guise ce qui préserve le naturel du son. On ajoute par exemple sur la snare des ambiances de pièce qui en plus sont accordées à notre caisse. Autre avantage, on peut automatiser les parties du titre où ces sons sont employés ou pas. Une intro en rim shot n’en a évidemment pas besoin.

SLU : Mais on va te retirer tes réverbes alors, tu n’en as plus besoin !

Ivan Herceg : (rires) Non, non, c’est pas pareil !

SLU : Maxime, comment es-tu arrivé sur ce projet ?

Maxime Rosette : Par Jean-Philippe Chevingt et Romain Berguin…(on l’interrompt)

SLU : Tu travailles pour Upoint toi, où il y a déjà un autre Maxime, Menelec !

Ivan Herceg : C’est pour ça qu’on l’a surnommé Mask ! C’est sa première tournée mais il est déjà à l’aise.

Le maître de la lumière noire

Après cette mise en bouche Abletonienne, direction la régie retour en compagnie de David Chancereul pour comprendre comment s’articule l’infrastructure de captation, mixage et transport du signal entre les deux consoles, toutes deux SSL avec une L500 aux retours et une L200 à la face.

David Chancereul : Je suis en A et maître des gains, la face est en B avec une compensation numérique de mes gains. Ce concentrateur reçoit les flux MADI de deux stage racks, des ML 32.32 qui sont placés idéalement sur scène à cour et à jardin au plus près de leurs sources respectives. Il reçoit aussi les flux MADI redondés en provenance de l’Ableton de Maxime.

Ensuite j’ai un stage uniquement numérique D 32.32 qui reçoit les sorties des récepteurs micros, interface la M6000 et tout ce qui peut l’être en numérique.
Enfin il y un Alpha Link pour alimenter le système depuis la console de face qui dispose ainsi d’entrées et surtout de sorties sur le plateau, qui sinon seraient impossibles.

Ivan Herceg : Comme je ne suis pas maître des gains, j’ai accès aux entrées distantes mais pas aux sorties, j’utilise donc l’Alpha Link en direct et via des fibres séparées pour alimenter les amplis, faire les talks et aussi dépanner en cas de problème les émetteurs de ears. Une Harting est prévue pour que je prenne la main.

David Chancereul : Avec les nouveaux stages en Dante c’est désormais possible de connecter directement la console de face avec les sorties, mais pas en MADI…

SLU : Tu as un patch de combien aux retours ?

David Chancereul : 85 avec les talks. Rien qu’en analogique j’ai 56 lignes prises. Tout le reste c’est de l’AES et les liaisons. Il y a un truc assez drôle. Ivan prend la sortie analogique du récepteur Axient Digital pour pouvoir disposer du préampli de sa SSL alors que moi j’ai opté pour la sortie AES. Il a un peu plus de grave que moi, grave dont de toute façon, je n’ai que faire.

SLU : C’est quoi cette DI derrière le bassiste ?

David Chancereul : Une trouvaille de Matthieu Speck (Matt, si tu nous écoutes !) Une petite société lyonnaise qui s’appelle Hacienda Labs. On l’essaie depuis trois jours et c’est très bien. Ca marche en Classe A avec une alim à découpage et ça sort sur un super transfo.

SLU : Et ce wedge, il sert juste à coller dessus le track listing ?

David Chancereul : (rires) Non, pas tout à fait. Il était sur la tournée de Louane, et J-Mi Lerouge l’avait mis à tous les musiciens. C’est Julien Bouzy au départ qui l’a retrouvé dans le stock de Dushow. C’est un wedge de Rat Sound. Hugo (Marcus, guitariste) me l’a demandé. Il ne délivre que du bas médium. Je coupe tout au-dessus de 800 Hz et j’enlève du 600 à 400. Il est quoi qu’il en soit conçu pour taper sans descendre, je l’ai mesuré et en dessous de 100 Hz, il ne donne plus rien.

SLU : C’est un deux voies ?

David Chancereul : Non, trois voies mais je mute sur l’ampli tout ce qui n’alimente pas les deux 15”. Il est là pour apporter une sensation physique en complément des ears.
J’y mets pas mal de batterie et les percussions des séquences. Hugo baigne dans ses amplis guitare, ses ears et son wedge. Du coup quand il va jouer devant il est tout triste (rires).

SLU : Il y a du sub Meyer sur scène…

David Chancereul : Oui, un pour les claviers, un pour la basse et un pour la batterie. Ce sont des 900 LFC. Je préfère avoir des subs en 18”.

SLU : Pour tes liaisons micro et ears tu es en Shure

David Chancereul : Oui, Axient Digital pour les micros et PSM 1000 pour les ears.
La capsule d’Amir est une d:facto DPA, l’émetteur est un AD2. Nous avons 2 récepteurs quadruples AD4Q et un double AD4D avec un AXT600 pour manager les fréquences.

SLU : Content du PSM 1000 ?

David Chancereul : Oui bien sûr car j’ai en plus une nouveauté, les récepteurs P10R+. Nous sommes certainement la première tournée française à en bénéficier.

La transmission reste analogique entre émetteur et récepteur comme avec la génération précédente, mais ensuite dans le P10R+ le signal est converti en numérique et passe dans un FPGA qui va effectuer les fonctions de décodage telles que la désaccentuation, l’expansion et un peu de processing dont une partie est ouverte à l’utilisateur qui peut corriger très finement sa liaison ou ses écouteurs.

Tout ceci améliore considérablement la qualité du rendu et notamment l’image stéréo qui est beaucoup plus large, les artefacts liés à la compression expansion qui disparaissent et enfin la dynamique qui est améliorée.
Je m’en suis rendu compte en effectuant une écoute chez Dushow à l’aide du Virtual d’une ancienne date. Je souhaitais au début partir avec une marque italienne bien connue mais Dushow a su me convaincre et a mis à notre disposition 9 liaisons juste à temps pour la tournée et j’en suis très content.

SLU : Combien de liaisons entre micros et ears ?

David Chancereul : En tout 44 fréquences car, en plus des micros chant et des retours, nous avons en TG1000 Beyer, dix liaisons instruments. Les récepteurs sont dans les racks avec les stage box car, comme la plupart fonctionnent avec des pédaliers, on préfère raccourcir au maximum le câblage.

SLU : Comment gères-tu les éventuels parasitages HF ?

David Chancereul : J’ai deux fréquences prêtes pour chaque type et marque. Deux pour l’Axient Digital, deux pour les PSM1000 et deux pour les TG1000. Je suis seul aux retours, autant être prudent.

SLU : Question puissance d’émission tu es comment ?

David Chancereul : Tous les packs musique Beyer sont à 10 mW. Les ears à 50 mW sauf le bassiste pour lequel j’ai poussé à 100 mW pour lui éviter des petits bruits dûs au placement d’une sorte de barrière avec les claviers qui à chaque fois posent problème.
Les Axient Digital sont à 10 mW à part la liaison d’Amir et de sa guitare acoustique qui sont à 50 mW du fait de sa balade loin dans le public. Enfin j’enregistre en 64 pistes post trim tous les shows, ce qui me donne la possibilité d’analyser tout éventuel problème et comprendre ce qui a pu le générer.

SLU : Des effets ?

David Chancereul : Oui, la t.c. M6000 avec un moteur pour la batterie, deux pour les guitares et un pour le chant lead. Le reste je le fais avec la console, en sachant qu’il faut un peu les travailler ces effets internes. Enfin je pilote la M6000 en midi à partir des snapshots.

SLU : La Nanoclock est maître ?

David Chancereul : Non esclave, elle me sert à distribuer l’horloge de la L500 qui est maître vers les HF, la réverbération t.c. et les séquences.

Système mon beau système…

Laissons le plateau aux balances pour repartir en salle jeter un coup d’oeil au système.

La salle a une jauge légèrement réduite à la capacité d’un grand Zénith. On retrouve donc une couleur qu’on connaît bien et un kit très suffisant et bien conçu. Le gauche droite est constitué de 12 K2 surmontés par 3 K1-SB avec des angles très doux et une ouverture importante.

Pour y remédier 6 Kara sont placés au centre en douche et deux infills posés sur le plateau avec 3 Kara sanglées sur un SB18 et 6 X8 en lipfill complètent le dispositif avec un X15 en outfill. Le grave est complété par deux ensembles de 8 subs KS28 accrochés en gauche droite à fleur de dalle et en mode cardioïde, 2 subs étant à 180° sur chaque colonne.

On grimpe à la régie retrouver le couple Ivan Herceg au mix et Grégory Esmieu au système.

SLU : Comment es-tu arrivé à t’occuper de la diff d’Amir ?

Grégory Esmieu : Pas par hasard (rires). J’ai été appelé par Ivan.

Ivan Herceg : C’est moi qui lui ai demandé de partir avec nous. Si tu n’as pas d’idée, le prestataire peut te proposer quelqu’un, mais je souhaitais qu’il soit de la partie car on se connaît depuis longtemps. Le choix du système est le fruit de la tranquillité d’esprit que nous offre Dushow.

Grégory Esmieu : On voulait d’abord partir en Adamson mais cela impliquait de travailler avec un autre prestataire pour la diffusion. On aurait aussi essayé volontiers le nouveau d&b mais il n’y en avait pas de disponible.

Ivan Herceg : En plus j’aime bien le K2, c’est plus facile à travailler et plus neutre que le K1 qui est fait pour de l’extérieur et pas des jauges moyennes en salle. D’ailleurs le K2 commence aussi à être déployé en extérieur sur des grosses jauges.

SLU : A ce propos, pas de outfills accrochés ?

Grégory Esmieu : Non, pas besoin. On a du Kara dans la semi pour certaines salles mais ici, et en 110°, le K2 fait le job et le rideau absorbe ce qui tape dedans. Ca m’arrive malgré tout de shooter exprès trop haut pour éviter que d’éventuels rangs de sièges ajoutés se retrouvent un peu seuls… Ca nous est déjà arrivé (rires).

SLU : Comment as-tu choisi ton placement des subs ?

Grégory Esmieu : En fonction du résultat escompté, pour éviter de les mettre en l’air ce qui ne plait pas à Ivan qui est un fan de l’effet de sol et enfin pour tenir compte du fait que je suis seul pour tout monter.

Ivan Herceg : L’avantage des K2 en full range c’est aussi le niveau déjà intéressant de grave. Quel que soit le type de déploiement, arc, accroche derrière les lignes, point central, on ne recherche qu’un complément en bas.

SLU : Comment alimentes-tu les amplis ?

Grégory Esmieu : Je récupère un AES sur le stage en bas sur un P1 à cour et je sors sur une boucle en AVB vers cour et jardin. J’ai quand même mis une redondance en AES mais l’AVB est stable.

Trois, quatre…et ça commence à balancer, et plutôt bien, autant dire qu’on en reste là avec nos questions et qu’on savoure le rendu « acoustique » de l’Arkéa Arena, sans autre système que ce qui sort du plateau.
On se croirait dans un studio de radio tant le très beau travail de Christian Malcurt et des pendards de course réduisant sa jauge font la vie dure aux réflexions. Une fois le système ouvert on retrouve le piqué et la définition de la marque et plus encore du K2. La couverture est parfaite et 12 têtes suffisent largement.

Le grave sec et tendu monte bien dans les gradins avec l’habituel phénomène de marguerite propre au montages en gauche / droite. Un léger slapback se fait sentir, sans doute dû aux assises des sièges qui n’ont curieusement pas été dotées du même type de diffuseur pyramidal qui équipe par exemple ceux de l’AccorHotels Arena. Le tout disparaît bien entendu une fois le public assis ou debout devant son siège.
Continuant notre balade on se rend compte de la quantité de son direct que la batterie et les guitares envoient, ça mériterait presque de matricer le signal envoyé dans les lipfills pour équilibrer un peu les premiers rangs. Heureusement la douche en Kara veille ;0) Un bon design et calage de Greg.

On remonte à la fin des balances à la régie face et on reconnaît le MM1 Beyer en mesure.

Grégory Esmieu : Je n’en ai pas un mais 4 sur des émetteurs main de la marque et un 5e en filaire pour suivre le show. Je peux ainsi travailler en multi-mesure dans 5 points beaucoup plus facilement.

Et j’ai le tout premier exemplaire sorti d’usine de chez Beyer, le MM1 Ser.-No. 1001. C’est un capteur très droit qui est de plus livré avec sa feuille de specs individuelle ce qui permet de paramétrer l’analyseur et corriger les éventuelles fractions de dB d’erreur.

SLU : Tu possèdes quatre micros et des liaisons aussi ?

Grégory Esmieu : Oui, deux liaisons ce qui me permet d’être indépendant des prestataires. Ceci dit, Dushow est bien équipé en TG1000 car c’est un système très linéaire, parfait pour la mesure et on s’en sert aussi de plus en plus sur des instruments, y compris les guitares et les basses. On a dix liaisons instruments sur cette tournée.

Ivan Herceg : J’adore. J’avais commencé à en utiliser avec Lilly Wood sur les vox, puis sur les guitares, les basses et maintenant on repique tous les instruments de la tournée avec. Tout sonne bien, ne tord pas, a la patate et tu ne te dis pas : « tiens, c’est du HF ».

SLU : Et last but not least, le Fusion de SSL, la boîte que tout le monde veut et qu’on retrouve aussi bien en mastering, studio comme sur scène.

Ivan Herceg : C’est mon jouet en insert sur le master avec l’API2500 qui est inséré dedans. C’est bluffant. Ca te tient la baraque. Du coup tu fais moins de choses dans la console car par exemple l’EQ d’aigu en plateau est très beau. Tu peux ajouter de la brillance sur les cymbales, les guitares et la voix, mais pas forcément sur tout. Ca cible un peu les fréquences.

Si tu te retrouves trop « bright », tu disposes de coupe bas sur la console pour calmer les sons qui posent problème. J’ai abandonné le Bus Comp de SSL pour l’API2500 car il a des fonctions de détection vraiment géniales et me fait du make-up sur le master.
Pour le reste j’ai un Fatso en insert dans le stem de la batterie sauf le pied et le Little Labs VOG est dans celui du kick ; c’est un filtre résonant vraiment intéressant. Une fois que tu l’as réglé sur sa fréquence, ça le précise à fond et ça le fait percer au travers de la basse. Basse et pied se marient très bien grâce à lui.

SLU : Comment tu l’as eu le Fusion. C’est un prêt ?

Ivan Herceg : (rires) Non, je l’ai acheté ! Je l’ai écouté vite fait sur un salon dans un casque pourri et j’ai mis la pression sur SSL pour l’avoir à temps. C’est addictif et j’aurais du mal à m’en passer. Le HF Limiter notamment est mortel. Quand je le retire…Je n’ai plus d’aigu. (Un peu quand même Ivan !) C’est un vrai complément.

SLU : Il remplace quoi ?

Ivan Herceg : Ben rien… On peut dire que d’une certaine manière il remplace le VT747 mais il est beaucoup plus intéressant car il ne compresse par et agit plus subtilement grâce à son HF Limiter.

SLU : Tu te sers aussi du transfo. Tu peux le by-passer ? (on profite lâchement d’une belle intro un peu reggae durant la balance)

Ivan Herceg : Oui, c’est très efficace. Ca gonfle le grave en l’écrêtant légèrement (c’est exact, ce que la propreté y perd, la densité et la rondeur y gagnent avec une touche de couleur fixe mais jolie).

SLU : Pour la chaîne voix ?

Ivan Herceg : J’ai le Déesseur SPL suivi de l’API 527. J’ai après un Distressor sur la guitare folk de Jérôme (Queriaud qui assure aussi des claviers et des choeurs) et la basse passe par le A Design BAC 500 toujours en insert. Tous les effets, l’Eventide 2016, le D-Two et la R4000 t.c. et la Yamaha SPX 2000 sont interfacés en AES. L’Eventide H9 transite par un convertisseur analogique/MADI. La PCM96 Lexicon est en spare.

SLU : Mais tu as aussi les effets de la console !

Ivan Herceg : Non mais j’y vais soft (rire sonore de Greg!) Non mais sérieux, j’utilise beaucoup d’effets de modulation…

SLU : Beaucoup mais soft (rires)

Ivan Herceg : Un flanger, un chorus, un deuxième chorus…et ça ne joue qu’à certains moments. Je n’ai pas de serveur d’effets et c’est très bien ainsi. C’est trop dangereux, t’as envie d’en mettre. Il me manque juste un C4 ou C6 pour la voix. Le multibande de la SSL est moins bien conçu.

En avant la musique !

Plein d’idées, du beau matériel, des bons musicos sur scène, tout va bien dans le meilleur des mondes…allez, peut être pas le meilleur, mais dans une des meilleures salles, c’est certain. Le rendu du show est carré, analytique et avec un piqué impressionnant. Le couple « SSL-Acoustics » est réputé pour ça, surtout quand il est exploité aussi bien.

Les cordes des guitares acoustiques, les cymbales, le grain de la voix d’Amir, tout bénéficie à plein du Fusion dont il faudra malgré tout apprendre à crayonner en blanc les valeurs à ne pas dépasser.
Le joujou est terriblement addictif ;0) Comme toujours avec Ivan, le mix est travaillé, enrichi, réfléchi avec un suivi imparable des délais au tempo et une belle batterie, sinon massive, du moins à l’image du jeu du batteur, très riche et sèche.
Les niveaux flirtent avec les 96 dBA et une petite dizaine en plus pour le C, largement assez vu l’absorption entre pendards et le traitement de la salle, plafond compris. Quand il n’y a rien à masquer, inutile de bastonner pour la forme, surtout dans des shows et où le public fait par moments autant de SPL que le show lui même. Bravo enfin aux lumières qui savent se faire toutes douces et chaudes ou bien bâtonner comme des forêts de photons au garde à vous !